Interpol regresan el 24 de Agosto con "Marauder", su sexto trabajo.
Los neoyorquinos siguen siendo una de las mejores bandas de indie rock del panorama actual y así lo demuestran con la adictiva "The Rover", el primer sencillo que extraen de este disco, cuyo video ha sido grabado íntegramente en México.
Los de MOJO le han dedicado una muy buena crítica y ya tenemos ganas de escuchar temas como "If you really love nothing" o "Party's over". Nos apuntamos la fecha en el calendario.
¿Qué pasaría si en España saliera un cantante vestido como torero y le dedicara una canción a este oficio? Pues que además de creer que hemos retrocedido 30 años, estaría todo el mundo echando pestes sobre él. ¿Y si esto lo hace un cantante alemán de origen latino en pleno 2018?
Sabemos que, siempre hablando de forma genérica, a los alemanes les encanta España, y sobre todo, ciertas partes de España que hasta se han apropiado, como Mallorca, y les apasionan nuestras tradiciones.
Esto lo puedo constatar en primera persona que he viajado mucho a Alemania y aunque puede ser que no sea un sentimiento global, por lo menos, cierta curiosidad y conocimiento tienen sobre el mundo de la tauromaquia y nuestras costumbres religiosas. A un alemán le gustaría acudir a una corrida de toros o poder asistir a una procesión en Sevilla. Ellos saben mucho más de lo que pasa en España que nosotros de lo que pasa en Alemania. España es muy atractiva para los alemanes, no sólo por el sol y las fiestas, que es cómo nos venden en la incensante publicidad que se ve allí, si no por lo que representa nuestra cultura.
Luego aquí cada uno que piense lo que quiera de nuestras tradiciones, pero si los toros continúan hoy por hoy es porque no dejan de ser un reclamo turístico sin igual, y una seña de identidad que nos define, a nuestro pesar. Cuando estando en Alemania sacábamos el tema de los toros, en general todos mostraban interés en el tema y reconocían que les gustaría ver una corrida de toros alguna vez, y sobre la peliaguda cuestión sobre la muerte del toro, no lo veían como la barbarie que muchos quieren ver. Entienden que es parte del espectáculo, que son animales criados específicamente para estos menesteres igual que hay otros animales con otros fines en la sociedad.
En cuestiones de racionalismo son bastante contundentes. Cuando les comentaba que hay mucha gente que no apoya los toros y sobre todo, que el animal acabe muriendo, ellos comentaban que es parte fundamental del espectáculo, es la culminación del torero, el momento más tenso y emocionante del evento. Sin muerte, los toros no serían igual. Que Ferdinand acabara indultado es algo que sólo ocurre en las películas de animación.
Yo me mantengo al margen de estos pensamientos. No estoy ni en contra ni a favor de los toros porque la tauromaquia me provoca la mayor de las indiferencias, así que no puedo ni quiero ponerme de un lado porque tendría que ahondar más en cuestiones sobre qué supondria la eliminación de este espectáculo que sé que mucha gente difruta y que, aunque nos duela en el alma, es nuestro reclamo más popular. ¿Cuánta gente vive de este mundo? ¿Hay algo ilícito en criar estos animales para estos fines? ¿Se resentiría el turismo español?
Lo que está claro es que si viene alguien como Pablo Grande, ataviado de matador y canta en estilo schlager sobre este tema, es porque los alemanes todavía ven el sentimiento festivo en esta tradición hasta el punto de culminarla en música y que no les lluevan las críticas por el atrevimiento.
Héctor Buitrago y Andrea Echeverri formaron Aterciopelados en 1992, y desde entonces, esta pareja de colombianos se convirtieron en una de las propuestas más interesantes y originales del pop latino al "desuso". En poco tiempo, melodías como las tremendistas "Florecita rockera" o "La estaca" fueron éxitos en América y con "Bolero falaz" consiguieron hacerse un huequito en nuestros corazones por este lado del océano.
Les dábamos por perdidos, enfrascados en sus proyectos en solitario y así como de la nada, anunciaron nuevo disco que se publicó el 30 de Mayo, "Claroscura". Escuchándoles de nuevo nos damos cuenta lo geniales que son y la falta que hacían en el panorama.
Han vuelto para llenar de luz, con melodías contagiosas de letras hilarantes y rimas imposibles. Sólo hay que coger algún extracto de este nuevo disco para darnos cuenta que sus composiciones no son las habituales y manidas letras de amor que abundan en los aburridos cancioneros de la música en español y que tanta pereza nos dan. Como muestra un botón, "Tu amor es" nos suelta en el estribillo algo tan romántico como esto: Tu amor es una fuente, de hormona en mi torrente
descarga una corriente, de luz íntimamente
tu amor es dopamina, libera oxcitocina
me da serotonina, química de la fina
¿Quién no se va a enamorar con algo así? Es que Aterciopelados ya nos ganaron a todos con su forma de despechar a sus amantes en las interpretaciones afligidas y rompedoras de Andrea Echeverri.
En Octubre paran por España para presentar este trabajo y recomendamos encarecidamente ir a verles porque aunque uno no conozca sus canciones, escucharles es todo un entretenimiento.
Este disco lo han presentado con dos canciones. La primera es "Play", con Cachorro López en la producción y Ana Tijoux colaborando.
“Sólo quiero que esta música te acaricie como el viento, te caliente
como el sol y te sepa a melocotón", entona Andrea en referencia a los tiempos de los likes, “No tiene
que ser un hit, sólo contigo hacer click. Ser número uno no es mi ambición, quiero un huequito en tu corazón”.
La otra canción es la que cierra el disco, "He venido a pedirte perdón", una forma tan peculiar de disculparse como sólo podrían hacer ellos. El despecho y la frustración de las rancheras mexicanas se queda en cuentos de niños al lado suyo.
Otra de las canciones que podemos encontrar en el disco es "Ay ombe, vamo a relajar el pony", que no pasa desapercibida por su mensaje cargado de un feminismo consecuente y consciente, en el que destaca la frase con la que hemos titulado este post; "Hoy agacho la cabeza ante la grandeza de la mujer".
Hace pocos días hablábamos de lo mucho que echamos de menos a la sueca Robyn, y como si fuera algo premonitorio y nos hubiera escuchado, Robyn ha lanzado un teaser de una canción nueva que se llama precisamente como el título de aquél post - toda una casualidad - "Missing you" (echándote de menos) en el que de fondo suena la canción nueva con declaraciones de ella y de algunos fans, en menos de un minuto de duración.
Robyn explica que esta canción está dedicada a los fans que la han esperado durante estos ocho años y que tiene muchas ganas de volver a los escenarios para sentirlos cerca.
