SIA renace en el 2010

En abril del 2010 tendremos el nuevo album de Sia, después del glorioso "Some people have real problems". Como en las películas de suspense, tenemos una noticia buena y una mala. ¿Por cuál empiezo?

La buena es la obvia: toda nueva publicación de la australiana es recibida con los brazos abiertos, y la mala es que puede ser que el éxito obtenido por "The girl you lost" en su versión "disco machacón" haya influído en su nuevo sonido. Como ya anuncia desde el título, efectivamente, ha cambiado.

El album se titulará, "We are born", título que no dice absolutamente nada, y ya se ha filtrado "You've changed", que no sabemos si es una versión o es un tema original, pero nos decantamos a que es una pieza escrita por ella. El disco está producido por el últimamente omnipresente Greg Kurstin (Lily Allen, Britney, Kylie, Natasha Bedingfield), de ahí también el cambio de sonido. Sia ya trabajó con Kurstin en uno de los temas de su anterior disco, "Death by chocolate".

Desde aqui te puedes hacer con el single:
You've changed

Amy Macdonald no ha terminado con nosotros

Qué guapa y rubia soy y qué tipo se me ha quedado...

Aparte de los regresos ansiados de Sade y Natalie Merchant, dos damas respetadísimas de la música, tenemos la reválida de la prometedora muchacha Amy Macdonald, después de un excelente disco debut, "This is the life".

Se ha dado a conocer el nombre y la fecha de la publicación de su primer single. "Dont't me that it's over" se publicará el 1 de Marzo del 2010, una semana antes del lanzamiento del nuevo album, aún de título desconocido. Así que probablemente por febrero ya estaremos escuchando lo que nos tiene que ofrecer la escocesa.

El título de su nuevo single nos recuerda a lo último de Starsailor, "Tell me it's not over". Esperemos que tenga más fortuna que esta banda, que aunque el estupendo single que les produjo Steve Osborne no cuajara en el mercado, a mí no me disgustó en absoluto. ¿Los motivos del fracaso? Eso en otra entrada, ¿no?.

Febrero de 2010: Nuevo disco de SADE

Ya es oficial y una realidad. Sade renace de las cenizas. Chicos, Sade está viva!! Parecía que se hubiera desentendido de todo aspecto musical: Ni giras, reapariciones, colaboraciones... nada de nada. Desaparecida en el más absoluto anonimato.

Como si de una superstición se tratara, durante esta década no quiso editar nada nuevo, así como si la hubieran echado un maleficio que dijera: quédate en casita a tus labores y eso de entrar en un estudio ni en sueños.
Es ahora cuando Sade anuncia desde su página web nuevo disco para el 2010: "Soldier of love", con una tremenda foto de espaldas "nada retocada" como avanzadilla al artwork que le acompañara.

Años trabajando en el disco provocan altas expectativas en el resultado. Apuesta arriesgada y valiente la suya, porque tanto tiempo después todos esperamos algo muy grande de la intérprete de "No ordinary love" o "Cherish the day". Pero ya promete guerra desde el título, que aunque suena algo edulcorado, puede tener muchas lecturas.

Todos los ojos están en ella, veremos si puede sostener las miradas con dignidad.

Aqua vuelven góticos, diez años después

Ya hace 12 años de aquel "Barbie girl", ese gran hit que dió popularidad al divertido grupo danés Aqua. Mezclando vistosos videos caricaturescos con pop chicloso de fácil digestión, Aqua publicó únicamente dos discos de estudio para después ser tragados por un agujero negro del espacio. Su vocalista, Léne, sacó un disco en solitario que sólo se lo compró su familia y vecinos y de los demás poco se supo.

El 2009 ha supuesto la vuelta de la banda, que han publicado un grandes éxitos que tenían pendiente con la compañía, en el que han incluído tres temas nuevos. Eso sin mencionar una nueva grabación de próxima publicación: un tema navideño titulado "Spin me your Christmas".



Poco a poco se han ido animando con esto de meterse en el estudio hasta anunciar tercer disco completo para el 2010.
Lo primero que escuchamos tras anunciar su regreso fue "Back to the 80's", una pomposa canción insípida que no había por dónde cogerla, con la que todos miramos hacia otro lado y los enterramos en el olvido más si cabe, tal y como hicimos con las Spice Girls en su regreso reciente y aquella bazofia que era "Headlines".

Lo que no nos esperábamos era el nuevo single que extraen de su colección de éxitos, "My mamma said", que está a mil años del primero y que, continuando con las comparaciones con las chicas picantes, no es ni por asomo un "Voodoo".
Se trata de una oscura canción muy bien producida que justifica su "comeback". Un medio tiempo casi tan bueno como fue aquel "Turn back time", en su más pura línea de europop con arañazos electrónicos sinuosos y pianos maquinizados, cuyas partes vocales están muy bien traídas y que se complementan a la perfección. Al principio me pareció algo flojo, pero es después de descubrir su puesta en imágenes cuando me han convencido: No han vuelto para hacer caja, tienen algo más que ofrecer.

Los coloridos Aqua que como si fueran comics o dibujos animados, presentaban cada uno de sus singles, han adquirido un aspecto siniestro y lúgubres. Vestidos de un pulcro negro, con miradas lánguidas, los componentes del grupo se sientan a comer, en una mesa situada en una habitación que recuerda a películas de Bergman o Kubrick. Aspecto tétrico y gestos contenidos que se ven intercalados con escenas en las que se les ve corriendo, como huyendo de aquella escena desagradable. No falta detalle, las sirvientas arrinconadas, las hojas secas esparcidas por el suelo, unas enormes uvas negras sobre la larga mesa, cucarachas a sus anchas entre los cubiertos, un líquido en las copas que no se atreven a probar...

"My mamma said" nos deja un buen regusto, por lo que, si van a sacar disco en el próximo año, habrá que tenerlos en cuenta. Llevan diez años sin hacer nada juntos, y ya era hora de que se reunieran exprimiendo lo mejor de cada uno como grupo.

Jack Savoretti comienza con la promoción

Le está costando, pero ya van llegando cositas relacionadas con el segundo album de Jack Savoretti que desde hace muchos días se puede conseguir en la red y que supone un cambio al folk americano más enraizado, abandonando cualquier atisbo pop con el que planeaba en su primer intento.

Ha publicado en youtube dos vídeos de andar por casa, bastante cutrecillos, pero algo es algo. Lo gracioso es que incluso lleguen a anunciar al director de semejantes chapucillas de novato, como si algo grande nos aguardara. Nos quedaremos con las interpretaciones acústicas que realiza en ellos Jack y con el lado intimista y esa luz como de una chimenea que le refleja en "Harder than easy".

Recordamos que hasta el año que viene no estará en las tiendas el album, aunque ya todos sus seguidores seguramente se lo hayan descargado de Internet y se sepan las canciones como el Padrenuestro.

Los Planetas y el flamenco

Otros que se montan al tren de los EPs son los españoles Los Planetas, pero ellos, más originales que nunca, se han marcado cuatro canciones en donde exploran diferentes estilos de flamenco, como ya anuncian desde su myspace. Este EP estará a la venta el 8 de diciembre, pero como siempre, se ha filtrado días antes.


Info extraída de su myspace:

EL 8 DE DICIEMBRE, LOS PLANETAS PUBLICAN EL EP CUATRO PALOS, EN EL QUE RINDEN HOMENAJE A MANOLO CARACOL EN EL CENTENARIO DE SU NACIMIENTO

Romance de Juan de Osuna, No sale luz esta noche (Petenera), Yo le estoy pidiendo a Dios y Tarantos de Perico “El Morato”. Son las cuatro canciones que incluye Cuatro palos, el nuevo EP de Los Planetas que se publica el 8 de diciembre de 2009 y que anuncia el lanzamiento de su nuevo álbum, previsto para febrero de 2010. En este nuevo disco, sólo estará Romance de Juan de Osuna. Los otros tres temas aparecen exclusivamente en el EP Cuatro palos.

“Son interpretaciones de cuatro palos del flamenco: romance, petenera, tarantos y otro más abierto, inspirado en cantes de Cádiz, quizá las alegrías”, dice J, de Los Planetas. Cuando se le comenta la leyenda tradicional flamenca que relaciona a la petenera con la mala suerte, J afirma: “La Niña de los Peines decía que los que aseguraban que daba mal fario es que no sabían cantarla”.

