Duncan Sheik - Nunca estarás solo - Descansa en paz

Duncan Sheik. Nuestro querido Duncan Sheik. Maldita casualidad que hace unos pocos días hablábamos aquí de una de tus últimas maravillosas canciones incluidas en tu disco "Claptrap", que ahora será conocido tristemente por haber sido tu último trabajo en solitario. 

En esa canción que rescatamos, "Experience", se me hacía curioso ahora escuchándola atentamente cómo ahí mandabas señales a los oyentes de que algo no estaba bien, que llevabas arrastrando un problema durante mucho tiempo y te costaba compartirlo. Atención a la letra.  "La gente siempre me está preguntando, "cómo lo llevas?",  si intento responder eso, no lo entienden. Me lleva mucho tiempo. Todo ha estado sucediendo desde hace mucho tiempo. "

Aquí viene la clave que me hizo abrir los ojos de par en par: "No importa qué bien aparenta uno desde fuera, nunca sabes lo mal que puede ir todo por dentro". Ahora, al conocer lo poco que se ha sabido de por qué te has marchado, entiendo esto que decías, Duncan. 

Yo le conocí con la canción "On a high", hace ya 24 años. Y desde entonces no he dejado de seguirle en todas sus andanzas. Ya me imaginaba viendo sus últimas publicaciones en las redes sociales que algo no estaba bien. Se comportaba de forma errática, su aspecto era extraño, sus publicaciones poco ordenadas, vagas, inconexas... pero pensaba que eran excentricidades de famoso. 

Quiero escribir más sobre él, no importa que se haya ido. No quiero que estas sean las últimas palabras para Duncan, hay muchísima buena música que todavía descubrir de él. 

Hoy me quiero detener en esta preciosidad de tema que está en ese disco "Claptrap" que antes hemos hablado, "You'll never be alone". Quizás sea la mejor canción. Nos ha dejado solos, pero él nunca estará solo. 

Te quiero mucho, Duncan Sheik. Gracias por existir. 

"You'll Never Be Alone"

There is a chance today
I will avert disaster
There is a chance today
I will recognize

There's nothing to do
Unless I want to do it
I'm finally through
I don't need to review it

I'm gonna settle down, settle down
Into this infinite space
I won't look around, look around
Or try to erase

There's nothing to do
Unless I want to do it
I'm finally through
I don't need to review it

But please don't you worry
I never forget you
No matter how far away
I seem to be
It's just a location
No one can see

When I am tempted to escape
To occupy some other line or shape
I remember you are here and so I stay
Another day

But then you've always known
You'll never be alone
Like a seed well sown
It might as well be set in stone
You feel it in the bone
You hear it in the undertone
It's deeper than the midnight zone

Oh, you'll never be alone
It's like a thing you own
And it's only grown
It's why I'm singing
It's why I'm singing
Singing in the microphone
You'll never be alone
You know you'll never be alone
You'll never be alone
You know you'll never be alone

 

 

Susanna Hoffs - "The list" es el nuevo disco de nuestra Bangle favorita

 

 

The List es el primer álbum con material nuevo de Susanna Hoffs (The Bangles) desde 2023. Con colaboraciones de Rufus Wainwright, Dan Wilson en el tema "Casablanca"(Taylor Swift, Adele, Evan &Jaron), CJ Camerieri (Bon Iver, Paul Simon, yMusic, Phoebe Bridgers), Ryan Lerman (Ben Folds, John Legend), Greg Leisz (Beck, Bill Frisell, Joni Mitchell, Willie Nelson, Bruce Springsteen), Edie Brickell y otros artistas, el disco es una carta de amor al amor.

Una reflexión profundamente humana y llena de alegría sobre lo que significa estar vivo y enamorado, The List contempla con gratitud y emoción las historias que han ido dando forma a la propia vida de Hoffs. Si estas canciones parecen una conversación íntima entre amigos es porque, en realidad, lo son. Escritas durante una serie de sesiones muy personales entre Susanna y sus colaboradores creativos, estas canciones son el resultado de lo que ocurre cuando un reducido grupo de amigos y compositores de talento confían lo suficiente los unos en los otros como para transformar conversaciones reales y vulnerables en canciones.