Año 2002 - Febrero - Rolling Stone - Pincha en la foto para ver más grande.
Aquí un gracioso collage con afirmaciones de varios músicos sobre lo que es escribir una buena canción. El artículo va un poco a guasa, pero algunas son interesantes, como la de Silvio Rodríguez o Joe Strummer.
Con la perspectiva que nos da el tiempo, repasamos las más llamativas:
- Albert Pla "Si me das 300 kilos, dejo de hacer canciones".
Uy, pues debe ser que alguien disponía de esos "ahorrillos", porque nos hemos salvado del martirio de tener que escucharle desde hace unos cuantos años. Aunque bueno, el catalán que aquí se evidencia en su vena más cicatera, sigue siendo un personaje muy presente en sus libros, amados por triunfitos, detestados por patrióticos.
- Carlinhos Brown "Hace poco me llegó una música tan linda... y no la grabé. Si la hubiera podido bajar del plano espiritual al plano terrestre hubiera sido un hit".
Carlinhos le debe pegar bien a los cigarrillos verdes cuando quiere sentirse inspirado. Si por algo se le recuerda, porque ya pasó a mejor vida, artísticamente hablando, es por esas canciones "lindas" que abundaban en su repertorio. No ha podido bajar ni una sola de plano a plano. Qué mala suerte para la civilización.
- Marc McGrath (Sugar Ray) "Si pudiera decirte cómo se escribe una canción sería rico"
Ains... los Sugar Ray (rayo de azúcar), es que ya con ese nombre no te los podías tomar en serio. En su día (y de esto ya han pasado varios veranos) tuvieron sus éxitos moderados, pero se ve que no, no sabían cómo escribir canciones. Se quedaron anclados en los 90s.
- La Mala Rodríguez "Yo he grabao, he dicho lo que he querío y he cantao ahí, y así sale. Tampoco me como la cabeza (...). Cuando llega la hora, pues te sientas y lo escribes".
La Mala, natural como el yoghourt, más clarito no se puede soltar. Si te ha llegao, te ha llegao. Y santas pascuas. Esta chica, ya que ha salido aquí, está desaparecida del mapa. ¿En qué andará metía? ¿Será que ya no encuentra esto de escribir tan fácil?
- Najwa Nimri "El día que no tenga nada que decir en inglés cantaré en árabe o en portugués"
Esta Najwa... mira que ha sido engreída toda la vida... y aquí se luce, como siempre. En su caso, la persona mata a la artista, porque si nos dejamos de lado sus meadas fuera del tiesto, no lo hace mal. No es mala actriz, ni es mala compositora o cantante. Pero ni mucho menos tan buena como ella solo se cree. Mírala aquí, renegando del castellano y qué prontito se puso a cantar en nuestro idioma para ver si así venía más gente a verla a los conciertos. Si es que te puede la soberbia, Najwa. No me extraña que hayas acabado en la "cárcel".
Aquí Najwa nos canta "El último primate", y no lo hace ni en árabe ni en portugués que se sepa:
No hace falta irnos muy lejos, sólo 6 años, para hallar una portada en la que Muse aparecen etiquetados como "El grupo más grande del siglo" y, aquí está lo más gracioso, "Así es el trío que ha revolucionado el rock de masas".
Rolling Stone no creo que vuelvan a atreverse a publicar algo semejante (y seguro que se arrepienten de lo dicho) tras haber escuchado los últimos trabajos de la banda, o el reciente estrenado nuevo sencillo "Something human".
Así era, queridos lectores, Muse en su día eran la gran esperanza rock para aquellos que extrañaban las enormes bandas del género, en una liga en la que competían únicamente contra ellos mismos. Tocaron el techo cuando publicaron "Black holes & revelations", aunque ya en este trabajo se les notaba unas ansias comerciales de agradar, sin sospechar que después se convertirían en una ridícula imitación de lo que fueron hasta abandonar por completo la bandera del rock de masas.
Pude asistir a un concierto suyo en Lisboa, en la gira que acompañó al disco antes mencionado. Su buena época. Fue el concierto más frío al que he acudido nunca. Se limitaron a interpretar sus canciones tal y como suenan en los discos, apenas se dirigieron al público y no hubo ni una sola improvisación para que nos creyéramos que no estábamos ante la puesta de escena más estudiada, metódica y coreografiada de la actualidad. Si no hubiera sido por la gran recepción del público, que se volvieron locos con sus temas más cañeros, nos habríamos quedado gélidos.
¿Qué narices les ha pasado a los de Matt Bellamy? Es normal que una banda tienda a evolucionar, pero no es habitual que lo que hagan es abandonarse. Si algo les caracterizaba era la fuerza de su sonido, sus guitarras atronadoras, la voz de Matt desgañitándose a lo Freddy Mercury (muchos les han considerado una descafeinada copia de Queen). Canciones con mensaje, apisonadoras en directo, máquinas de llenar recintos.
Sus dos últimos discos han sido muy mal recibidos por crítica y público, sobre todo "Drones", el último, y no parece que hayan escarmentado o les haya afectado lo más mínimo, porque sus nuevas canciones suenan igual de flojas que las de estos trabajos.
Ahora escuchando "Something human" parece como si su única intención fuera hacerse un hueco entre la cantera de seguidores de Imagine Dragons, y ya me diréis qué necesidad había de eso cuando Muse ya disponía de una muy buena abultada cartera de clientes. Y no es una mala canción, en su estilo pop comercial digno de HIT TV es algo pasable. No es ni mucho menos algo que nos esperásemos de Muse, ahí radica el problema.
La musa se ha perdido.
Aquí el video, 63000 likes, 8300 dislikes. Poco más que decir.
Hubo un tiempo en que las mujeres celebraban su posicionamiento en la música con giras exitosas como Lilith Fair, organizada por Sarah Mclachlan.
¿No sería un éxtasis total poder ver en directo a todas estas talentosas féminas juntas sobre el mismo escenario?
Paula Cole, Fiona Apple, Susanna Hoffs (The Bangles), Lisa Loeb, Sheryl Crow, Joan Osborne, Natalie Merchant, Shawn Colvin, Meredith Brooks... No hay festival actual que aglutinara semejante cartel de calidad.
Precisamente en pleno apogeo de festivales, se está poniendo en entredicho la presencia femenina en los mismos. Es muy difícil ver a una mujer cabeza de cartel, y su participación en el total se reduce a un miserable tanto por ciento del total...
Lilith Fair demostraba que ellas podían conseguirlo, y así lo hicieron. Lo mejor de esta gira era la interacción entre ellas, las colaboraciones que surgían y lo que muestra este video, sus impresiones en el backstage. Dejaron momentos inolvidables, únicos, irrepetibles.