El acercamiento de Los Planetas a estos cuatro palos en su nuevo EP enlaza con su último álbum La leyenda del espacio, que publicado en 2007 significó una inmersión en profundidad en el mundo del flamenco, siempre con el espíritu y la actitud que la banda granadina viene enarbolando desde la aparición de su primer álbum, Super 8, en 1994. Ahora, en Cuatro palos continúa su acercamiento al flamenco como fuente de inspiración, con el tema Romance de Juan de Osuna como lanzadera.

Romance de Juan de Osuna es un homenaje a Manolo Caracol (1909-1973) con motivo del centenario de su nacimiento y fue una de las creaciones cumbre del genial cantaor sevillano. Manolo Caracol provenía de una larga estirpe flamenca y era tataranieto de El Planeta, uno de los primeros cantaores de flamenco de los que se tiene noticia. “Caracol es una de las figuras fundamentales del flamenco”, afirma J. “Con 13 años ganó el primer Concurso de Cante Jondo que se celebró en Granada en 1922 en presencia Manuel de Falla, García Lorca… Es nuestro homenaje a un artista clave”.

El EP Cuatro palos se publica con una portada realizada por el granadino Daniel D’Ors que evoca al western y la canción Romance de Juan de Osuna llega acompañada de un vídeo realizado por el también granadino Javier Longobardo, artista multidisciplinar que ha realizado videoclips de animación para Kanye West (Streetlights), para el grupo belga Arsenal (Estupendo) y que prepara el próximo de 50 Cent. Javier Longobardo ha creado una magnífica película de animación, un cómic de ambiente psicodélico-futurista que aporta una visión diferente al homenaje a Manolo Caracol. “Son trabajos que hacen otros artistas en función de las canciones, sus interpretaciones personales”, dice J. “Cada uno las ha llevado a un sitio distinto para reflejar la emoción de la canción”.

Cuatro palos se publica el 8 de diciembre y anuncia que en febrero de 2010 habrá nuevo álbum de Los Planetas. “Faltan algunos detalles y las mezclas”, termina J. “El disco recoge cosas del anterior, de la historia de Los Planetas, se introducen elementos nuevos…”. El próximo álbum de Los Planetas sucederá a la antología Principios básicos de astronomía, publicada este año y que es un recorrido por su carrera con 22 canciones reconocidas y una inédita, extraídas de los álbumes Super 8 (1994), Pop (1996), Una semana en el motor de un autobús (1998), Unidad de desplazamiento (2000), Encuentros con entidades (2002), Los Planetas contra la ley de la gravedad (2004) y La leyenda del espacio (2007).

MUSICINMOUTH - Noviembre 2009

Llega el primer recopilatorio con todos los temazos que suenan en el blog, el primero del que espero que sean muchos. Los grandes éxitos de este mes para goce y disfrute de todos vosotros. ¿A qué esperas para descargártelo y empezar a disfrutar de buena música?

De todos ellos hemos hablado a lo largo de este mes, pero no está de más recordarlos un poco. Si queréis buscar las referencias usad el buscador.

Se esperan comentarios, qué canciones extrañas, cuáles hubiérais incluído... lo que se os ocurra.

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01 - SEA WOLF "THE TRAITOR"



"El traidor" es lo mejor que podemos extraer del fabuloso segundo album de Sea Wolf. Una exquisita melodía folk con arreglos multinistrumentales. Atentos a las castañuelas.

02 - FLORENCE & THE MACHINE "DRUMMING SONG"

Florence ha sido el personaje de este mes y si hay que elegir una de sus canciones, nos quedamos con "Drumming song". ¿Por qué? Pues porque tiene una fuerza única, saca vozarrón y encima tiene un vídeo muy chulo. Más no se puede pedir.

03 - DAVID GRAY "FUGITIVE"



"Fugitive" es la vuelta al ruedo de David Gray, un inspirado tema uptempo que va entrando poco a poco y que al final te acaba enganchando como una serie americana de suspense. Ojo a la producción, no le falta detalle. Qué manera de acabar la canción, casi derrapando.

04 - BABYBIRD "BACK TOGETHER"

Es la gran balada olvidada que presentábamos recientemente. Una canción que debería estar en los discos duros de todo el mundo y recuperar cuando más se necesite. Todo un ejercicio de sentimentalismo sin llegar a ser sentimentaloide. La imagen del coche fúnebre sin ruedas... genial.

05 - VERTICAL HORIZON "SAVE ME FROM MYSELF"

Una de las reuniones más aplaudidas por mi parte, con este trallazo se ponen serios y chulos. Porque aunque, como ya dije, me recuerda a otra canción famosa, sólamente por el soberbio bridge casi africano,que es muy original, vamos a olvidarnos de cualquier parecido razonable.

06 - PEREZA - "AMELIE"

Los madrileños se unen a Andrés Calamaro para contarnos una historia de amor, o quizás de desamor. "Aviones a punto de salir, pasiones de gitanos, pequeña sonrisa de Amelie, me tienes ganado..." Con un halo de blues más propio de Calamaro, pero que han intentado llevar a su terreno.

07 - IDLEWILD "(THE NIGHT WILL) BRING YOU BACK TO LIFE"



Idlewild reconvertidos en Simon & Garfunkel, o la versión escocesa de Juan y Junior. Un juego de voces hermoso que va intercambiando estrofas. Una de las mejores canciones del último disco de Idlewild, como recomendé en la anterior entrada.

08 - MARIA TAYLOR - "TIME LAPSE LIFELINE"

Nos fuímos de compras con Maria Taylor este mes, aunque será en Diciembre cuando todos acabaremos hasta el moño de las compritas. Con esta canción Maria Taylor nos abrió el corazón y pasó directamente al nuestro. Una pieza etérea y reluciente.

09 - 10,000 MANIACS "HOW YOU'VE GROWN"



El duro paso del tiempo fue comentado en el blog en una de esas entradas místicas que me da por poner. Como banda sonora escogí este tema que Natalie Merchant interpreta con ese aura de dolor y pesar que sólo ella sabe adquirir. Una oda a la vida y a las personas que vamos dejando detrás.

10 - RIGHT SAID FRED - "LOVE FOR ALL SEASONS"

Recordábamos en la sección "One Hit Wonders" a los Right Said Fred. Ese dúo de rapados musculitos que lucían biceps en sus videos y que editaron un primer disco bastante potable, del que extraemos este "Love for all seasons", la canción que lo abría.


11 - LA ROUX "BULLET PROOF"

Este 2009 fue el año de La Roux y una de las canciones que ha sonado más en estos últimos meses es la pegajosa "Bullet proof". A no ser que uno esté a prueba de balas, acabarás tarareándola sin poder evitarlo. "This time, baby, I'll be bulleeeet proooof".



12 - THE PANICS "CRUEL GUARDS"

La canción que daba nombre a su último disco es una composición austera y solemne que contrasta con el resto de la obra, que intenta ser luminosa. Unas voces de fondo hermosas que rematan en un instrumental final intenso. De lo mejor que han hecho.

13 - A-HA "SHADOWSIDE"



Los noruegos volvían este año a sus raíces electrónicas con un estupendo nuevo album, "Foot of the mountain". También regresaban a las listas de ventas británicas. Este "Shadowside" es el segundo sencillo europeo, que aquí te ofrecemos en su versión LP.

14 - CRASH TEST DUMMIES "SWIMMING IN YOUR OCEAN"

Otro de los "One Hit Wonder" que presentábamos con uno de sus "lost hits". "Swimming in your ocean" es una preciosa canción que plantea dudas universales, sólo como esta banda canadiense sabe hacer. Uno de los estribillos más logrados que ha conseguido crear Brad Roberts.

15 - BARENAKED LADIES "FOR YOU":

Para los que conozcan algo esta banda, "For you" les va a sorprender. Este aire folk americano de vieja escuela que practican aquí no es lo que los Ladies suelen confeccionar. Pero les ha quedado tan bien y es tan novedoso en su discografía que merecía la pena rescatarlo del baúl de los recuerdos.

16 - CHARLIE WINSTON "SOUNDTRACK OF FALLING IN LOVE":



Uno de los descubrimientos de este mes, pendiente de explotar en popularidad en los siguientes días, como seguro que hará. Esta canción muestra un aire más introspectivo y totalmente opuesto al alegre "In your hands".