The List resulta fácilmente reconocible para cualquiera que alguna vez haya disfrutado de la emoción y la atracción de un nuevo romance, sufrido la angustia de una ruptura dolorosa, experimentado la alegría de enamorarse o conservado el recuerdo, cada vez más difuso, de lo que pudo haber sido.

 

Crítica de UNCUT:

SUSANNA HOFFS – The List
BAROQUE FOLK — 7/10

Como artista en solitario y como una de las dos mitades del dúo que forma con Matthew Sweet, Susanna Hoffs ha disfrutado de una segunda etapa en su carrera creando afectuosas versiones de éxitos pop de los años 60 y 70 que, en el peor de los casos, resultan simplemente redundantes y, en el mejor, deliciosamente subversivas (véase su versión de Under My Thumb con los géneros intercambiados).

En su cuarto álbum de canciones originales, Hoffs reduce las cosas a lo esencial. Lo grabó junto al coproductor CJ Camerieri (Bon Iver, Paul Simon) en su casa de Los Ángeles.

Hoffs apuesta por un sonido austero y de raíces, repleto de guitarras acústicas y sintetizadores de contornos difusos, que pone en primer plano tanto la exuberancia ligeramente áspera de su voz como su aparentemente inagotable capacidad para crear luminosas melodías pop.

 

 

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Six Going On Seven – “Jack Jones”: cruzando el límite

 

Veinticuatro años después de su anterior trabajo, Six Going On Seven reaparecía a finales de 2025 con “Jack Jones”, primer adelanto de Human Tears, álbum publicado en enero de 2026. El regreso del trío de Boston formado por Josh English, James Bransford y Will Bartlett suponía además un cambio significativo respecto al emo y post-hardcore melódico con el que habían construido su reputación durante los noventa.

“Jack Jones” deja clara esa evolución desde sus primeros segundos. La canción comienza de manera lenta y contenida, apoyada en sintetizadores y piano, antes de incorporar progresivamente al resto del grupo. La batería mantiene después un patrón bastante lineal sobre el que el bajo de English aporta buena parte de la textura, mientras la guitarra de Bransford aparece de forma más puntual y gana protagonismo hacia el tramo final. Real Gone destaca precisamente su marcada base rítmica, el piano, la poderosa presencia de la voz y unas guitarras brillantes que remiten a sonidos de finales de los ochenta.

Ese componente ochentero aparece también en otras críticas. Rosy Overdrive eligió “Jack Jones” como canción destacada de Human Tears y encontró en ella una sorprendente semejanza con Peter Gabriel, situando el nuevo lenguaje del grupo entre el art-rock, la new wave, el synth-pop y el sophisti-pop. Es una referencia bastante alejada de las bandas de emo y post-hardcore con las que Six Going On Seven compartió escena en sus primeros años.

Quiero además aventurarme al escribir esto, por si alguien más se percata, el parecido en la parte del verso que hay con la canción “El límite”, de La Frontera. Si Javier Andreu la escuchase me gustaría saber qué opina. 

El propio Josh English ha explicado que la intención de esta nueva etapa nunca fue recrear el pasado: querían “write from where we are now”. “Jack Jones” representa perfectamente esa idea: conserva el gusto de Six Going On Seven por las melodías definidas, pero lo traslada hacia un pop-rock adulto, atmosférico y marcadamente influido por los sonidos de los ochenta.

Bangles - ¿Quién se acuerda de "Everything"?

 

¿Alguien recuerda el tercer disco de The Bangles, "Everything", el que contenía el famosísimo "Eternal flame" (canción con la que de pequeño hice mi primera incursión en el inglés)? 

¿Alguien sabría decirme alguna otra canción del disco que le gustase? ¿Algún recuerdo de la época?

La primera época de The Bangles a mí me pasó bastante desapercibida por la edad, y al margen de los grandes éxitos no las escuché en demasía. Sí que su disco regreso "Doll revolution" me impactó bastante. No ha sido hasta recientemente que quise hacer una incursión a uno de sus primeros discos y sobre todo, saber si hay algún tema que se acerque un poquito a la grandiosidad de "Eternal flame". ¿Queréis saber si lo hay? Seguir leyendo. 