En estos días, sería muy complicado hacer algo similar, por no decir imposible.
Una lástima.
El rock alternativo femenino está de capa caída. Artistas como Alanis Morissette, Sheryl Crow o PJ Harvey es complicado verlas en la actualidad, pero de vez en cuando cae el fruto del árbol y aparecen artistas como Meg Myers, que aunque equivocadas en el tiempo, intentan resucitar esa ola que tantas buenas artistas nos dio en los 90 y en los 00. El estilo de Meg de todas formas está más cerca del de bandas como Metric.
"Take me to the disco" es su segundo trabajo y viene presentado por "Numb" y este curioso video donde Meg, ni siente ni padece.Me ha recordado a algunos compañeros de oficina que a veces parece que si te acercaras y les dieras un grito en la cara, no reaccionarían.
Me ha gustado mucho cómo suena ella, su voz grave, su entonación clara, las guitarras contundentes.
Para seguirla el rastro:
Cuando dejó de cantar el loco, apareció David Otero en forma de pescado y muchos nos quedamos enganchados con su propuesta, a pesar de no ser nada lógica.
Resulta sorprendente que David, escuchando sus últimas propuestas, viendo sus continuas apariciones en televisión, y conociéndole un poquito más, haya formado parte de una banda con Dani Martín durante tantos años. Les tuvo que costar encontrar los puntos en común, porque David se ha decantado por un pop luminoso pleno de referencias a la música más pop intrascendental de los 80 (no en vano su último disco se llama "1980") mientras que Dani, que anda un poco perdido del mapa en los últimos años, intentara ir más de serio y se perdiera en el intento.
En el disco debut de David como El Pescao, podíamos encontrar dos canciones muy grandes, que además aparecían una tras la otra, "Castillo de arena" y "Me da lo mismo", en las que demostraba que con un poquito que se esforzara, tenía cosas muy interesantes que decir.
O con "Una vez más", de su anterior trabajo. Esta canción, sólo por ese ritmo frenético, debería de haber pasado a clásico instantáneo.
El problema de Otero y que podemos apreciar en "Gira", su nuevo sencillo, es que como letrista, deja mucho que desear. "Y algunos días sale el sol, y otros me encuentro un poco raro", que suena en el estribillo, ya nos hace fruncir el ceño... No, las rimas no son lo suyo.
Si cuidara más este aspecto, podría llegar a ser uno de los grandes de este país, que aunque con su disco homónimo consiguiera unas muy aceptables ventas en nuestro país, no ha llegado todavía a consolidarse. Y repito, le falta consistencia a su mensaje, que amplíe su vocabulario (a ver si en alguna canción es capaz de no mencionar al sol, que por cierto, no gira) y que se trabaje más los versos.
Porque por otro lado, David Otero es una de las más frescas opciones del rancio panorama español que podemos encontrar, y su música llena "de sol" nuestras vidas, como deja continuamente patente.
Siempre lo diré, Per Gessle es un "fucking" genio. Nunca jamás se le valorará como lo que es, pero para mí, a nivel compositivo está a la altura de los mejores Lo que pasa es que el pop melódico de Roxette se menosprecia.
Ha escrito cientos de canciones, puede ser que últimamente no con la misma inspiración, pero cuando era grande, era muy grande.
Esta que os traigo hoy, de largo título "You can't put your arms already what's gone", que es el tercer corte de su disco "Have a nice day" (y que por cierto, es en la que se menciona el título del álbum), que son una grandeza compositiva.
No hay que fiarse de la sencillez de su melodía, ni de su accesibilidad. Quizás en estos elementos es donde radica su magia. Es otra muestra más de la facilidad para encontrar partituras inmediatas que a uno le sorprende que se encuentren soterradas.
Es de esas canciones que según la escuchas, te apetece poner una y otra vez y canturrear, no sabes si seguir el estribillo, los adictivos coros o la pegajosa música.
Todo aquí desprende felicidad y optimismo, y ése es el punto curioso del tema, porque si sigues la letra te das cuenta lo triste que es, tratando sobre una ruptura que no se está superando como debiera, porque piensas que esa persona es insuperable, y más cuando la sociedad parece estar obligándote a tener pareja para encajar en ella.
"Me dejaste solo - canta Per, afectado, agravando su timbre de voz - no puedes poner los brazos alrededor de lo que ya se ha ido. Te observo hundirte como una piedra... "
Un acierto absoluto mezclar una interpretación apesadumbrada con una instrumentación y una melodía tan alegre.
Me inclino ante la grandeza de Per.
"You Can't Put Your Arms Around What's Already Gone"
I saw red, stayed at home Placed a big pillow over the phone In this town where I'm from I've learned two is so much better than one But you left me alone You can't put your arms around what's already gone Watch you sink like a stone You can't put your arms around what's already gone Well, you hurt to the core You used to kiss like no one had done before And your taste turned me on Now you drive me real crazy just by being born Cos you left (left left left) me alone (left me alone) And you can't put your arms around what's already gone Watch you sink like a stone You can't put your arms around what's already gone Baba b-baba b-baba ba Baba b-baba b-baba ba Took the tram 'round the bay Where everyone tells you to have a nice day And my pride almost broke When the tears don't fit you, you look like a joke And you left (left left left) me alone (left me alone) You can't put your arms around what's already gone Cryin' eyes gettin' worn You can't put your arms around what's already gone Hey, you left (left left left) me alone (left me alone) You can't put your arms around what's already gone Watch you sink like a stone You can't put your arms around what's already gone Baba b-baba b-baba ba Baba b-baba b-baba ba
A Cher no parece que le pesen los años y basta que vuelva a estar en el candelero con su participación en Mamma Mia 2, que ahora anuncia su intención de grabar un disco entero de versiones de Abba.
En la película, como anuncimos aquí, interpreta "Fernando" junto a Andy Garcia, y le ha debido de dejar el gusanillo de querer hacer unas cuantas más para animarse a grabar un álbum íntegro de canciones de los suecos. ¿Qué canciones de Abba veis en la voz de Cher? Confiando en que no se base únicamente en los mayores éxitos, y teniendo presente su tono de voz, grave y áspero, creo que las canciones sin agudos serían sus mejores elecciones. Por supuesto, no podría faltar "The name of the game" o "The day before you came", a las que seguro puede dotar de su intensidad vocal.
¿Debería darle un toque dance al disco al estilo "Believe" o mantenerse en la línea de "Fernando"? No, no debería hacer un "Dancing queen" con sonido año 2018, desvirtuaría la canción original, pero tampoco mantenerse conservador como han hecho con "Fernando".