17 - LOVE OF LESBIAN "TE HIERO MUCHO (HISTORIA DEL AMANTE GUISANTE)"

El disco "1999" de Love of Lesbian es de lo mejor que se ha editado este año y sus tres singles lo demuestran. El tercero, que iba acompañado de un trabajado video animado, es original por los cuatro costados. Por su sonido, su letra y un personaje sacado de la nada que muestra mensajes especiales en su capa de alto voltaje.

18 - JOHN MARTYN "JUST NOW":



Este año fallecía John Martyn y le dedicábamos un especial homenaje. Nos ha dejado canciones tremendas, llenas de corazón y cabeza, como contábamos, pero de "Bless the weather" nos decantamos por "Just now", una hermosa pieza sencillísima pero profunda.


19 - LA OREJA DE VAN GOGH "ROSAS (2009):

El largamente acariciado sueño de ver sus canciones con orquesta se veía este año realizado con "Nuestra casa a la izquierda del tiempo". De resultado desigual, destripábamos su contenido y lo analizábamos, llegando a la conclusión de que una de las cosas que merece la pena era este "Rosas", como un cuento infantil.


20 - SARAH MCLACHLAN "GOOD ENOUGH (LOW VERSION)":

Termina el recopilatorio con una de las entradas más dolorosas que he escrito. La vida está llena de desniveles y es hartamente complicado encontrar alguien que se acople a tu balanza. No era lo suficiente bueno, a veces, para mí no es lo suficiente bueno. Es una búsqueda inagotable que espera que un día de sus frutos. Sarah McLachlan transmitía tanta intensidad en esta low version que acababa dejándome destrozado.

Idlewild - Libertad de expresión

Siete discos después y varios altibajos en su carrera provocan que un artista no se plantee muchas cosas que demostrar. Has saboreado las mieles del éxito, el reconocimiento popular. Varios albums después y observando cómo cada nueva entrega pasa más desaparcibidamente por las listas de éxitos, uno empieza a aflojar el yugo de la presión que las grandes discográficas te otorgan, así que mejor volar por libre y hacer que la creatividad e inspiración visiten tu mente cuando a ellas les apetezca, no cuando por detrás haya una fecha límite.

Idlewild es una banda escocesa que allá por el 2002 disfrutó de un moderado éxito con su disco "The remote part" y canciones como "You Held the World in Your Arms". Representados por un rock indie intenso, en canciones breves con mucha mala leche, se nos hace curioso que ahora que extán al margen de las ataduras de las discográficas se muestren tan apacibles en su última entrega "Post electric blues".

Aunque los guitarreos aguerridos siguen estando ahí, sobre todo en el tema "Post electric", el contagioso primer single, "Readers and writers", que merecía haber tenido más éxito y repercusión (escúchalo arriba, no te lo pierdas), se aleja unos metros del rock que habían estado practicado últimamente. Porque en toda la extensión de este disco se respira un aire folk que nunca había sido tan evidente. Para colofón nos han grabado un tema al más puro estilo Simon & Garfunkel.



"(The night will( Bring you back to life" parece que ha viajado en el tiempo. Su combinación de voces y su sonido folkie nos teletransportan a los setenta. Crea un paréntesis en lo que considero su disco más sólido en muchos años, en el que más inspiración han denotado en sus melodías.

Florence versiona, a Florence la versionan....

Creo que nunca antes había hablado de Florence & The Machine en el blog, ¿no es así?

De acuerdo, es la tercera entrada que le dedico este mes, pero es que la pelirroja da mucho juego, es algo inevitable.

Son varias las noticias que salen estos días de Florence. La primera es la reedición de "Lungs" (Oh, Dios mío, una reedición, qué cosa más original).

Pues sí, dos compactos más un dvd con videos y actuaciones en directo. En el segundo compacto irán varias rarezas, como una versión de "Halo" de Beyoncé, versión que por cierto no tiene ni la más mínima atracción. No entenderé eso de versionar éxitos recientes, pero menos cuando se hacen de canciones tan achicharradas, porque decir quemadas es poco, como la de Beyoncé.



Esperemos que la que aparezca en el disco no sea la copia exacta que hizo en Radio1 y que podéis escuchar en el video de aquí arriba.

Como de regrabar éxitos se trata ahora, más acertadamente que con "Halo" se atreve a hacer una personalísima adaptación del tema más popular de Robert Palmer, "Addicted to love". Dejo su fantástico video, que marcó un antes y un después, la verdad sea dicha.

Robert Palmer- Addicted To Love
por ghovingh

Lo bueno de realizar covers es intentar llevarlas a tu terreno sin desmerecer a la original. Florence con "You've got the love" no lo consiguió, seguimos pensando que no hay color, pero con "Addicted to love" ha logrado adquirir nuevos matices a este tema, pasándolo por un low tempo que le da otro cáliz a la famosa tonadilla.



Pero como Florence no iba a ser la única obsesionada con versionar a otros, le ha llegado el turno de que un grupillo famosillo se ocupe de alguno de sus hits.

Las nuevas Sugababes han grabado para Radio1 una versión conseguida de "Rabbit heart", que no les ha quedado del todo mal. Además, es raro verlas rodeadas de timbales y arpas y acaban demostrando que lo que se trata de voz, las chicas tienen voz, sobre todo su nueva incorporación, aunque luego tenga una cara de niña pequeña que no pueda con ella.



La falta que le pongo es que en el estribillo, cuando la voz se dispara, ellas han decidio bajar una escala, con lo que el resultado no tiene la misma intensidad que el auténtico "Rabbit heart". Eso sí, parece que en la última parte sí que se animan y Jade, la nueva, alcanza el tono casi imposible de Florence.

Así que unas versionan, otras te versionan... el mundo del pop es tan divertido que uno no llega a aburrirse nunca.

Keane - Iluminando sombras

Cuando estuve en Gotemburgo asistí a los ensayos de un coro masculino al que pertenecía el amigo al que visité. Una de las canciones que interpretaron y que estaban preparando para un próximo concierto navideño era el famoso "Love shine a light" de Katrina & The Waves, la canción que ganó Eurovisión por Reino Unido hace ya varios años.



Esta popular pieza es de esas que elevan el espíritu, contagia entusiasmo y te hace sentirte mejor. Si encima te la cantan treinta hombres, mezclando voces y añadiendo nuevos arreglos vocales, la experiencia mejora, uno se siente casi levitando.

Esa noche, volviendo a casa, íbamos cantando en voz alta, bien alta, este "Love shine a light" por la calle, realmente animados. Sin embargo, en mi cabeza no me podía quitar otra melodía, mucho más triste, pero para mí más evocadora. Recordaba este "My shadow" de Keane, una preciosa canción que fue descarte del disco "Perfect Symmetry".

En "My shadow" el entusiasmo se expresa de otra manera, pero también está. Habla sobre el apoyo en la distancia: "When you feel most alone, you will not be alone", tiende una mano de ayuda, de compañía, en los momentos que se necesite. Porque cuando así lo requieras, enciende una luz sobre mí y podrás ver mi sombra, reflejada en todas las paredes que te impidan continuar.

No me podía desprender de la melancólica "My shadow", por más que quería estaba ahí.
Sin que yo fuera consciente estaba entonando lo que era la solución, eran las claves para mantenerse unidos en la distancia. Tenía la llave pero no tenía la cerradura. Me la habían arrancado antes de tiempo.

"We won't be leaving by the same road that we came by"

Otra carta enviada al viento sin membrete.




It's time to make a start
to get to know your heart
time to show your face, time to take your place

In every speck of dust
In every universe,
When you feel most alone, you will not be alone

Just shine a light on me, shine a light
I'll shine a light on you, shine a light
and you will see my shadow on every wall
and you will see my footprint on every floor

It only takes a spark to tear the world apart
these tiny little things that make it all begin

Just shine a light on me, shine a light
I'll shine a light on you, shine a light
and you will see my shadow on every wall
and you'll see my reflection in your free fall

Ooh, Oh Ooh, Ooh, Oh Ooh!

Just shine a light on me, shine a light
I'll shine a light on you, shine a light
'Cause when your back's against the wall
that's when you show no fear at all
and when you're running out of time
that's when your hit tune start to rhyme

We won't be leaving by the same road that we came by
We won't be leaving by the same road that we came by
We won't be leaving by the same road that we came by
We won't be leaving by the same road that we came by

Oh Ooh, Oh Ooh, Oh Ooh, Oh Ooh!

Una recomendación: Barcelona - Absolutes

Nos llega de parte de David una sabia recomendación. Un disco publicado en 2007 por un grupo que tiene el curioso nombre de Barcelona.