Publicado en octubre de 1988, Everything fue el tercer álbum de The Bangles y el último antes de la separación del grupo al año siguiente. Tras el enorme éxito de Different Light, la banda cambió a David Kahne por Davitt Sigerson en la producción. El resultado conservaba el pop de vocación comercial de su predecesor, pero recuperaba parcialmente el folk-rock, el garage y las referencias sesenteras que habían definido los primeros años del grupo.

Sigerson construyó una producción pulida, con numerosos músicos invitados y especial atención a las armonías vocales. Cash Box encontraba ecos de The Beatles y The Mamas & the Papas, mientras que AllMusic señala que, pese al acabado pensado para la radio, canciones como “Complicated Girl”, “Be With You” o “Some Dreams Come True” permitían reconocer mejor la personalidad de The Bangles que algunos de los grandes éxitos escritos por autores externos de Different Light.

“In Your Room”, escrita por Susanna Hoffs junto a Billy Steinberg y Tom Kelly, abre el álbum con uno de sus momentos más directamente pop-rock y alcanzó el número 5 del Billboard Hot 100. Michael Steele adquiere especial protagonismo en “Complicated Girl”, la atmosférica “Something to Believe In” y “Glitter Years”, esta última una mirada hacia sus años en la escena rock de Los Ángeles y su paso por The Runaways. Vicki y Debbi Peterson firman “Bell Jar”, inspirada en Sylvia Plath, mientras “Crash and Burn” cierra el disco recuperando un rock más inmediato; Los Angeles Times relacionó incluso su cadencia con Buddy Holly.

Y entre los cortes que quedaron inevitablemente a la sombra de los grandes singles merece una mención especial “I’ll Set You Free”, una auténtica joya escondida dentro de Everything y, en mi opinión, una de las mejores canciones del álbum y la que se podría acercar un poquito a ese encanto innato que tiene la famosísima "Eternal flame". Compuesta por Susanna Hoffs junto a Eric Lowen y Dan Navarro, presenta una vertiente más melódica de The Bangles, apoyada en la voz principal de Hoffs y en las armonías vocales del grupo. La letra gira alrededor de una separación asumida: en lugar de plantear la ruptura desde la confrontación, su idea central queda condensada en el propio “I’ll set you free”, la decisión de dejar marchar a la otra persona. Su construcción pop, las guitarras y el cuidado tratamiento de las voces la convierten en uno de esos temas que ayudan a entender Everything más allá de sus éxitos más evidentes.

Pero la canción que terminó eclipsándolo todo fue, efectivamente, “Eternal Flame”. Hoffs la compuso con Steinberg y Kelly después de contarles una visita de The Bangles a Graceland, donde descubrieron que la supuesta llama eterna junto a la tumba de Elvis Presley estaba apagada por la lluvia. La propia Hoffs ha explicado que la letra habla de conexión, esperanza y del deseo de que el amor no sea algo frágil. Musicalmente resulta además peculiar: Steinberg recuerda que carece de un estribillo convencional y compara su estructura con “We Can Work It Out” de The Beatles. Sigerson creó para ella un delicado arreglo de teclados inspirado en las grabaciones de Patsy Cline, prescindiendo incluso de batería.

“Eternal Flame” convirtió el álbum en un éxito internacional: fue número 1 en Estados Unidos, Reino Unido, Australia y otros mercados. Everything llegó al nº15 estadounidense y al nº5 británico y obtuvo discos de platino en Estados Unidos y Reino Unido, además de oro en países como España. Las certificaciones y datos recopilados para distintos mercados documentan al menos 1,6 millones de copias del álbum.

Paradójicamente, aquel éxito coincidió con la desintegración interna de The Bangles. Décadas después, Hoffs describió la elaboración de Everything como “art by committee”: las integrantes componían cada vez más por separado y la discográfica favorecía las canciones más comerciales de Hoffs. Vicki Peterson ha reconocido incluso que entonces se resistió a “Eternal Flame” por considerarla demasiado pop para el grupo de rock que ella quería preservar.