Cher ya trabajó con Stephen Lipson en su disco de covers "It's a man's man's world", y aunque el sonido Lipson puede resultar un poco desfasado, saber qué puede proponer en la actualidad sería interesante.
Benny y Björn, los compositores de Abba, que sabemos de lo reticentes y escrupulosos que son a la hora de ofrecer sus canciones, seguro que le dan carta blanca a la actriz.
Lo que esperamos es que no sea una continuación al uso de "Mamma Mia". No creo siquiera que los productores vieran con buenos ojos esa propuesta.
17 de Septiembre del Año 2008, Sevilla. Concierto de Madonna. La telonera es una tal Robyn. Dicen que Madonna la quería porque le recordaba mucho a ella en sus inicios. Hasta tiene una canción llamada "Who's that girl?".
No era conocida por ninguno de nosotros. Muchos se lamentan de no tener a Paul Oakenfold.
Comienza Robyn y a la segunda canción nos ha conquitado a todos.
El disco homónimo de esta cantante sueca fue un proceso de lenta cocción. Se había publicado en el 2005, triunfando en su país natal, y tras alguna vuelta de tuerca posterior y cambios de portadas, consiguió un mítico número 1 con "With every heartbeat", que se incluyó en la versión internacional.
En el 2010 preparaba nuevo lanzamiento, y decidía hacerlo en tres partes, de nombre "Body talk", para terminar culminando en un único disco que recogía las mejores canciones de los tres minialbums. Un proyecto arriesgado que falló en sus propósitos. Fue un descalabro en las listas (en UK alcanzó un vergonzoso #168) pero que ha dejado para la posteridad una de sus canciones más celebradas, "Dancing on my own", que por versiones posteriores, es una gran conocida en todo el mundo.
De todo esto ya han pasado la friolera de 8 años, muchos para una artista pop que simula no estar preocupada de su trayectoria. Puede ser, no confiemos a ciegas, que la espera esté a punto de terminar, porque hay pronósticos infundados por ella misma de que en este mismo año tendremos por fin un nuevo disco. Esperemos que no le ocurra como a Shania Twain, que para volver con lo que hizo, mejor continúas en casa regando las orquideas.
Tenemos esperanzas puestas en la sueca, y seguro que en todo este tiempo algo gordo ha preparado.
El pasado marzo, en una fiesta de Givenchy, los periodistas la cogieron por banda (es muy complicado pillarla en un evento multitudinario) y le preguntaron en qué demonios estaba liada tras tantos años desaparecida. La sueca no se hizo la sueca, y se animó a hacer una avanzadilla.
"No está terminado, pero casi casi está ahí. Empecé por mi cuenta, en mi estudio casero, escuchando música que me gusta, bailando y oyendo los beats. El nuevo álbum tiene mucho más trabajo de producción que ha corrido por mi cuenta". No quiere mencionar aquí colaboradores. "Quería darle un poco más de mí misma antes de llevarlo a otras personas para que se involucraran en el proceso".
Ese proceso ha impactado sobre todo por su experiencia con el psicoanálisis, así como por la perdida de su amigo y colaborador Christian Falk, que murió en 2014, antes del lanzamiento de su EP "La Bagatelle Magique".
Las influencias del nuevo disco van desde el house de los 90, la música de los clubs, Michael Jackson (ha estado escuchando continuamente los demos de "Thriller" y "Off the wall") a Janet Jackson o Prince. Es más, con Prince le pasa una cosa. Según ella, "siempre intento escribir una canción que pienso que le gustará a Prince", así es como filtro mi trabajo.
Comenta también que es muy perfeccionista y este es el motivo de demorarlo todo tanto, no llega a estar satisfecha con los resultados finales (como le pasa a Sade o a Dido).
En este evento, se supone que presentaba una nueva canción, "Honey" que aparecería en la serie "Girls", pero lo cierto es que quitando un video grabado de la presentación, con Robyn poniendo la canción, nada nuevo ha salido de todo esto.. y ya han pasado unos meses.
¿Alguien tiene algún dato más sobre su regreso? Esperemos que nos sorprenda pronto con la noticia.
Siete discos en su haber, cinco nominaciones a los Grammy, una gran reputación en su país, Estados Unidos... Brandon Heath, que es además un conocido del blog pues le seguimos desde su segundo álbum, "What if we", del 2008, publicaba a finales del año pasado su disco más pop, "Faith hope love repeat" y confirmaba que aún tiene muchas cosas que demostrar.
Para aquellos que no le conozcáis, que supongo sois la gran mayoría, hay algo que debéis saber de Brandon y que puede ser que os eche un poco para atrás: es un músico cristiano y sus canciones hacen continuas referencias a su religión.
Ahora bien, si sois capaces de ver más allá del mensaje de sus letras en su sentido más literal, abrís vuestra mente y extrapoláis, la experiencia de escuchar a Brandon será un viaje de lo más agradable.
Su último disco no tiene nada que envidiar a las producciones más ambiciosas de bandas como OneRepublic o The Script. Es más, si escuchamos canciones como "Whole heart" o "Got the love" comprobaremos que perfectamente podrían ser éxitos internacionales si no fuera probablemente, por el tipo de mercado al que apunta Brandon, y al que siempre será fiel.
Con "Got the love" nos hemos llevado una total sorpresa. Lo último que nos esperábamos es que podríamos bailar alguna vez al ritmo de una canción de Brandon. Poseído por el espíritu de Justin Timberlake en "Can't stop the feeling", es una rendición absoluta a la música pop que podemos escuchar en la actualidad. Un soplo fresco de aire que choca de primeras, pero una vez que aceptas su reconversión, disfrutas enormemente.
"Whole heart" se acerca más al Brandon que conocíamos, aunque respeta la coherencia del estilo del disco, porque el cambio no se produce en una o dos canciones, como podríamos pensar. El cambio es palpable en la mayoría de piezas del disco. Parece que después de "No turning back", su anterior propuesta, había ganas de adaptarse al mercado y apuntar más alto, conseguir más adeptos, atraer a la mayor cantidad de personas posible.
Si tenemos que elegir un standout, ése sería "A little faith". Una muy original producción con la que hay que estar muy espabilado para descubrir todos sus trucos, y es realmente una incursión de lo más entretenida. Han sabido añadir capas a la melodía con gran acierto.
En este último video podéis comprobar que Brandon no es nada receloso de mostrar a sus seguidores fotografías de su vida privada. A pesar del empalagoso clip de "Faith, hope, love and repeat", según sus palabras una canción de cuna para su hija, es una balada que se deja escuchar muy bien.