Nunca he entendido, ni he apoyado, el hecho de que los grupos musicales cojan el nombre de ciudades. Suena tan impersonal que no me cuadra. Barcelona, Budapest... podría incluso molestar a los habitantes de esa ciudad. A mí que me venga un grupo que se llame Madrid me parece arrogante y pretencioso, qué queréis que os diga. Me imagino que los catalanes pensarán lo mismo de estos chicos, que ni siquiera son de allí, son de Seattle. .



"Absolutes", como refleja Amazon, es un conjunto de himnos para sonar en estadios, atmosféricas canciones del más melancólico sonido brit. Referencias a Coldplay, Thirteen Senses, Ghosts... todos estos grupos que sabemos que a "cadapartedeti", oséase David, le molan.

A quién le haya gustado la canción y quiera el disco, que deje un comentario.

Falling out of trees:

Arctic Monkeys - Cornerstone

"Cornerstone" es el nuevo sencillo extraído del tercer largo de los Monkeys, "Humbug". Todo hasta aquí parece normal. La novedad radica en que han decidido ampliar su catálogo y publicar un EP (deben estar de moda) que incluye otras tres potentes canciones. Además, este EP sólo se comercializa a través de seleccionadas tiendas de OXFAM, siendo el dinero recaudado invertido en causas benéficas.

Como contraste al propio single, las tres canciones añadidas son tres trallazos rock de breve duración, intensas y efectivas. Yo me quedo con "Fright lined dining room", con ese hip hop rockero que han creado y porque tiene un sonido espectacular y rabioso, y a partir del minuto 02:15 la canción se vigoriza de una manera alucinante.

Los monos han bajado un poco el listón en ventas con este disco, que a mí me parece el mejor de su carrera. Quizás estén perdiendo parte de esa chispa que al principio les acompañaba, es difícil seguir sorprendiendo de semejante forma, pero la madurez que han adquirido en "Humbug", ese cambio de dirección hacia algo más serio y menos confortable, era lo que tocaba y lo han hecho magistralmente.


No te pierdas el video de coste 0. Una cutrada que podría haber grabado cualquiera con una videocámara, pero se lo perdonaremos viendo el fin por el que se ha hecho.

UK Charts - Los reyes destronados

Decía Obelix que los romanos estaban locos. Eso sería porque no había tratado con los ingleses.

Recién editada la lista de ventas del Reino Unido, un aura de cambios, una patada al zeitgeist se atisba. Los viejos dinosaurios que atemorizaban el panorama musical están dejando de ser tan feroces y dar miedo. Los ingleses han perdido la confianza en las viejas glorias. Y de qué manera. Empezamos:

STEREOPHONICS:



Los últimos 5 discos de estudio de la banda galesa fueron #1. Algo de lo que pocos pueden presumir. Con "Keep calm and carry on" han debutado en el #11. Ni siquiera un top 10. Yo que ellos no estaría tan calmado. Menudo fiasco se han llevado.

RONAN KEATING:



Comentábamos recientemente que Keating estaba siendo demasiado descaradado en intentar repetir la jugada del "Songs for my mother", disco que fue #1. Ahora con "Winter songs" se estrena en el #16. Muy mal le ha salido la apuesta.


SUGABABES:



El grupo con más cambios en su cabecera que un culebrón andaluz, estrenaba nuevo miembro, pero con "About a girl", el nuevo single con la nueva cantante, del #8 no han pasado. Algo realmente desastroso para el curriculum vitae de las niñas. Deberían replantearse su continuación...


NORAH JONES:



Lo de Jones sí que ha sido lamentable. Esperábamos su regreso como la paga extra de Navidad, y no ha conseguido más que un triste #24 en su primera semana. Confíamos que en USA haya tenido más suerte, pero para alguien con el caché de Norah, es muy mal resultado.


Por otro lado, grupitos prefabricados de nueva hornada como N-Dubz o Jls siguen ahí arriba. La que no ha defraudado ha sido Leona Lewis, que se ha estrenado en lo más alto, pero claro, a Leona no la podemos considerar como dinosauria. Veremos si con su quinto o sexto disco disfruta de la misma suerte.

Animal Collective - Frotándose las manos

Están en lo más alto de todas las listas que recopilan los mejores discos del año. "Merriweather Post Pavilion", su brillante y ecléctico último disco, el de la portada no apta para epilépticos, se habrá publicado en Enero, pero ahora, a final de año, está viviendo una segunda juventud. Deben estar frotándose las manos.

Incluso los valientes de ROCKDELUX lo nombran el mejor disco ¡¡de la década!!. Ahí es nada.
Han publicado un extenso reportaje de una hoja que perfectamente podría haber escrito alguien que no ha escuchado el disco y que, sin embargo, se ha leído su biografía en la wikipedia. Tenemos que irnos al último párrafo para encontrar algo de información sobre "Merriweather ...". El periodista se ha pasado todo el artículo repasando su trayectoria, sin centrarse en la obra, que es lo que importa. No nos vamos a escuchar toda la discografía de Animal Collective para opinar si "Merriweather ..." es un buen disco o no. Podrá ser mejor o peor, pero hay que valorarlo como obra única e individual, no global.

Bueno, quejas aparte, se agradece que la banda de Maryland se hayan tomado las molestias de publicar un EP con canciones nuevas. Más agradecidos nos sentimos cuando comprobamos que no se tratan de descartes que pudieran haber quedado fuera de las últimas sesiones. Se trata de cinco canciones tremendas que vienen a reafirmar el excelente momento creativo de la banda.


Este churro es la portada, sí

"Fall be kind", como todo lo de Animal Collective, no es un disco para escuchar mientras uno conduce en el coche o friega los platos. El cometido de Animal Collective es otro muy diferente, necesita que les prestes toda tu atención, necesitan de tu silencio.

Quizás por eso sean tan alabados por los críticos. Un crítico musical debe poner los cinco sentidos en cada audición que va a escindir. Las canciones de Animal Collective destacan por su complejidad, una presentación continua de efectos en melodías apenas reconocibles. Todo es muy retorcido, nada es aparente. Y eso es lo que les gusta a los críticos: algo que les haga exprimirse la cabeza más de lo que suelen. Efectivamente, temas como "Graze" o "I think I can" costaría tararear, pero repetimos, no es lo que nunca ha buscado los Animal, no quieren que la gente cante con ellos en sus conciertos. Quieren que te sumergas en su música obendientemente y pasivamente, sin interactuar. Para aquellos pacientes y exigentes, es todo un éxtasis encontrarles el punto, pero para los que quieren melodías evidentes, digámoslo, más comerciales, sentirán indiferencia hacia su obra.

Dicho toda esta parrafada, sólamente me queda recomendar este EP, que aunque yo sea de los que disfrute cantando en el coche, también soy de los que levanta las orejas como los perros ante semejante carnaval sonoro.

Valoración: 8,5

Lo mejor: What Would I Want? Sky

Susan Boyle - Que siga soñando

¿Sufre problemas de insomnio? ¿Por más que lo intenta no consigue conciliar el sueño? Pues ya está aquí el remedio que esperaba: el primer disco de la mediática Susan Boyle. Es infalible. Caerá rendido en los brazos de Morfeo. 100% garantizado.

Escuchando este pastiche new age donde caben desde villancicos recurrentes hasta refritos de Madonna, uno no llega a explicarse qué ha sido del fenómeno vocal con el que nos lleva meses martirizando la prensa británica.

Habrá sido finalista del concurso televisivo de X-Factor, pero la emoción y carisma que ponía en el plató no la ha puesto delante del micrófono en el estudio.


Qué complicado encontrar una foto donde esta mujer salga algo bien...

Todo está tan contenido que te acaba intrigando. Es como observar fijamente que el toro salga por el toril y que por más que esperemos mordiéndonos los uñas, no acabe saliendo nada. Aquí Susan es un toro contenido, pasado por la censura, tolerada para todos los públicos. Esperamos que llegue la tormenta pero se queda en chirimiri.

"Up to the mountain" aburre a las vacas, bostezas con "How great thou art", "Silent night" y "Amazing grace" a pesar de su acompañamiento coral, no son más que la enésima versión de los populares villancicos, incluso "You'll see" de Madonna, que en su producción original de David Foster mostraba toda la rabia que la letra exponía, aquí se queda en una nimiedad. Debería subir al quinto piso y se cansa en el primero.

Todo son tiempos lentos, en su mayoría nada mas que un teclado sintetizador que reproduce largas notas, o algún piano.