La ruptura de 1989, sin embargo, no sería definitiva. The Bangles volvieron a reunirse a finales de los noventa y retomaron también su actividad discográfica. En 2003 publicaron Doll Revolution, su primer álbum de estudio desde Everything, al que seguiría Sweetheart of the Sun en 2011. Michael Steele todavía participó en Doll Revolution, aunque posteriormente abandonó el grupo, mientras Susanna Hoffs y las hermanas Vicki y Debbi Peterson han continuado manteniendo vivo el nombre de The Bangles. Visto desde esa perspectiva, Everything no fue el punto final de su discografía, sino el cierre de la primera y comercialmente más exitosa etapa de una banda que, años después, encontraría la forma de volver a trabajar junta.

Glom - Below (escuchando)

 

El artista Sean Dunnevant, afincado en Brooklyn y conocido artísticamente como Glom, publicó nuevo disco el pasado 9 de enero de 2026 de nombre "Below" a través del sello Nettwerk.

Este trabajo marca la transformación definitiva del proyecto en una aventura en solitario y funciona como un sincero documento autobiográfico de la vida de Dunnevant entre 2022 y 2024.

Musicalmente, el álbum combina influencias del rock alternativo de los años 90 con fuertes dosis de distorsión y texturas propias del dream pop, acercándose por momentos a esa mezcla de grunge y shoegaze que suele definirse como «grunge-gaze».

Dunnevant también cambia su manera de escribir. Frente al carácter más críptico de sus anteriores composiciones, en Below apuesta por unas letras mucho más directas y personales.

A través de ellas aborda cuestiones como la perseverancia ante las dificultades, los problemas económicos y la incertidumbre emocional, convirtiendo el álbum en un reflejo especialmente honesto de una etapa complicada de su vida.

 

 

Miya Folick - Erotica Veronica - Escuchando

 

Erotica Veronica, el tercer álbum de larga duración de Miya Folick, profundiza en temas íntimos, sensuales y existenciales, desafiando tabúes culturales y defendiendo una concepción más amplia y lúdica del erotismo que va mucho más allá de la mera sexualidad.

«Tiene que ver con la riqueza de las experiencias, con la conexión y con afrontar cada día con una actitud abierta», explica la artista, quien añade que compartir sus fantasías le parece «un acto de ternura e intimidad».

Erotica Veronica es el primer álbum producido por la propia Miya, aunque cuenta con las aportaciones de destacados compositores y productores como Jared Solomon (Remi Wolf, Chappell Roan, Paramore), Brad Hale (Grimes, The Naked and Famous) y Sam KS (Lizzie McAlpine, Shawn Mendes).

A través de su música, Miya Folick continúa evolucionando como artista, combinando una delicada vulnerabilidad con una atrevida experimentación musical y abordando emociones complejas con honestidad y elegancia.

Desde tranquilas baladas cercanas al folk hasta enormes guitarras distorsionadas, Erotica Veronica es un disco íntimo, poderoso y catártico.

 

 

Donots - Que se paren los relojes (otra vez)

 Rescatamos una entrada de este blog del 2009 porque ha vuelto a caer en mis oídos gracias a un cd recopilatorio antiguo que he ripeado, esta gran canción que tanto me gustaba de este grupo, Donots, de los que creo, nada más similar a esta canción llegaron a sacar, habrá que investigarlo... no sé si alguien sabe si entre su discografía tienen más temas a la altura de "Stop the clocks" o esto es una rareza entre su estilo punk. 

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Empezamos con una de las primeras sorpresas de este 2009. Se trata del grupo alemán Donots, que aunque tengas varios discos a sus espaldas, más allá de tierras germanas parece que no se han dejado escuchar mucho, a pesar de cantar en un correcto inglés.

Casualmente llegó a mis manos el videoclip de su tema "Stop the clocks" y ya desde sus primeros acordes y su tufillo britpop indie a lo Razorlight o The Coral, me llamaron la atención.

El caso es que lo que hace este grupo es un punk gamberrete sin llegar a la sangre, más del estilo de unos Sum41 que otra cosa, así que "Stop the clocks" es la excepción que marca la regla, es el "Good ridance" de Green Day de esta banda alemana.

Llamativo el estupendo video que aunque con imágenes un tanto amateur y una pobre calidad, resultado de una cámara quizás de características específicas para uso doméstico, se trata de un video con una estética y una idea tremendamente originales.

Nos encontramos con el cantante corriendo por una carretera en línea recta vestido con una camiseta sin mangas y unos calzones largos. Todo de blanco.
En sus brazos lleva un cachorro de perro que parece que han arrebatado a sus padres, que a su vez los persiguen. Durante el estribillo cantado de forma coral, con un punto de órgano que realza maravillosamente la melodía, se unen más tatuados hombres con calzones blancos y con su correspondiente cachorrito en los brazos. Hombres avejentados, con aspecto cansado y barrigudos. Quizás sea el resto del grupo y yo estoy aquí poniéndoles de despojos, jajaja. Desconozco el dato. 

Aún con la pobre calidad de fotografía, el video dispone de las suficientes escenas para hacerlo notable, ya sea por ver a esos hombres corriendo llevando los perritos (unas preciosidades) o los planos en los que estáticamente se los ve con actitud desafiante.

Si a todo ello le sumamos que la canción dispone de los tintes necesarios para volverla épica y soberbia y su estribillo a varias voces conquista desde la primera escucha, aún intentando obviar el mensaje pesadumbroso que de ella se desprende; podemos decir que Donots promete una experiencia agradable, pero que su etiqueta de punk, en cierta manera, no me acabe de convencer, por lo que el resto del disco, se verá con el tiempo (2026: no, no se vio). 

 

 

Natalie Imbruglia va de independiente con su nuevo disco "Algorithm"

 

Natalie Imbruglia regresa con Algorithm, su séptimo álbum de estudio y el primero desde Firebird (2021), pero lo hace dispuesta a explorar nuevos caminos. La cantante australiana se acerca esta vez a un sonido más electrónico y bailable, con el synth-pop y los sintetizadores ganando protagonismo sin renunciar a las melodías que siempre han sido una de sus grandes fortalezas.

El viaje comienza con «Debbie», una canción que Natalie concibe prácticamente como una carta dirigida a sí misma, una invitación a dejar de castigarse y confiar en que llegarán tiempos mejores. Ese mensaje conecta perfectamente con «Upside Down», uno de los momentos más luminosos del disco pese a haber nacido de una etapa complicada emocionalmente. Sintetizadores brillantes y percusiones enérgicas sirven aquí para convertir la vulnerabilidad en energía.

Mucho más inquieta resulta «Algorithm», probablemente una de las canciones más peculiares del álbum. Con ecos del electropop de los ochenta, voces habladas y una producción deliberadamente nerviosa, Imbruglia reflexiona sobre nuestra dependencia del teléfono, las redes sociales y esos algoritmos que terminan condicionando la manera en que observamos el mundo.

El disco continúa abriendo caminos. «Jesus On Mars» se adentra en una instrumentación más alternativa, mientras que «Breathe With The Fire Lola» introduce elementos cercanos al trance y está inspirada en una joven amiga en la que Natalie reconoce parte de sí misma. En «Just Drive» aparece, en cambio, ese pop electrónico nocturno que constituye una de las caras más atractivas del álbum.

También hay espacio para «Catastrophe», Sounds Like It Feels, Who Dimmed The Lights y «Endgame», antes de llegar a «Beautiful Love», encargada de cerrar el recorrido. Escrita junto a Fraser T Smith y Gary Lightbody, es una canción sobre aprender a aceptar los cambios y, sobre todo, sobre reencontrarse y reconciliarse con uno mismo.

Algorithm nació durante uno de los periodos personales más difíciles de Imbruglia y, paradójicamente, fue el disco con el que asegura haberse divertido más trabajando. Esa contradicción define buena parte de estas canciones: convertir algo oscuro en música luminosa.

Cinco años después de Firebird, Natalie Imbruglia vuelve diferente, inquieta y con ganas de jugar. Y Algorithm demuestra que todavía quedan muchos sonidos nuevos por descubrir en su música.