"Fe, esperanza y amor" son las tres armas para combatir el miedo, y debemos usarlas en una constante repetición. Es el mensaje que nos manda Brandon. Hacedle caso.
Katy Perry ha admitido recientemente no haberse tomado nada bien la reacción del público ante su último trabajo, "Witness", lo que le ha llevado a atravesar varios capítulos de depresión, acudir a un centro para trabajar la negatividad, las formas de pensamiento y los modos de comportamiento, porque le costaba aceptar todo lo que le estaba pasando.
Vamos a ver, Katy, querida mía, no se puede ser más sentida que tú. Pues si haces un disco que es una birria, ¿qué esperas que haga la gente, que te lo aplauda todo? La Perry tocó el cielo con su "Teenage dream" y ya cuando sacó "Prism" se notó un bajón considerable en la calidad. Parecía una muy mala copia del anterior. No lo supo remendar con "Witness", ni con video clips costosísimos ni con continuas apariciones en los medios... Las canciones no estaban gustando (algunas espantosas como "Bon apetit") y si los singles eran así de malos, cómo sería el resto del álbum, que además contenía 17 canciones, a cuál peor?? Este disco de horripilante portada, además, tenía más relleno que la sección de edredones del IKEA. Lo único que podríamos salvar de la quema es el "Chained to the rhythm", pero no como tarjeta de presentación. No es tan buena....
Ha confesado en el Vogue de Australia lo siguiente:
"He tenido episodios de depresión situacional. Me rompieron el corazón el año pasado porque, aunque no lo parezca, le doy mucha importancia a la reacción del público, y el público no reaccionó de la forma en la que yo me esperaba... y esto me rompió el corazón".
Katy, ya sabes lo que tienes que hacer para el siguiente: Asesorarte mejor!! testear bien todas las canciones que elijas y mejor un disco con 10 temas buenos que no 18 infumables.
Debe tener a sus pies a los mejores compositores del mundo, ¿y esas cagarrutas acaba editando? Debe estar sufriendo el síndrome de Britney Spears, que también lleva una rachita que cuidadito...
Una portada llamativa, un nombre tan evocador como absurdo, referencias exageradas en la publicidad comparándolo con el Kid A (para los que no lo sepáis, es un disco de Radiohead)...
En el año 2007 todo parecía apuntar a que el dúo francés AaRON iban a arrasar en el viejo continente, y su éxito finalmente se concentró en Francia y Bélgica, por mucho que cantasen en inglés y pudieran abrir mercado.
"Animales artificiales montados en la tierra de nunca jamás", extravagante título cuyas siglas en inglés forman el nombre del dúo, fue la gran carta de presentación de AaRON y aunque siguen disfrutando de un moderado éxito en tierras francófilas, no alcanzaron la fama que merecían.
Es un despropósito decir que "Kid A ya tiene sucesor". Nada tienen que ver un trabajo con otro. Este disco es mucho más accesible y comercial que el de Radiohead, para empezar, aparte de que AaRON juegan con elementos más cercanos a las estructuras clásicas que los de Thom Yorke.
Es un muy buen disco, yo incluso lo llegué a comprar original, en una edición limitada con canciones extras.
En la extinguida revista española Go MAG así valoraban este trabajo:
El mundo interior y el exterior, siempre en constante colisión. Así también lo reconocen Simon y Olivier, la última buena sorpresa que nos llega desde Francia. Si fuesen británicos como Coldplay, Radiohead o Neil Hannon (¿Neil Hannon? - aquí se nota la pretenciosidad del autor - ), quizás consiguieran más atención de la que me temo van a recibir (en eso acertó).Y eso sería injusto, sí señores (estamos de acuerdo). Aaron apelan aquí a la tristeza y a sus múltiples hijas: la rabia, el desencanto, la impotencia, el vacío... conceptos que si no son tratados con contención dramática, gusto melódico y destreza instrumental (esos violines y pianos) pueden hacer caer a un grupo en el mayor de los esperpentos. No es éste el caso, como lo demuestra "U-turn (Lili)", single de presentación incluido en la banda sonora de la película de Philippe Lioret "Je vais bien, ne t'en fais pas" y cuya filosofía musical encaja con el espíritu del film, sobre la pérdida de un hermano gemelo. "Artifical animals riding on Neverland" es un disco más nocturno que diurno, bastante autobiográfico (ellos mismos lo reconocen) y clásico (se nota que escuchan a Debussy). Atención a la versión de Billie Hollday ("Strange fruit") y a "War flag", que parece extraída de la banda sonora de una road movie.
Como es habitual en el mundo de la crítica, algunos escritores parece que no han escuchado el disco y se han limitado a ampliar las notas informativas que mandan las discográficas. No se observan aquí referencias muy concretas a este trabajo hasta la última línea, lo cual demuestra la pereza del artículo.
Estamos de acuerdo en que aquí hay tinieblas y oscuridad, túneles sin salida, pesadumbre... Muy buena la frase de las múltiples hijas de la tristeza, muy acertada.
De vez en cuando, aunque pasen los años, "U-turn (Lili)" se vuelve a colar en la lista de ventas de Francia, como pasó hace pocos meses. Es sin duda, el mayor éxito que han tenido en su carrera, y merecía al menos esta canción, haber sido grande en los mercados angloparlantes.
Los fans de los primeros Coldplay o Keane, la disfrutarán en demasía.
El resto del disco intercambiaba la melancolía de esta pieza con otras más desesperanzadoras, donde las bases electrónicas ennegrecen las melodías, sin dejar que lleguen las luces del alba, en una continua noche.
El álbum llegó a ser doble disco de oro en Francia.
Singles extraídos: U-Turn (Lili), Le Tunnel d'Or, Angel Dust, Little Love y Mister K
El mejor tema del disco según nosotros, "Angel dust":
El POP necesita una nueva reina, y Ariana Grande viene con todos los requerimientos para ocupar el trono. Con Lady Gaga y Katy Perry en horas bajas, sólo Pink podría hacerle algo de sombra a la cantante de Florida, pero el último disco de ésta no ha sacado más que un sólo single de éxito, "What about us", así que el camino está preparado para que la cantante de Florida saque fuerzas y se ponga la corona, ahora que parece más deshinibida y confiada que nunca. El 17 de Agosto saldrá a la luz, "Sweetener", su nuevo disco, y acaba de presentar el segundo single del disco, tras el exitoso "No tears left to cry", con un video digno de las mejores.
"God is a woman" es otro alegato feminista (y ya van...) con un título cogido por los pelos y metido con calzador entre las frases típicas de "sabes lo que quiero, lo que necesito, baby, puedo ser muchas más cosas de las que crees...". Pero es una buena canción, tenemos que reconocerlo.