Susan Boyle no saca bozarrón, ni emoción. Su disco es tan light que molesta.

"I dreamed a dream" es eso, perfecto para soñar, porque dormir te dormirás. Y ella, que siga soñando, pero con algo de sangre en las venas y no horchata, que parece que es lo que le ha puesto aquí. Igual que pasaría en la plaza de toros si la bestia finalmente no aparece, Susan Boyle recibe mi más sentido abucheo.

Lo mejor: I dreamed a dream
Lo peor: Los villancicos.

Valoración: 2

Sea Wolf - Folk barroco blanco, muy blanco

Alex Brown Church ha tomado notas concienzudamente y las ha sabido aplicar con maestría. Él comanda su banda Sea Wolf, los cuales el 22 de Septiembre publicaron “White water, white bloom”, la reválida a su debut que no esperaban ni los más optimistas.

Consiguen ir más allá de lo que fueron con “Leaves in the river”, que les situó por méritos propios en la misma liga que Fleet Foxes, Band of Horses o Bright Eyes.

Producido por Mike Mogis (Bright Eyes, Monsters of Folk o M. Ward) en la ciudad de Omaha, con este disco Sea Wolf sorprenden a propios y extraños por diversos factores.

Mayor profundidad lírica, cuidada selección de palabras y expresiones, complejidad en los mensajes, un halo dramático en cada minuto… todo para exquisitamente decorar de puro barroquismo unas canciones en su génesis como piezas folk. Las expectativas eran altas y presentar un producto mejor no era lo que los seguidores de Sea Wolf concebían. Esperábamos algo de similar concepción pero Church tenía muy claro como vestir sus composiciones en esta ocasión, quería quitarse las etiquetas de su primer intento y empezar virginalmente de nuevo, como hace referencia el título del disco.



En "Wicked blood", el arreglo sonoro con el que da comienzo el disco ya nos recuerda a Arcade Fire. La melodía es más sencilla y cándida que lo que nos podrían ofrecer los canadienses. El piano que golpea sus notas como los segundos de un reloj lleva el peso de la canción, pero el sonido como conjunto que han logrado elucubrar es menos aparente de lo que a primera escucha aparece. La gama de instrumentos aquí usada es impresionante, aunque todos con una relación de siglos pasados. Violines, clavicordios, chelos, arpas, acordeones, flautas… incluso alguna castañuela podemos descubrir en estas maravillosas diez canciones. En las notas del CD leemos hasta 20 diferentes instrumentos.

“Turn the dirty over”, el tema del que más orgulloso se siente su autor, contiene arreglos que a mí personalmente me recuerdan a los que Paul Fox confeccionó para 10,000 Maniacs en “Our time in Eden”. Su audicción es éxtasis para el sentido, atentamente escuchar cómo aparecen los instrumentos en orden es casi un juego.



El barroquismo que hemos mencionado tiene sus máximos exponentes en la inaugural “Wicked blood” y en la fascinante “The traitor” que es, con diferencia, el mejor tema del disco. Su vena más indie explota en la accesible “Dew in the grass”, tan agradable en todos los aspectos que es imposible encontrarla defectos. Tenemos piezas acústicas ensoñadoras entregadas como bellos cuentos: “Orion & Dog” o “The orchard” y luego algo más potente para dar color, pero sin sonar estridente o fuera de lugar, como es “O Maria”. “Spirit horse” apesta a himno y clásico. “White water, white bloom” quizás prometía más como honorable portadora del título del disco, y finalmente no consigue destacar sobre las demás, así como la conclusión que le han querido dar, “Winter’s heir”, que se deja escuchar pero carece de suficiente atractivo. Sobre todo viniendo después del huracán “The traitor”, que eleva la obra a sobresaliente por sí sola. Por lo que quizás una pieza más emblemática como broche hubiera finiquitado mejor un disco de diez, pero nos sentimos algo decepcionados después de un desarrollo tan intrigante, no es el final de la película que nos esperábamos viniendo de algo tan inspirado y etéreo.

No obstante, el viaje ha merecido la pena, se ha disfrutado en su mayor parte del tiempo aunque la última parada no ha sido el colofón que se requería.

“White water, white bloom” es una experiencia auditiva que deja buen gusto en el paladar, un disco tan complaciente y agradable como pudo ser el debut de Fleet Foxes. Si el mundo se rigiera por la lógica, este disco debería divulgar definitivamente a la banda.
Apuntad el nombre: Sea Wolf.

Lo mejor: The Traitor, Turn the tide over
Lo peor: Winter’s heir

Valoración: 9

El mejor tema: The traitor

Babybird - Back together - Sólo queda sucumbir

La solemnidad de "Back together" es hiriente. Tanto que cuesta reponerse, su efecto inmediato de atracción es rotundo. Un jarro de agua fría que te cala hasta la punta del dedo gordo del pie. Pocas veces una canción combina una cuidada producción, una voz majestuosa, una letra arrebatadora y una melodía hipnótica. Pocas veces algo tan sencillo resulta tan grande.

"Back together" es uno de esos singles olvidados de Babybird, una banda británica que tiene a Stephen Jones como imagen principal y mandatario casi único. Más conocidos por su éxito "You're gorgeous", esconden un tesoro oculto en su vasta discografía, que aunque se publicó como sencillo, mereció mejor suerte en la ruleta del reconocimiento.

"Date la vuelta en el coche y vuelve conmigo". El austero y grave timbre de Jones retransmite clemencia. Quiere retener a su pareja, un último intento de recapacitar y retornar esa unión, pero la realidad es otra, mientras él será muy feliz a su lado, ella será desgraciada, como se recoge en la estrofa final: "I can't make you feel good, you can't make me feel bad. I'll never get you back, so you'll never be sad".

Los que conozcan un poco la trayectoria de Babybird sabrán que temazos como "Back together" los contamos con los dedos de una mano. Su estilo experimental es una variada exposición de soniquetes, juegos de voces y efectos a cuál más esperpéntico. Así que esta balada a lo U2, con la misma grandilocuencia, marca un punto y aparte en su abultada colección.
Así que para los que no conozcan a Babybird y se hayan sentidos tentados de escuchar más, no indaguen mucho que les va a ser difícil encontrar más "Back togethers".

Aprovechemos que aquí Babybird ha sucumbido ante la comercialidad y aunque podría haberla confeccionado a su manera, esto es, con una programación rocambolesca y una interpretacion degastada, en esta ocasión viene a decirnos que "cuando quiere, puede". Una estupenda voz en plena forma, un sonido para las ondas en lo que es la melodía más cálida y auténtica de toda su discografía. Y si alguien conoce otra, que nos lo chive.



Put the car in reverse
and come back to me
without you this house is a hearse without wheels
you can't work out which cringing
which cringing feels worse
when i touch you like this
on the place that it hurts

Give me all that you have
if you don't i will steal it
all the things that you've lost
i can reel them in
i'm falling apart every minute of every hour
but you're there to put me back together again

When i don't know where you are
i feel lost
your trail feels so warm
but i'm covered with frost
when i left in the morning
she smelled so good
then i whispered quite nicely, quite rightly

I can't make you feel good
you can't make me feel bad
i'll never get you back
so you'll never be sad

Give me all that you have
if you don't i will steal it
all the things that you've lost
i can reel them in
i'm falling apart every moment of every day
but you're there to put me back together again

La Oreja de Van Gogh - A la izquierda está el pasado

Cuando apareció la noticia de que La Oreja de Van Gogh había grabado un disco de éxitos reinterpretados por Leire Martínez, la nueva vocalista de la banda, la mayoría fruncimos el ceño y rechazamos automáticamente la idea.

Lo primero que pensamos era que el grupo estaba intentando borrar definitivamente la huella de Amaia Montero, porque al regrabar sus éxitos antiguos modificaban su pasado y quizás se sentieran mejor consigo mismos, más capaces de continuar con Leire y más libres de Amaia.

Siguiendo la tradición de nombrar a sus publicaciones con títulos suntuosos ("Lo que te conté mientras te hacías la dormida", "A las 5 en el Astoria"...), tomaron prestada una referencia de un verso de Lorca ("Mira a la derecha y a la izquierda del tiempo y que tu corazón aprenda a estar tranquilo") y aunque bien podía haber apuntado a la derecha, la casa de La Oreja mira a la izquierda del tiempo, donde han querido situar el tiempo pasado.