Alejandro Fuentes "Stars", la estrella que iluminó Noruega

 

Tenía solamente 17 años cuando Alejandro Fuentes se convirtió en una de las grandes revelaciones de la edición noruega de Idol de 2005. Aquel mismo año llegaría Diamond or Pearls, un debut dominado por el pop acústico que encontraba en “Stars” su mejor carta de presentación: una preciosa balada que alcanzaría el número uno en Noruega. En otra ocasión si podemos hablaremos también de la lograda versión del "Sail away" de David Gray que grabó en este mismo disco. 

Stars habla de distancia, espera y recuerdos. De esas noches en las que la ausencia de alguien hace que cualquier pequeño detalle termine llevándonos hasta esa persona. Musicalmente, Fuentes no necesita demasiado: guitarras acústicas, una melodía sencilla y, sobre todo, esa voz ligeramente ronca y frágil que acabaría convirtiéndose en una de sus señas de identidad.

Curiosamente, “Stars” también terminaría formando parte de otra historia. En 2006 Fuentes se unió a Kurt Nilsen, Espen Lind y Askil Holm en una serie de conciertos acústicos que acabó convertida en todo un fenómeno en Noruega. Su álbum Hallelujah Live, donde también aparecía una versión en directo de Stars, permaneció trece semanas en el número uno. No olvidemos que esta versión en directo incluso contenía un hermoso extracto en español donde parece que la voz de Alejandro se transforma, muy recomendable escucharla en esta versión. que es la que comparto aquí. 

Con los años, sin embargo, Fuentes fue alejándose de aquel joven cantautor de guitarra acústica. Tras pasar por el soft rock y experimentar con diferentes sonidos, recuperó sus raíces chilenas para adentrarse de forma bastante desacertada en la música latina y el reguetón, cantando incluso en español en temas como Tengo Otra o Fuego.

Pero hay historias que terminan regresando al punto de partida. En 2027, veinte años después de aquel fenómeno, Fuentes, Nilsen, Lind y Holm volverán a reunirse, primero en el Oslo Spektrum y después en una gira veraniega.

Y será difícil imaginar ese reencuentro sin que, en algún momento, vuelvan a brillar aquellas viejas “Stars”.

 

Ismael Serrano - "Km. 0", respira en el centro de la ciudad

 

Pocas ciudades han sido tantas veces escenario de canciones como Madrid, pero Ismael Serrano consigue en Km. 0 retratarla desde un lugar especialmente íntimo. Publicada en 2000 abriendo Los paraísos desiertos y compuesta para la película del mismo nombre la que nadie recuerda (a pesar de contar en su elenco con entre otros Concha Velasco), la canción sitúa su particular punto de partida en pleno corazón de una ciudad abrasada por el verano.

Y lo hace con una de esas frases que justifican por sí solas una canción: “Madrid, deshabitado como mi colchón”. En apenas cinco palabras Serrano dibuja una ciudad vacía y, al mismo tiempo, una ausencia sentimental. Madrid se convierte así en reflejo de quien la recorre: enorme, solitaria y llena de lugares donde quizá encontrar aquello que falta.

Pero Km. 0 habla también de las historias anónimas que se cruzan cada día sin conocerse. Personas que miran por la ventana, bares donde la cerveza y la conversación parecen salvarnos durante unas horas, camas, deseos, encuentros furtivos y gente dispuesta a agarrarse a cualquier posibilidad de compañía.

Ahí aparece otra imagen maravillosa: quienes “rezan porque pare el ascensor, atrapado contigo”. La rutina transformada de repente en oportunidad; el deseo secreto de que una avería prolongue unos minutos más la cercanía de alguien.

Musicalmente, Serrano comienza aquí a ampliar el universo del cantautor de guitarra y voz de sus primeros discos, con arreglos más ricos - maravillosa esa mandolina - y una sonoridad cálida que acompaña perfectamente ese paseo urbano.

Porque el Kilómetro Cero no es solamente un punto en Madrid. Es el lugar donde todo puede terminar, pero también donde cualquier historia puede comenzar.