Le agradecemos enormemente que para estas dos canciones no se haya hecho acompañar por ningún rapero o rapera como la petarda de la sobrevalorada Nicky Minaj (que ya lo hizo en "The light is coming", y que no ha tenido tanta repercusión como sus esfuerzos en solitario), porque ella ya tiene la suficiente presencia y canta con la soltura precisa como para no necesitar más ayuda.
Los fans de Christina Aguilera ávidos de buenas canciones que su diva no les ofrece, deben haberse pasado a la acera de Ariana, y con razón. Son dos cantantes con buenas voces, pero mientras que la Aguilera no ha sabido enfocar su carrera, Ariana parece hacerse más grande a pesar de los acontecimientos que enturbian su trayectoria.
En el video de "God is a woman" hay una curiosidad notable, y es la participación de Madonna con un cameo declamando un versículo de la Biblia, "Ezequiel 25:17", que ya hizo Samuel L. Jackson en Pulp Fiction:
"Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a
aquellos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanas. Y tú sabrás
que mi nombre es Yahvé cuando caiga mi venganza sobre ti",
Se aprecia perfectamente la voz de Madonna, aunque a ella no se la vea.
¿En el nuevo disco estará Madonna? Los fans están convencidos de que sí, pero nada oficial ha transcendido.
Ariana, muy presente en las redes, no duda en contestar con rotundidad sobre su nueva canción.
El sexo es fortalecedor, es el origen de todas las cosas. Tener coño es un privilegio.
sex is empowering. it’s the source of all life. pussy is a privilege.
Hoy en nuestro capítulo de "cantantes que os importan un bledo y que no son conocidos ni en su casa a la hora de cenar", tenemos el gusto de presentaros a Eef Barzelay.
¿Qué quién es el tal Eef? Un cantante norteamericano de origen israelí más conocido por ser el líder de Cleam Snide. Yo, poco o nada sabía de él. No ha sido hasta ahora que he buscado una foto que le he puesto cara. Preocupado que estaba...
Tampoco voy a extenderme en los méritos y triunfos del chico, porque vais a empezar a bostezar y no es plan, así que, vamos al grano, tiene una canción que se llama "The girls don't care" y es un temazo que tenéis que escuchar.
Extraída de su disco del 2009, "Lose Big", fue incluida en un recopilatorio que regalaban con la revista Rockdelux, "Houston Party" y por este motivo la conozco. El disco ha vuelto a caer en mis manos, lo he vuelto a reproducir y ha destacado esta canción que recordaba como de las que más destacaban. ¿Y qué tiene de bueno la canción? Pues es adictiva hasta pedir socorro. Destila elegancia desde los primeros acordes, guitarras acariciadoras, batería expresiva, "hammond" organ que se incorpora para el segundo verso, que junto a todos los instrumentos bailan al ritmo de las frases de Eef, para terminar en una gran fiesta en la que tiene que pedir que "vale, bien..." para que se paren.
Si a las chicas no les importa, menos al mundo. Queremos impresionar, sonar halagadores, cultivados, usar palabras raras, despertar sus mentes con posturas forzadas...
Nada, fuera los disfraces porque al final, todos, ellos y ellas, sólo queremos escuchar una dulce melodía.
Don't
extend the solo
Lay the groove too deep
Try not to sing the words
As if you're mumbling in your sleep
Don't say that you won't do it
Cause it's been done before
Don't start a revolution
Just because you're feeling bored
CHORUS:
The girls don't care
That you ache to be free
You see, the girls just want
A sweet melody
Ha salido en las noticias una intoxicación masiva por lechuga contaminada en los McDonald's de EEUU, que ha afectado ni más ni menos que a 3000 restaurantes.
Quisiera despertar un poco de conciencia sobre la comida basura, y querid@s tod@s, ir al McDonald's es algo ya demasiado cutre y obsoleto. Son tantos los motivos para no ir que no sabría por dónde empezar: Comida de malísima calidad, riesgos para la salud, excesivo consumo de calorías...
Hoy por hoy son tantas las alternativas más saludables y asequibles, que no tiene ningún sentido seguir machacando nuestros estómagos.
Contaré una anécdota: Cuando tenía 18 años, estaba estudiando y mis padres no me podían dar una asignación económica, así que decidí ponerme a trabajar unas horas a la semana para poder costearme mis gastos. Me puse a trabajar en un McDonald's y ahí aguanté 2 meses.
Estamos hablando del año 1998, puede ser que su funcionamiento interno haya cambiado, pero en resumen decir que mi experiencia allí fue horrible. Hay una jerarquía en los puestos a cubrir. Un empleado nuevo se incorpora directamente a la parte del mantenimiento de salón y aseos. Esto es, limpiar las mesas, recoger los cubos, fregar los baños y en general, asegurarse que las instalaciones, de cara al cliente, estén en perfectas condiciones. Después, si te has desenvuelto bien, uno pasa a la cocina y empieza con las freidoras.
Todavía recuerdo un divertido video en el que te decían que tenías que echar sal a las patatas haciendo la forma de la M de McDonald's... Ese video parecía grabado por una secta, daba miedo.
Y es que aquéllo era un poco como una secta, y una jungla. La competencia entre los empleados por subir en la jerarquía era brutal. Todos querían aspirar a ser encargados, que eran los que más ganaban e intentaban conseguir puntos a toda costa, pisoteando continuamente a los compañeros y dejándolos en evidencia a la mínima ocasión.
Os podéis imaginar que el ambiente de trabajo así era de lo más agradable...
Cuando me pasaron a cocina, teníamos que suministrar los productos necesarios que recogíamos de las cámaras. Bien, pues estas cámaras de refrigeración estaban justo delante de las bombonas de ácido que servían para que los polvos de los refrescos (Coca Cola, Fanta, etc.) se sirvieran correctamente, y las bombonas tenían algunas pérdidas... El suelo estaba lleno de ácido reseco que no había forma de sacar.
Una vez se nos cayó una bandeja de hamburguesas según salíamos de las cámaras y se desparramaron por el suelo. Suponed dónde se fueron... Sí, encima del ácido. Cuando me disponía a retirarlo y tirarlo, un compañero me increpó y me dijo que si lo tirábamos nos iban a regañar, así que mejor cogerlo, volver a ponerlo en la bandeja y aquí no ha pasado nada.
Sentí una lástima enorme por los pobrecillos que fueran a consumir esas hamburguesas...
El colofón, y el motivo de mi marcha, fue cuando me quemé la mano.