"Nuestra casa a la izquierda del tiempo" nació hace más de lo que parece, porque ya con Montero, la banda tenía en mente transformar algunas de sus grandes canciones utilizando principalmente una orquesta sinfónica. Ese era el concepto primario, aunque no se ha ajustado al cien por cien en el resultado que han acabado ofreciendo.

Quizás hubiera quedado algo pomposo escuchar "Muñeca de trapo" o "20 de Enero" sólo con una orquesta y es llamativo observar que "Rosas" si se ha ajustado completamente a este planteamiento, pero no como podríamos imaginar. Esta readapactación, este desempolvamiento tiene una orquesta como base, pero la banda está ahí, y otros arreglos que ayudan a que las canciones ganen puntos, con reinterpretaciones en las que Leire ofrece su toque personal.

Los temas pop concebidos como fueron en su día siempre estarán ahí, pero después de escuchar este disco, vemos más que justificada su publicación, porque como si se tratara de un disco de remixes, todas las canciones ofrecen variantes interesantes que hacen que las canciones no suenen ni mejor ni peor, sino diferentes. Suenan frescas y actualizadas, tienen algo que las originales habían perdido. Como proyecto al final acaba convenciendo.

"Cuéntame al oído" suena más melancólica que nunca, "Rosas" parece sacada de un cuento infantil, "La playa" se presenta intimista, "20 de Enero" a piano parece acertada, "Deseos de cosas imposibles" invita a escucharla en la soledad de tu dormitorio... Lo difícil es evitar la ostentación y los donostiarras no han tenido tanto acierto en algunos cortes: "Puedes contar conmigo", "El último vals" o "Muñeca de trapo" parece que han sido retocadas para representar a España en Eurovisión y "Jueves" suena casi exactamente igual que como lo hacía originalmente, no entiendo su inclusión en el disco cuando el resultado no varía apenas.

Aunque en muchos temas nos imaginemos a Luis Cobos agitando melena, dirigiendo la orquesta y haciendo arreglos como loco, son aquellos más desnudos, sin apenas maquillaje o más logrados (la orquesta en "Rosas" está fabulosa) en los que el disco gana adeptos y es digno de loa.

Y hablando de loa, como tema inédito se incluye una nana en euskera interpretada a capella por Leire, "Loa Loa". Qué podemos decir, pues nada, que ahí está, que ni quita ni pone, ni destaca ni la fastidia.

Valoración: 6.5

Vertical Horizon - El fuego que no se apaga

REVIEW DE "BURNING THE DAYS":


"Album de oficio que no suena duro, ni blando, ni rápido ni lento, ni country ni rock & roll"... "No suena fresco, moderno ni familiar"... "No son canciones que se ajusten al clima musical actual"... "Recuerda a Richad Marx"....

Debo considerarme un bicho raro, un animal en extinción, el pájaro azul de la película "Up", pero a mí este "Burning the days" me ha gustado. Y mucho.

Estos extractos recogidos de críticas del disco en webs americanas no sé qué se esperarían de Vertical Horizon, varios años después de que desaparecieron del mapa y fueran despedidos de RCA sin excusa alguna, dejándolos con la boca abierta.

Si nos remontamos a aquel "Everything you want", que les dió fama y éxito, y lo comparamos con "Burning the days", es normal que muchos no sepamos cómo tomarnos esta nueva entrega de la banda. Cuando una banda de soft rock como era Vertical Horizon decide continuar con su existencia a pesar de que todo el mundo les daba por muertos, uno se puede adaptar a los medios y al momento actual que se está viviendo o puede cerrar ojos y oídos y publicar continuaciones de su sonido etiqueta de la banda, como si del anterior disco a éste sólo hubieran pasado días.

Esta es la dolorora encrucijada a la que se sometieran, su espada de Damocles.



Para algunos articulistas, Vertical Horizon se han estancado allí donde terminaron el anterior album "Go" y suena demodé. No deja de parecerme una observación curiosa y algo ignorante estando como estamos en la época del revival, con lo que se lleva ahora desempolvar estilos algo anticuados dándoles una manita de pintura. Este no es el caso de todas formas. La banda de Matt Scanell no han querido subirse al tren que más corría ni vender su alma al diablo.

Cuando una banda practica un sonido como el de Vertical Horizon, ese rock americano de suave envergadura, que efectivamente, no suena ni muy fuerte ni muy débil, no deberían tener miedo a la hora de editar un álbum en el 2009. No cuando bandas como Nickelback, OneRepublic o Green Day siguen vendiendo como churros en un estilo muy cercano al suyo.



Tampoco es que lo que escuchemos aquí sea arcaico, ni mucho lejos. La producción que se han marcado me parece muy actual, ninguna base suena desentonada, ningún efecto es añejo. "Save me from myself", el primer single, recuerda en estructura y fuerza al "Bring me back to life" de Evanescence y la introducción de "All is said & done" es lo más original que ha hecho esta banda nunca.

Las doce canciones de "Burning the days" nos acaban demostrando la solidez del producto como un conjunto, porque si bien aquel "Everything you want" disponía de singles potenciales, su relleno también era considerable, pero ahora, tenemos muchas canciones que merecerían ser populares, presentarse en las ondas y llegar al máximo número de oyentes posible.

Aparte de las mencionadas, están "The lucky one" y "The middle ground" que han sido diseñadas milimétricamente para futuros singles, "I believe in you", sencilla en su forma pero con altas dosis de sensibilidad, "Here", con la colaboración de Richard Marx al piano, tiene un buenrollismo contagioso; por otro lado, la parte media del álbum flojea en melodías típicas con abuso de clichés en sus letras y un tanto aburrido más-de-lo-mismo. "Afterglow" podría haber dado más de sí y "Can you help me" podrían habérsela dado a otros.
Aunque, tachán tachán... lo mejor llega con los dos últimos cortes que son el broche de oro.



"Welcome to the bottom" y "Even now", extensos tracks de más de cinco minutos, es lo mejor que podía entregar Vertical Horizon como banda. Un homenaje a lo que son y a lo que fueron. Temas que van haciéndose mayores, cogiendo fuerza, escupiendo memorables solos de guitarra, homenajeando a bandas de rock míticas (no en vano el batería de Rush participa en la composición de "Even now") y corroborando que la música no sabe de edades ni de modas cuando tiene calidad.

"Burning the days" ha devuelto la fé a los que la perdieron con el mediocre "Go", un album insípido y tipiquísimo. Por lo menos, aquí Scannell ha trabajado más duramente en los textos y ha conseguido un sonido menos aparente y convencional. Con "Go" enseguida fuímos conscientes de que las canciones no daban para más, eran lo que eran, ni crecían ni morían, simplemente no llegaban.

Ahora les veo más capaces de emocionar, el trabajo presentado está mucho más elaborado y eso se nota. Quizás el éxito les hizo presionarse y años después nos arrojan a la cara lo que en su momento no supieron lanzar.

¿Cuándo veremos otro disco de Vertical Horizon en el mercado? Si tenemos en cuenta lo que han tardado en editar éste y la poca repercusión que ha tenido en el mercado, más vale que no les esperemos en muchos años. Francamente.

Valoración: 8.5/10

John Martyn - Bendecida melancolía

"Creo firmemente que hay ahora mismo una gran escasez de corazón. La cultura de las drogas ha hecho demasiado énfasis en la expansión de la cabeza".

Esta reflexión de John Martyn esconde la triste verdad de nuestra actualidad, podría ser el epígrafe de la noche en una gran ciudad o la coletilla para un panorama de personajes que no quieren sufrir o siquiera pensar en sufrir, cobardes en sus esquinas salivando por sus medicamentos. Esto lo dijo un hombre de excesos, sus escarceos con las drogas y el alcohol duraron años. Lo decía en primera persona, desde su perspectiva y experiencia. Y lo dijo en 1973.

En Enero de este año nos despedíamos de este gran artista que luchó por no abandonar el mundo hasta el fin de sus días, con sólo 60 años. El páncreas se le reventó en 1996, un accidente le provocó una perforación de pulmón, problemas de salud derivaron en la amputación de una pierna, lo que le postró en una silla de ruedas y le hizo ganar bastantes (más) kilos de peso ... para finalmente fallecer por una doble neumonía.

"Bless the weather" fue el álbum que le dió reconocimiento en 1971. Por aquel entonces había editado sus dos últimos discos junto a su esposa Beverley y debido a su escasa repercusión, en Island, su compañía discográfica, no andaban muy contentos con los resultados, así que le pidieron que prosiguiera él solo, igual que había empezado su carrera.

Martyn, cuyo nombre real era Iain David McGeachy, presentó "Bless the weather", al que sucedieron otros cuatro discos enormes en calado y potencial.



Una obra que no sigue los dictámenes del calendario, resistiendo con orgullo los años venideros, preservando su autenticidad y calidad.

Aquí John se basta de su guitarra acústica, la cual tocaba con suma atención y delicadeza, como quien acuna a un bebé, y derrocha vertiente folk en gran parte del cancionero. Para dar varedad, un ramalazo blues, que no se pierdan las buenas costumbres ("Sugar lump") y otro innovador, incluyendo el método Echoplex en el instrumental "Glistening Glyndebourne". El Echoplex era una cinta sin fin que permitía crear ecos superpuestos con la guitarra acústica y posteriormente fue utilizado por gente como Jimmy Page o Brian May.



La consistencia de "Bless the weather" radica en sus sólidas columnas folkies de hierro puro, cuanto más natural se muestra Martyn, más complacido acaba el oyente. En "Go easy" (tema que ha versionado Beck) nos masajea suavemente, el tema "Bless the weather" ha inspirado a tantas generaciones de artistas que tardaríamos horas en escribirlos todos, una delicada composición donde la guitarra y el contrabajo bailan acarameladamente, "Just Now" se presenta cálida y acogeradora, es llegar a casa después de un día frío de invierno, "Let the good things come" resulta tan atemporal que asusta...



Abría la cara B, el otro lado del vinilo, su más famosa canción, "Head and heart". Podría haber sido de Eric Clapton, de Leonard Cohen e incluso Bob Dylan. Injustamente, pocos podrán relacionarla con su verdadero autor.
Indudablemente hay algo grande en esta melodía: una paz implícita que te hace redimirte. "Love me with your head and heart", implora John. Su efecto hipnótico sólo da lugar a la sumisión. A quien vaya dirigida no le queda otra alternativa que ceder ante su pasión y honestidad. El contrabajo de nuevo, el punteo de la guitarra, una percusión juguetona... no se necesita más para entregar una canción mágica, algo que no supieron captar y retomar los españoles Tam Tam Go! en su sobrecargada versión "Cabeza y corazón".



"Bless the weather" se incluyó en listas como la de The Guardian, "Los 1000 discos que has de escuchar antes de morir" y otros datos apuntan a que fue grabado en sólo 3 días, necesitando de pocas tomas hasta obtener una buena.

Es un disco sencillo, sin grandes insinuaciones, pero con mucho corazón y poca cabeza. Lo que se grabó en esas sesiones fue inmediato, no fue nada meditado y las canciones se reproducían siguiendo los instintos de los intépretes, de un John Martyn en estado de gracia. Descubrirlo casi 30 años después, para mí ha sido muy gratificante, veo reflejados muchos contemporáneos en estas canciones, en esta manera de interpretar. Ahora entiendo mejor a Jeff Buckley o al Beck de "Sea change". Toda la sangre del corazón de Martyn brotó en ellos y sigue corriendo en otros muchos, y así continuará inagotable.

El hombre del traje negro pudo callar la hermosa voz de Martyn, tras ponerle al límite en tantas ocasiones, pero ahí están sus canciones.
Un legado inolvidable e imborrable en bendecida melancolía.


Actuación de Martyn en 1978, interpretando "Bless the weather" en el Collegiate Theatre de Londres.

Robbie, tenemos una "petit crise"

Robbie Williams ya no puede alardear de que todos sus discos en solitario han llegado al número 1. Su debut esta semana de su gran apuesta, su obra cúlmen, su trabajo más personal (todo según él), no ha podido alcanzar el número 1 relegándose al número 2.
Ni los extraterrestres lo han podido evitar. Unos principiantes JLS le han arrebatado tal honor, y desde ya mismo son enemigos hasta la muerte de Robbie.

Un bálsamo de modestia al ex-Take That no le va a venir mal y quizás se ponga a trabajar más seriamente en sus composiciones y nos entregue un disco algo más consistente que este "Reality...". Finalmente, con título premonitorio. La realidad mató a la estrella de los videos.

Aún con todo la operación de marketing millonaria que había detrás de este regreso no ha podido dar el fruto que se esperaba, ni cuando la aparición de un segundo single aceleradísimo como es "You know me" venía a promocionar más cortes del disco. Pero claro, también era algo arriesgado presentar esta canción tan opuesta en simetría a "Bodies", que personalmente, pienso que gustó más.

Puede ser que en semanas venideras se eleve a lo más alto, que un #2 tampoco es el fin del mundo, pero para su vida laboral es una mancha difícil de quitar, una mácula en su impoluta carrera. Aunque cosas así son las que hacen que un artista se intente superar, y sinceramente, todos lo acabaremos agradeciendo. Robbie está pagando caro un disco como "Rudebox" y necesita algo más cuantioso que este "Reality..." para que sus seguidores retomen la confianza en él.

Pink Martini - Esplendorosos y multiculturales como suelen

Adentrarse en cada lanzamiento de Pink Martini es como acudir a una fiesta de gala que se celebra después de un congreso internacional. Diversos idiomas en el ambiente, un amalgama de estilos sugerentes que se suceden y todo envuelto en un halo de clase y categoría, como sólo esta banda de Portland (contamos a dedo) de diez miembros nos ha venido demostrando.

"Splendor in the grass", su reciente nueva obra, no viene más que a repetir la receta paso a paso de lo que fue "Hey Eugene!", su disco de más éxito hasta la fecha.



Tropezamos con la bossa nova, los toques latinos, de jazz. Asistimos a un musical de Broadway, reposamos en un salón con su lounge de etiqueta o nos evadimos con cándidas adaptaciones de temas populares. Y para no aburrir al personal y que todos les entedamos, Pink Martini presenta un repertorio multilingüe que incluye brasileño, italiano, castellano, francés y por supuesto inglés. China Forbes, la cantante principal, posee una de las voces más exquisitas de la actualidad y además, sabe salir airosa de toda incursión de lenguas que se atreva a hacer. Tiene personalidad en su garganta, sabe desgranar e interpretar acertadamente todo género que le planten.

Por eso, no entendemos cómo han cedido el micrófono a Chavela Vargas para que destroce una canción tan hermosa, un clásico casi sagrado como es "Piensa en mí". Como Luz Casal no la interpretará nadie, pero Chavela no tiene voz para cantar esto y el resultado es muy desagradable, no recomendado para la salud de oídos y por otro lado, una gema para otorrinos sedientos de clientes.



La dejo para escuchar y que opinéis. Lástima que el acompañamiento musical, con ese violín sustituyendo la guitarra tan acertadamante, no vaya acorde con la voz desafinada de Chavela.

Menos mal que el disco se sostiene bien en el resto del tracklist. La versión de "Sing" de The Carpenters, resulta adictiva o la italiana "Tucuca" o "And then you're gone", todo un poderío de consistencia musical el de esta orquesta.

Pink Martini ofrecen un repertorio clásico moderno, perfecto para sonar en restaurantes de muchos tenedores o en clubs de baile agarrado. Un placer exquisito para oídos polivalentes.

Duetos Imposibles - Fangoria y Sara Montiel

Resultados aparte, el colmo de lo esperpéntico lo protagonizan estos días Fangoria en horas bajas y Sara Montiel en horas contadas. Saritísima con 85 años se atreve a realizar un dueto de lo más petardo con la diva gay Alaska, dos personajes mediáticos con currículum de varias páginas que ahora juntan presencia y garbo (porque lo que es voz no es mucha y el garbo según se mire) para reinterpretar uno de los fallidos cortes del último disco de Fangoria, "Absolutamente".

Qué lástima que sea esta canción y no otra, porque el último disco de Fangoria es infumable y sus letras, con más disquisiciones que nunca, resulta algo cargante.

Parece un capricho de Alaska el hecho de hacer partícipe de uno de sus temas a la mítica Sara Montiel, porque lo que ahora pueda aportar esta señora es ínfimo. Hace tiempo que la imagen de Sara está por los suelos debido a sus desavenencias con cubanos, incursiones musicales avergonzantes y venta de sus trapos sucios sin sonrojarse un ápice. Así que ya ha demostrado lo poco que le importa el qúe dirán y aunque Fangoria es un grupo respetable, lo que han hecho con este video claramente enfocado al público gay, resulta lamentable, ridículo y grotesco. Sara Montiel parece un trasvesti, entre Carmen de Mairena y Marujita Díaz y los dos chulazos en tanga que se contonean a su lado dan un aire más patético a la entrega que otra cosa. Puestos a poner chulazos, incluye una docena, no dos tristes bailarines que hacen más penoso el clip.