En una plancha para calentar el pan, era habitual que los panecillos se quedaran pegadas al abrirla, así que nos decían que cogiéramos unas pinzas y que por la parte de atrás las sacáramos. "Cuando tengas más maña, verás que lo puedes hacer con la mano, pero ten cuidado", me advirtió el instructor.
A los dos días ya estaba cogiéndolo con la mano porque el ritmo de la demanda en horas punta era insufrible y no teníamos tiempo ni para respirar. No podía perder ni un minuto cogiendo las pinzas.
En una de éstas, una compañera se tropezó conmigo y me agarré al asa que abría y cerraba la plancha, con tan mala suerte que mi mano estaba dentro.
Menos mal que en la parte de la palma tenía el panecillo, pero el dorso lo tenía al descubierto, por lo que me quemé con todas las ganas. Me fui corriendo a lavar la mano con agua fría y pedí una pómada o algo para curármelo. No les quedaba pomada y no había más que vendas. Me dijeron que me lo mojara bien, que me pusiera una venda y siguiera trabajando con cuidado de que nadie me viera, porque nadie que manipula alimentos debe llevar vendas visibles.
Indignado, les dije que así no iba a continuar trabajando, que estaba que me moría de la quemazón (la ampolla que me salió después fue tremenda), y que quería marcharme por hoy. Insistieron en que siguiera, que estaban hasta arriba, así que cogí el mandil, lo tiré al suelo y dije que "hasta aquí, que me iba".
Recuerdo que ya era muy tarde, era la hora de cenar. Al día siguiente llamé a la Mutua de la Empresa, por haber sido un accidente laboral. Apenas me hicieron caso, y era tal mi indignación que pedí la baja definitiva, la cual firmé uno o dos días después. También recuerdo que era un día 5 o 6 del mes, y esos 5 o 6 días no me los llegaron a pagar los muy cab*****
Pero yo no quería saber nada de ellos, lo importante para mí era mi mano y dejar esa mierda.
La hostelería es muy sacrificada, estamos de acuerdo, será por eso que sólo los que tienen muchas ganas de trabajar se meten en ese mundo. Y por desgracia, no está tan bien pagada como antaño. Los sueldos llevan congelados décadas o incluso han ido a menos. Por eso, la mayor parte del personal que vemos allí trabajando es de fuera.
Pero es un trabajo, y yo estoy muy orgulloso de haber tomado esa decisión para aliviar la situación financiera de mi casa.
Claro que he vuelto a ir a un McDonald's y he vuelto a ir al que estuve trabajando. Pero bien es cierto que acudo cuando no me queda más necesidad. Para mí cualquier alternativa es mejor, y más ahora que hay tantos restaurantes de mucha mejor calidad de hamburguesas (por mencionar algunos, The Good Burguer, Steakburguer o Carls Jr.).
No me queda otra que ir a un restaurante de estos si a las horas en las que me encuentro no tengo otra opción. Como volviendo de un viaje muy tarde, y en general cuando se ha pasado la hora de la cena y está todo lo demás cerrado. Por lo demás, ahí no me verán.
Ya lo decía Bell X1, nuestro grupo gurú, en su canción "Four minute mile", "Nunca me tomaré una ensalada en McDonald's", o como decía ese meme de Paquirrín que ponía "Ir al McDonald's y pedir una ensalada es como ir a un puticlub y pedir un abrazo"....
Escribiendo en un blog, en los tiempos de Twitter, Facebook e Instagram, me siento un poco como Paquita Salas intentando que su PS Management no se hunda por las nuevas tecnologías.
Anticuado, obsoleto, desfasado... sinónimos que te abofetean para decirte que al mundo hoy por hoy lo mueven otros carruajes.
Puede ser que la limitación de las redes sociales y la absurda melancolía de a pesar de publicar en Internet, sigues manteniendo parte de tu intimidad, es lo que me anime a continuar con este blog con el que más de un día haces plof. Puede ser mi torrezno y Gintonic de Larios particular....
Por eso, y por más cosas, me ha gustado la primera temporada de Paquita Salas. Porque es un personaje atípico que lucha con lo que tiene y conoce. Obtiene sus propósitos, alcanza la cumbre y rápidamente, vuelve a caer... Ella acepta las reglas del juego y asume que para dejar de llevarse disgustos innecesarios y evitar ponerse fina a pizzas, doritos y kebabs, es mejor reconocer tus limitaciones y dejar volar a los pájaros. Paquita te tiende una mano, te abre las puertas de su casa, a pesar de saber que te marcharás dando un portazo.
Javier Calvo y Javier Ambrossi no sólo usaron (y abusaron) del cast de Paquita para su "La Llamada", si no que repiten muchas de las estructuras (hasta los números musicales) que en su película mostraron.
A falta de ver lo que han hecho en la segunda temporada, esperamos que de la caja saquen más herramientas. No sé si es que se quieren labrar un universo personal igual que en su día hizo Pedro Almodóvar, con un cast recurrente, pero se echa en falta algo más de innovación.
Son sólo cinco capítulos que no llegan a media hora cada uno, así que se ve en un abrir y cerrar de ojos. Cuando te quieres percatar, Paquita ya se ha ido. Y a pesar de algún capítulo completamente intrascendental y admitámoslo, aburrido, como es el tercero (en el que Paquita regresa a su pueblo), los dos últimos episodios levantan los ánimos y consiguen que te enganches a la trama.
NETFLIX ha inundado Madrid con publicidad de la Paca, hasta la estación de metro de Chueca está decorada de arriba a abajo con publicidad de ella. Es un personaje del que muchos ahora hablan... ¿quién es esta tal Paquita Salas, ese personaje de mujer cuarentona rellenita que además, la caracteriza un hombre? Pues es eso, un personaje. Divina y humana. Luchadora, pero con grietas.
Meritocracia es su clave del éxito.
Os dejo con "Respirar" de Bebe, que puede escucharse en el último capítulo. Preciosa.
De vez en cuando se te aparecen, como espíritus, canciones que regresan del pasado, que no llegaste a escuchar, y que en seguida se meten en tu cabeza como si hubieran sido editadas en la actualidad, como si los años entre su publicación y tu descubrimiento no existieran. Se rompe la brecha pasado-presente como si en un capítulo de "Dark" nos encontráramos.
El factor tiempo es protagonista también de esta pieza sublime del primer trabajo de la ya extinguida banda Alis, que no era más que el proyecto musical de Pachi García. Tras seis discos de estudio, decidieron retirarse del mercado y dedicarse a otros menesteres.