Dará que hablar, eso seguro y todos preguntarán si has visto el dichoso clip de marras y entre carcajadas se comentará la mamarrachada. Ahora les reiremos la gracia pero con el paso del tiempo nos daremos cuenta lo ridículo del experimento, pero creo que ellas son más que conscientes que lo que han querido hacer es algo divertido, superficial y vanal y no darle más importancia. Se quedará en una graciosa y valiente anécdota de dos señoronas de la farándula. Sin más.

Rihanna - Jugando a la ruleta rusa

Vaya con la pusilánime Rihanna que cantaba aquello de "Under my umbrella-ella-ella...". Recientemente fue titular de prensa rosa por la agresión que recibió de su novio, Chris Brown, noticia que trajo su ración de polémica por la actitud pasiva de la cantante, que no acababa de denunciar los hechos. Fue el objetivo de todas las asociaciones feministas que la acusaban de ser una víctima de la violencia de género y no actuar sobre ello.

Rihanna intentó levantar cabeza y lavar su imagen desde el silencio, dejando que el rió fluyera y que la gente olvidara, pero ahora llega el momento de aprovechar su experiencia y nos llega una oscurísima canción que presenta su nuevo disco "Rated R", a la venta el 20 de Noviembre.

"Russian roulette" es el anticipo de un disco que promete escándalo y provocación. Ya en la portada vemos a una Rihanna desnuda cubierta con una imitación de alambre de espino y un curioso adorno en su ojo izquierdo, como recordatorio de las imágenes en las que aparecía magullada y con los labios hinchados.



Hay un mensaje retorcido detrás de "Russian roulette", algunos podrán pensar que su relación con la ruleta rusa, disparar la pistola tras mover el bombín cargada con una bala en su compartimiento para seis balas, es una comparación sobre apostar fuerte por alguien, en lo que casi es un misión suicida. Pero parecer ser que el escritor del tema (Ne-Yo) se ha desentendido de estas benevolentes reflexiones y lo ha dicho claro: "Habla sobre entregarse a la muerte".
Directamente. Es una conversación con ella. Querer acabar con tu vida cuando el pánico y el dolor inundan tu existencia. La ambiguedad de la canción ofrece diversas lecturas.

Muchos van a ser los que aten cabos y piensen que esa relación tormentosa y caótica es la que vivió la propia intérprete con Chris Brown, que esta canción sea su catarsis personal. Una manera de decir "Se ha acabado". Ella se mantuvo en silencio pero es su ocasión para saldar cuentas.

El tema sólo ha sido #9 en USA, una posición muy baja para lo que se esperaba del regreso de la de Barbados. No sabemos si allí su popularidad quizás se ha visto mellada por esos acontecimientos turbios que la han mantenido en el candelero durante este año.

Sólo unos días quedan para que el nuevo disco de Rihanna salga a la luz, el esperadísimo relevo del multimillonario "Good girl gone bad". Veremos qué tal le va.

Descargar el single aquí.

Zenttric - El próximo gran acontecimiento

El problema de Zenttric es su falta de puntualidad a la hora de llegar a la cita con el éxito, ese tiempo que han perdido que les hubiera hecho ser más grandes de lo que podrían ser ahora, en el 2009.

Su propuesta es muy interesante, cualquier compañía discografíca se frotaría las manos con un grupo como Zenttric. Tienen el toque brit de Kaiser Chiefs o Franz Ferdinand, un guitarreo efervescente y socarrón adherezado con melodías pegadizas que no desentonarían en una discoteca. Son luminosos y alegres y no parecen una mala imitación de, aunque sus influencias sean más que notorias. Además, para salir de España (de Bilbao más exactamente) han conseguido una calidad de sonido muy meritoria. Enhorabuena a su productor.

Escuchar "Sólo quiero bailar" es asumir que algo como Zenttric era necesario en este país. Era lo que los asiduos de Benicassim, el Summercase o esos festivales en los que las grandes bandas del brit rock punk, en su mayoría británicas, estaban pidiendo a voces. Como decía al principio, el problema surge cuando el momento no es adecuado y la ola en la que se podían subir ya ha pasado.

Este sonido soft punk con reminiscencias indies que practican Zenttric ahora mismo no es tan bien recibido como hubiera sido hace dos años, no cuando el electro pop comanda el panorama, en el resurgir de las tendencias ochentísticas, y no cuando las bandas en las que se inspiran pasan sus peores horas, muchos de ellos agonizando, casi ahogados en las arenas movedizas de la moda. Ya sólo se les ve el brazo extendido pidiendo clemencia. Aunque habría que estudiar caso por caso, la mayoría no ha sabido adaptarse a las corrientes y los que han cambiado su pose, lo han perdido todo, a sus antiguos fans y a los que querían ganar. Es el inconveniente de seguir un estilo a rajatabla.

Volviendo a Zenttric, esperamos que "Sólo quiero bailar" sea su trampolín hacia la fama (que no hacia "Fama", porque que en su web se alegren de participar en dicho programa dice poco bueno de ellos). Aunque a algunos les recuerde a El Canto del Loco, y razones no les falten, al menos no son tan previsibles como éstos y parecen algo más ambiciosos en sus formas y métodos.

Veremos cómo acaba la película.

NOTA: No puedo poner el video clip, porque los de EMI en su estúpido afán de evitar la piratería o qué se yo, no dejan incluir los videos desactivando la inserción de los códigos html. Así que esta es la canción sobre una foto fija. Es lo que hay.

Ronan Keating - Mostrando cacha en Navidad

Si te has pasado horas en el gimnasio machacándote los abdominales y encima te han hecho una depilación láser que te ha dejado el pecho como el de un adolescente de instituto, lo menos que tienes que hacer después de tanto sacrificio es lucirlo en un video clip, ¿no?.

Ronan Keating edita su segundo disco este año, después del pasteloso "Songs for my mother", el título ya provoca una medio arcada, ahora llega "Winter songs", que como sospecharán, se trata de canciones influenciadas por la Navidad. Uff... qué ganas de hacerse con este disco.

El pobre Ronan lleva unos años que parece más perdido que la niña de los McCain, porque después de rejuntar a su banda Boyzone, con suerte moderada, está sacando unos discos enfocados a señoras de 50 años que parece que son las que se gastan las libras en sus lanzamientos. Porque claro, si su "canciones para mamá" llega al #1 de UK, hay que repetir jugada como sea, y qué mejor que ahora, que llega la perturbable Navidad a nuestras vidas para que tantos artistas (Kate Rusby, Tori Amos) hagan su propio disco de villancicos sin ser tan casposos ni tan manidos, vamos a llamarlo... "Canciones de Invierno".

Lo que nos esperábamos para un disco de invierno de Mr. Keating era que apareciera con cinco abrigos puestos, bufanda y gorro hasta las cejas, que se tirara bolas de nieve con inocentes niños y que construyera un muñeco de nieve mientras una rubia espectacular le sonríe desde el otro lado de la calle. Eso sí, la rubia está lejos y sólo sonríe. Pues aunque esto sería la versión políticamente correcta, sin embargo, llegó Ronan y diría: "Después de cuatro horas al día dejándome la piel en el gym y con esta tableta de chocolate que me ha salido como quien no quiere la cosa, esto hay que aprovecharlo y tengo que salir en mi video enseñanando a mis fans lo bien que me conservo y lo buenorro que estoy ".

Pues sí, Ronan Keating luce cuerpo escultural, tatuajes de bucanero y un look casualemente muy parecido al de Beckham, para promocionar su entrañable album de canciones navideñas. Vamos, lo más apropiado. Menos mal que en la portada del disco al menos se mete más en su papel y se nos tapa, porque si no íbamos a coger nosotros el constipado.

El video del que hablamos es para el tema "Stay", que no habla de renos, Papá Noel ni los buenos sentimientos que tenemos todos en Navidad, sino es otra pesada canción de amor de las suyas en las que se lamenta "Estoy tan cansado de estar solo, por qué no te quedas??". No, no bostecéis todavía.

Chicos, llega la Navidad y Ronan ya está anunciando tabletas de turrón en su video!!!!

Disfrútenlo (si pueden):