En el 2006 publicaban su disco homónimo, "Alis", y lo comenzaban con "Sigo aquí", la canción que he descubierto en los últimos días. Porque de Alis yo lo que conocía era su tema "88", de este mismo disco. Recuerdo ver el videoclip continuamente en un canal de videos que existía en los principios del TDT, lo llegué a grabar y debo tenerlo por ahí, en alta calidad. Si un día vuelve a caer en mis manos, haré por subirlo en YouTube, si es que las dichosas licencias lo permiten.
Pero no quiero alejarme del tema que quiero presentaros, "Sigo aquí".Tendrá fecha del 2006, e insisto, si hoy se publicara, no desentonaría en absoluto. Tiene una producción cuidada hasta el detalle, sin abusos ni ornamentos más de los que requiere la melodía. Con claras influencias británicas, guitarras con riffs que suben y bajan, anticipan los mensajes, juegan con la interpretación y las luces y sombras del texto. Saturación escasa y delays que acaban de pintar el cuadro.
La letra es lo que te deja noqueado. Tanta sinceridad es abrumadora.
Si alguna vez has sufrido la ruptura de una relación en la que esa persona parecía ser toda tu vida, que sin él/ella no podrías seguir, una dependencia absoluta.... ésta es tu canción.
Recuperar el yo y eliminar el nosotros. "Sigo aquí después de haber tocado fondo, ya he quitado mis escombros, ya desperté".
Alis parece tratar aquí una relación muy corta pero intensa. Juega con los meses, menciona exactamente Marzo y Abril como los meses en los que pregunta por qué le han tratado así. Superado el trauma, admite que Julio y Agosto se reirán de todo. Debemos entonces pensar que la canción está escrita en los meses intermedios, Mayo y Junio, que es cuando despierta de la conmoción.
Porque trata de una conmoción, tan breve que parece un sueño. No entender nada. No saber qué ha pasado. Encontrar la luz de tu camino y que súbitamente alguien la apague. Tocar fondo, llenarte de escombros... No hay muchas explicaciones que darle a la letra, es bastante explícita en su mensaje.
Por eso llega tanto. Tiene el poder atemporal de hacerte revivir la situación, escarbar en tu memoria para devolverte a esa época en la que tú también sentías que no podías ver el mundo sin sus ojos.
Y no te olvides, por mucho que duela, por mucho que estés sufriendo, tú también saldrás del agujero, y te reirás de toda esto que ahora consideras mala fortuna. Volverás a ser libre y creerás en el amor. Nada sucede por casualidad. ALIS - SIGO AQUÍ
Amanecer con otro cuerpo con otra forma de ver las cosas. Y no entender por qué ha sido así porque todo Marzo y Abril...
Sigo aquí depués de haber tocado fondo Sigo aquí no ves, no ves que sigo aquí no ves, no ves Sigo aquí después de haber tocado fondo ya he quitado mis escombros, ya desperté. Sigo aquí no ves que ya no me hace falta ver la vida por tus ojos ehhh...
Amanecer y no entenderlo si ha sido un sueño quiero saberlo contadme hasta tres y despierto Respecto a Marzo y Abril
¿por qué me han tratado asi? ahora se ríen Julio y Agosto
Sigo aquí depués de haber tocado fondo Sigo aquí no ves, no ves que sigo aquí no ves, no ves Sigo aquí después de haber tocado fondo ya he quitado mis escombros, ya desperté Sigo aquí no ves que ya no me hace falta ver la vida por tus ojos ehh
Sigo aquí no ves, no ves Sigo aquí no ves, no ves Sigo aquí no ves, no ves Sigo aquí no ves
Que Mecano fue una de las bandas más importantes de la música española y "Mujer contra mujer" una de sus piezas fundamentales, es algo innegable.
Lo que pocos conoceréis es el curioso origen de esta canción compuesta por José María Cano.
¿Hubiera tenido el mismo éxito de haberse llamado "La Bola de Pelo"? Probablemente no, pero así se llamaba en su gestación. Hacerle unos retoques posteriores al texto era estrictamente necesario.
Hay incluso una maqueta, que podéis escuchar abajo, de su concepción original, y es que no deja de llamar la atención lo que fue en un principio.
La famosa frase del estribillo, "Quién detiene palomas al vuelo, volando a ras de suelo", que aún hoy por hoy a muchos nos choca por enrevesada, en un principio decía "Quién detiene una bola de pelo rodando por el suelo", lo cual ya es de juzgado de guardia.
Recordemos que "Mujer contra mujer" es una canción como todos sabréis que trata sobre una relación lésbica. Cuando se publicó, allá por 1988, tuvo bastante controversia (no más de la que seguramente tendría en la actualidad) y sigue siendo una de las pocas canciones que aborde el tema de la homosexualidad de forma explícita, sugerente pero elegante.
Antes de la bola de pelo, que casi suena más a anuncio de comida para gatos que a canción lésbica, incluso la canción tenía otro concepto. Con el nombre de "Hoy te quiero" (mañana ya veremos), trataba de una relación entre un hombre y una mujer. José María se debió de dar cuenta que canciones de amor heterosexual ya había millones, esto es, todas, y que podría intentar algo innovador, que es lo que siempre ha buscado en sus composiciones.
Por lo que se le ocurrió lo de "La bola de pelo", y cuando se dió cuenta que se había pasado de innovador y que había mezclado las churras con las merinas, rectificó y pasó a las palomas, que tampoco es que tuviera mucho sentido, pero quedaba mejor.
No sólo el texto original cambia esa parte. El segundo verso era completamente diferente:
Te patina la moral
y retocas dos o tres principios
si equivocas
la ocasión
y las pillas en la alfombra del salón
ya de nada te va a servir a toser
si no gustas ya sabes
que hay que hacer
no les importa en absoluto tu opinión
Si lo comparamos con el finalmente publicado:
No estoy yo por la labor De tirarles la primera piedra Si equivoco la ocasión Y las hallo labio a labio en el salón Ni siquiera me atrevería a toser Si no gusto ya sé lo que hay qué hacer Que con mis piedras hacen ellas su pared
Los cambios fueron de nuevo bien recibidos, pasando de la segunda persona a la primera, y quitando frases estridentes como lo de "retocas dos o tres principios", lo de toser y las alfombras, que eran expresiones demasiado corrientes...
Mucho mejor "que con mis padres hacen ellas su pared" que "no les importa en absoluto su opinión", y lo más acertado, "las hallo labio a labio en el salón", que es sin duda la mejor frase de toda la composición.
Sólo queda pensar en lo que se había fumado José María cuando se le ocurrió lo de la bola de pelo y la idea avanzara tanto que se llegara incluso a grabar como maqueta.
La historia del pop español hubiera sido completamente diferente.
En esta entrevista, Ana Torroja habla de esta anécdota junto a Boris Izaguirre y Miguel Bosé:
