¿Qué se supone que representa la portada? Ni p*** idea...
Gabriel retorna a un momento de su adolescencia. Es de noche, varias camas en la habitación. Todo el mundo duerme menos él. Un ardor interior le impide conciliar el sueño, algo está naciendo desde sus entrañas, inexplicable e impredecible. Encuentra las palabras que lo definen en forma de canción, vestidas con la desorbitada imaginación que sólo un niño puede tener. "We could be heroes for just one day".
Peter Gabriel ha adaptado el clásico de David Bowie como si no quisiera despertar a nadie. Canta casi susurrando y con voz temblorosa, esperando que la orquesta se haga mayor y pueda demostrar temperamente y agresividad. Nos hace cómplices de la escena, nos lleva de la mano a esa habitación y comparte sus sentimientos sin vergüenza alguna.
Con estos temblores y falta de pudor empieza a correr el "Scratch my back", el esperado nuevo álbum de Peter Gabriel, elaborado a partir de versiones de otros, que esperan ser devueltas en un futuro próximo.
Canciones de Radiohead, Elbow, Arcade Fire, Bon Iver o Regina Spektor envueltas únicamente por una orquesta, que tendrán que elegir en el vasto repertorio de Gabriel el arañazo que esperan darle en la espalda.
Una experiencia indescriptible escuchar "Flume" de Bon Iver o "Mirrorball" de Elbow en la piel del inglés, que si ya en su concepción original provocaban espamos internos, ahora en esta adaptación acapara emociones antes desconocidas.
El 15 de Febrero se pone a la venta "Scratch my back", que contiene 12 cortes en este revestimiento casi fílmico en el que aquí aparecen.
Rick Nowels (Dido, Belinda Carlisle, Madonna) y Guy Chambers (James Blunt, Robbie Williams, INXS) compartirán créditos en las próximas canciones de Katie Melua, nuestra morena de pelo rizado georgiana favorita (¿o es que acaso conocemos otra?).
Cuando Melua editó "Pictures", su tercer disco de estudio, comentó que daba por cerrada una etapa en la que sus suaves canciones que buceaban por el jazz, el soul, el pop y el folk, se veían arropadas por la exquisita voz de la intérprete. Sus dos primeros discos vendieron cantidades astronómicas, mientras que el tercero la situó en una situación irregular.
Ha ido a juntarse con dos de los compositores más infalibles del panorama actual, así que probablemente no decepcionará con lo que este año vaya a editar. No conocemos aún nada, ni título, ni singles ni cuándo exactamente, pero se espera que para el segundo semestre vea la luz lo nuevo de la intérprete de aquel entrañable "Nine million bicycles".
Qué puedo pensar de las últimas horas, que tan entretenido me han mantenido. Me gustaría que se avecinaran cambios, poder darles la bienvenida como se merecen, quién sabe si organizando una fiesta o haciendo un viaje memorable. No sé si la tierra va a vibrar o se va a quedar completamente quieta. Es pronto para deshojar margaritas en el parque, y no sabemos siquiera si va a haber más paseos por ahí, pisando la tierra, húmeda en estos días, y atrapando el aroma de la hierba mojada. Qué agradable sensación.
Como nos cantaba el gran Vicente Fernández en "El Rey", "una piedra en el camino me enseñó que mi destino era rodar y rodar", en "Un día en el parque", los Love of Lesbian repiten imagen e interpretan: "Como hojas que danzan el viento, así nos elevará el tiempo y nos hará rodar y rodar...". Lo que no sabemos es si hay final, si alguna vez dejaremos de girar sobre nosotros mismos y pararemos en el punto adecuado, donde todo tenga un sentido, en el perfecto equilibrio.
Lo importante es nunca renunciar y persistir, que no hay mayor remedio para combatir la soledad que seguir rodando y rodando hasta que sintamos que hemos llegado donde queríamos estar.
Cuántas nubes en las que viajaremos hasta sentir cuál es la más placentera, cuántos trenes cogeremos hasta que uno nos lleve a casa, cuántos besos desperdiciaremos hasta encontrar los labios correctos.
Estaremos rodando y rodando en el viaje del destino, irremediablemente sin conocer cuál es nuestra estación. Querremos pisar el acelerador algunos días y otros nos veremos con la necesidad de frenar, pero hacia delante es la dirección, siguiendo vectores que apuntan hacia todos los lados, provocando nuestra confusión y delirio.
Mientras tanto, con lo que tengo es con lo que me quedo, esperando poder tener un poco más algún día. Ha sido una mañana inolvidable, como todas las que pasan en un parque.
Ha sido una mañana inolvidable como todas las que pasan en un parque. ¿No serás tú? ¿No serás tú? Quizás no importa el sitio y eso está de más.
Si de todos mis delirios y mis cuentos sólo el tuyo ha mejorado el argumento, ¿no serás tú?, ¿no serás tú? Quizás no importa el tema y eso está de más.
Ahora me escondo y te obsrvo y te puedo decir: Yo mataré monstruos por ti, sólo tienes que avisar.
Ya hace algún tiempo salté y caí justo aquí. Aquellos safaris sin fin se esfumaron sin avisar. Hoy lo he vuelto a notar, cada nube es un plan, se transforma al viajar y no pesa y se va. Somos nubes, no más.
Como hojas que danzan al viento, así nos elevará el tiempo y nos hará rodar y rodar y rodar y rodar y rodar ...
Como hojas que danzan al viento, así os recogerá el tiempo y os hará rodar y rodar y rodar y rodar y rodar ...
Como hojas que danzan al viento, así os recogerá el tiempo y os hará rodar y rodar y rodar y rodar y rodar ...
Como hojas que danzan al viento, así os recogerá el tiempo y os hará rodar y rodar y rodar y rodar y rodar ...
Nunca hay final, no hay final, no es verdad, es verdad.
Nunca hay final, no hay final, no es verdad, es verdad.
Le ha costado lo suyo a nuestra adorada Florence & The Machine. Su disco "Lungs" ya puede vanagloriarse de haber conseguido un complicadísimo número 1 en la lista de discos más vendidos en el Reino Unido.
Se le había resistido cuando se publicó por el verano debido al repentino fallecimiento de Michael Jackson y el consumo masivo de sus discos, que hicieron que Florence y La Roux se quedaran con las ganas de encumbrar sus obras, relegándolas al #2.
Como buen álbum que es, está disfrutando de una segunda juventud gracias a la tremenda popularidad de sus últimos singles, "Dog days are over" y "You've got the love", otra campaña de Facebook por detrás y ganas de otorgarle ese merecidísimo número 1 que en su momento se le negó.
Paolo Nutini mantenía fuertemente el número 1 en estas dos últimas semanas, pero no ha podido resistirse más a los poderes de la pelirroja más conocida del momento. "Lungs" ya está en lo más alto. Meses después de que se publicara el disco. Tenemos todavía Florence para rato, tantos éxitos, "Drumming song", "Rabbit heart", "Kiss with a fist", la sucesión de sencillos ha sido imparable y ahora "Lungs" casi podría ser considerado un Grandes Éxitos debido a la gran cantidad de himnos reconocibles que contiene.
Cómo nos alegramos por ella, y qué mejor que celebrarlo viéndola el próximo 15 de Marzo en la Sala Heineken, Madrid. Todo un número 1 que visita nuestro país para enseñarnos por qué ha llegado tan lejos. Será una actuación vibrante, sin ninguna duda y Florence, aquella chica que cantaba en funerales, justificará y dará la razón a todos los que alguna vez apostamos por ella, cuando aún era casi una desconocida.
Escucha "Hurricane drunk", remezclado por The Horrors (los del mejor disco según NME). Es el último sencillo de Florence:
Las hermosas canciones de cuna, relajantes y pacíficas, serán de las primeras melodías que nuestros oídos vírgenes escuchan al poco de nacer. Si tenemos la suerte de tener unos padres con suficientes conocimientos musicales más allá del "Duérmete niño", las canciones de cuna te pueden seguir transportando a parajes de calma y bienestar por el resto de tu vida, porque es algo que se queda grabado en tu cerebro como tu nombre.
Algunos artistas, viéndose inspirados por el hecho de ser padre o madre, han visto como su creatividad apuntaba a una de estas bellas composiciones, haciendo sus palabras universales para todos los hijos, trayendo un mensaje de amor eterno escrito desde lo más intrínseco de su ser.
Quiero rescatar tres de estas canciones de cuna, que para mí suponen un momento de ternura que merece capturar de vez en cuando. Tres artistas muy diferentes con algo en común, es emocionante notar la entrega y dedicación en sus interpretaciones.
Canciones de cuna que te hacen cerrar los ojos y volver al regazo de una madre, que te hacen olvidar los problemas o te advierten de ellos. Canciones más allá del amor de un padre a su hijo.
Buenas noches a todos y que durmáis bien.
SHERYL CROW "LULLABY FOR WYATT"
Sheryl Crow adoptó a Wyatt en el 2007, cuando sólo tenía dos semanas. Sheryl había superado una situación difícil, la ruptura con el ciclista Lance Armstrong y un cáncer de pecho. Una de las ilusiones de Sheryl, según dejaba caer en muchas entrevistas, era la de ser madre. Probablemente su genética se lo impidiera y acabara recurriendo a la adopción. Después de pasar por una época realmente horrible, viéndose sola y recuperada, con fuerzas y ganas de entregar el amor que se había quedado almacenado en su interior, fue cuando decidió que Wyatt entrara en su vida.
Y no nos cabe duda de que es una madre formidable, viendo las cosas que le escribe a su hijo. Una canción de cuna enfocada a la relación finita entre hijo y madre y de cómo la vida pasará y tendrá que valerse por sí mismo, cómo el amor se irá marchando y encontrará su lugar lejos de ella. Como debe ser.
Sheryl toca la guitarra acústica mientras un violín realiza un hermoso acompañamiento, y con gran pena en su timbre de voz, realiza una especie de votos a su hijo. "Podré formar tu mente, pero para qué gastar el tiempo, querido. Hay mucho más que tienes que saber y yo te lo podré enseñar". La madre como maestra del hijo, como educadora ocasional, pero lo importante tendrá que descubrilo él solo.
Tema incluído en su último disco, "Detours", que para mí es un retorno a su mejor forma. "Lullaby for Wyatt" concluía el disco, con las risas de su hijo cerrando el tema.
"Recuerda que fuíste mío por un tiempo".
The world could fall apart But you're my heart, my dear I will sing this song 'Til we are gone, my dear
How do I keep you from losing your way Hope you'll go out and you'll come back some day But love is letting go And this I'll know
Cause you were mine For a time
I could shape your mind But why waste time, my dear There's so much more to know And I can show you dear
How do I keep you from losing your way
Hope you'll go out and you'll come back some day But love is letting go And this I'll know
Cause you were mine For a time
I have held you close And breathed your name, my dear I was with you then And will remain, my dear
How do I keep you from losing your way Hope you will find love like I did some day But love is letting go And this I'll know
Cause you were mine For a time
CLARA MONTES "NANA PARA UN PADRE"
Clara Montes, apoyada en la letra y música de Paco Ortega, introducía en su segundo largo, "El sur de la pasión", una canción confusa sobre la pérdida de una relación que podría ser el abandono de un hijo del lado de su madre o padre. Es difícil descifrar la letra de esta composición llena de nostalgia y melancolía.
Tan solo una orquesta de cuerda y las voces de Clara, apenada y amarga, con los coros (probablemente de Paco Ortega) que suenan puntuales. Un padre que busca en donde habita la luz y la alegría, intentando dejar curar sus heridas, reticentes a curarse. Después de tanto amor.
Preciosa en su morfología, sencilla e impactante, solicitando que dejemos todo lo que estamos haciendo para dejarnos llevar por su inquietante orquesta que en un tono allegro conjunta el texto agridulce con los tonos apagados de Clara.
Que te alejó del sol El sueño de vivir que a todos envenena. Después de tanto amor, después de tanto dar, irte sin una queja.
Después de tanto amor...
Diez gritos de dolor, la fuerza y la pasión, la vida que nos besa. Tan solo un gran amor recuerdas al cantar, las noches que regresan, después de tanta luz.
Ea, ea la ea, ea la ea, le piropea. Ea, ea la ea, ea la ea, le piropea. Te dormiré, te dormiré.
Te buscaré en el sur, adonde juega el sol, y habita la alegría. Descubriré el color que tiene la canción de la melancolía.
Después de tanto amor...
Ea, ea la ea, ea la ea, le piropea. Ea, ea la ea, ea la ea, le piropea. Te dormiré, te dormiré.
BILLY JOEL "LULLABYE (GOODNIGHT MY ANGEL)"
Billy Joel nos demostró en esta composición que formaba parte de su disco "River of dreams", la gran sensibilidad de la que goza.
Una canción de cuna al uso, pidiendo a su criatura que concilie el sueño y que sueñe con lo maravillosa que va a ser su vida. Joel evoca imágenes casi de cuento en la que me parece de las más hermosas canciones que en mi vida he escuchado de un padre dedicadas a un hijo.
Por eso la he querido dejar para el final, en cierta manera era la justificación de la creación de este artículo, rescatar esas hermosas canciones de cuna que algunos se han atrevido a confeccionar. Que son muchos menos que los que se arriesgan con las canciones navideñas.
Billy interpreta con voz firme y segura, al son de su piano y de la orquesta de Ira Newborn, los más tiernos sentimientos que se le pueden dedicar a un vástago. Enfocada a un niño de pronta edad, cuando las preguntas comienzan a surgir como torrentes y sus mentes inquietas no les permiten descansar, embutidos en un universo de fantasía, Joel entona una melodía fácil de memorizar y repetitiva, para que el niño se sienta agusto y familiar con ella.
Hay una frase por la parte final que realmente me parece hermoso y es la siguiente: "Someday your child will cry and if you sing this lullabye, then in your heart there will always be a part of me".
Y continúa así:
"Someday we'll all be gone, but lullabyes go on and on, they never die, that's how you and I will be".
Bella manera de recordar a alguien, generación tras generación, con las canciones que se transmiten de boca a boca. Empezando por las canciones de cuna.
Este tema fue extraído como single de "River of dreams", casi desconocido, por cierto. También dispone de video, así que aprovechamos para incluírlo.
Todos nos habremos marchado algún día, pero las canciones de cuna seguirán y seguirán.
*Verse 1* Good night my angel time to close you eyes And save these questions for another day I think I know what you've been asking me I think you know what I've been trying to say
I promised I would never leave you And you should always know Where ever you may go No matter where you are I never will be far away
*Verse 2* Good night my angel now it's time to sleep And still so many things I want to say Remember all the songs you sang for me When we went sailing on an emerald bay
And like a boat out on the ocean I'm rocking you to sleep The water's dark and deep Inside this ancient heart You'll always be a part of me
(Musical Bridge) Do do do do...
*Verse 3* Goodnight my angel now it's time to dream And dream how wondeful your life will be Someday your child will cry and if you sing this lullaby Then in your heart there will always be a part of me
Someday we'll all be gone But lullabies go on and on They never die that's how you and I will be
Todas las revistas de música especializadas se han rendido a sus pies. UNCUT, Mojo, The Word, por aquí en España lo han hecho Rockdeluxe y Mondosonoro. Las webs los han encumbrado siguiendo las corrientes. "Merriweather Post Pavilion" ha sido el mejor disco fechado a lo largo del año pasado. Encima nos han entregado recientemente, por si fuera poca creatividad la que tienen que ofrecer, un EP de cinco canciones de otra órbita, grabadas en otra galaxia, llamado "Fall be kind".
Pero muchos se pensarán, ¿realmente es para tanto las excesivas condecoraciones a esta banda formada por miembros que a su vez tienen otras bandas, músicos desde los pies a la cabeza? Bueno, en realidad elegir a los Animal Collective era la decisión más cómoda. Nadie se iba a escandalizar. Nos hemos pasado tanto tiempo oyendo una y otra vez lo fabulosos que son, que como animales defensivos, nos hemos mostrado reticentes a caer en la tentación y llevarles la razón.
Pero que me venga a decir alguien que este "Fall be kind" no es una puta maravilla, que es para rematarle y hacerle plantearse ciertos valores estéticos de lo que es bueno y malo. El viaje al frondoso vergel de la música pop, como comentaban los de Rockdelux, que era el "Merriweather..." sigue su senda en este EP, más marcado e inspirado que lo que nos podríamos esperar para lo que son temas que quedan fuera de discos grandes haciéndolos quizás más pequeños.
Pero es imposible ignorar la algarabía de "What would I want? (Sky)?", el tremendismo de "I think I can", la siniestralidad de "Bleeding", la pizpireta "Graze" y la etérea "On a highway". Cinco piezas que igual que una matriuska esconde más muñecas en su interior, contiene como subcanciones que se suceden unas a las otras.
Cada vez más notable la influencia de The Beach Boys, Supertramp o tirando de raíz, The Beatles, las canciones de Animal Collective se destacan por las ricas texturas inagotables con las que les gusta vestirlas. "Graze" empieza serpenteando, abriéndose camino en la selva con cuidado y seguro paso, para después camuflarse entre percusiones histriónicos y flautas alocadas. ¿Estamos de repente en la región del Tirol? ¿Cuándo hemos sobrepasado la frontera? Ni nos hemos dado cuenta, como si nos hubiéramos dormmido en el coche. Los Animal Collective te cambian una melodía sin apenas ser conscientes de lo que está ocurriendo, como por arte de birlibirloque.
"What would I want? Sky" es el universo en expansión, un terremoto sonoro que mata cualquier reticencia hacia esta banda. Partiendo de una minúscula frase de un tema de Grateful Dead, "Unbroken chain", en el primer sample permitido de esta banda, parece mentira que de algo tan pequeño hayan sacado la inspiración para realizar algo tan enorme. The Beach Boys en los coros, voces angelicales, panderetas, notas largas de sintetizadores, un estribillo que se presenta sin avisar. Escucharlo atentamente y dejarse llevar es toda una experiencia, un viaje sensorial.
"Bleeding" es una corriente de sangre directamente a la cabeza. Una voz a lo Darth Vader anticipa un sonido como de alarma de la segunda guerra mundial y cristales rotos. Las palabras crean tanta confusión como el paisaje que aquí nos pintan los Animal. Es el toque más tétrico de la pieza, su lado más Pink Floyd, una textura más oscura de lo usual, roja como la sangre.
"On a highway" te sitúa en una autopista. Pinceladas electrónicas y futuristas para presentarnos una melodía complicada e incómoda. En este caso, los sollozos fantasmales se reproducen aquí, percusiones que parecen adheridas al azar, pero acertadas. Me recuerda a esas oscuras caras b que acompañaban los singles de Tears for Fears de su "Songs from the big chair". Por un rato, la armonía de los tambores te invita a bailar, casi a ritmo africano, pero la canción vuelve a sus derroteros, a la agonía de la carretera.
Finiquitamos este EP con el track más largo, y el más rotundo. Palmas, más influencias africanas, soniquetes extraños... el viaje está llegando al fin pero la última parada parece que no va a defraudar. Nos encontramos en el nirvana aquí. Casi perdidos entre tanta capa, instrumentos que bailan acaloradamente con voces que salen de todas direcciones. Por delante y por detrás, "I think I can" es la confirmación de que unas buenas melodías, dándoles un vestido adecuada acaba deslumbrando allá donde se presente.
El otoño ha sido amable, el viaje ha merecido la pena.
Aviso: Este EP es realmente adictivo con cada nueva audición. Cuidadín!!
Lo mejor: I think I can, What would I want? Sky Lo peor: Puestos a quejarnos, su fea portada.
Aunque "Thirteens", lo último de Leona Naess (y quién será ésta, os preguntaréis), esconde varias gemas en su interior, la pieza más básica, el corte 4 llamado sin nombrar "Unnamed", es la que brilla con más intensidad. Menos es más.
Leona Naess tiene cuatro discos en el mercado ya, así que no es de las que acaban de aterrizar en este populoso pueblo artístico. Puede ser que sea de las vecinas que menos se muestren, de las más reservadas, pero ha conseguido poco a poco, álbum tras álbum y concierto a concierto, ganarse una reputación de buena ciudadana que más quisieran muchas de las que gozan de más fama en la villa.
"Thirteens" fue publicado en UK en el 2009, bajo el sello de Polydor y "Unnamed" es el tema que despierta la imaginación como ningún otro lo consigue.
Recurriendo a una programación de batería, un bajo, una guitarra y una pandereta, Leona no necesita más porque sabe que esta canción no gana con los adornos, sino que pierde chispa y candor.
Nos presenta un amor radiofónico lleno de imágenes para que el oyente piense lo que realmente le plazca, para que vuele la mente y pensemos lo que queremos. Canciones que aportan calor a los duros inviernos, que nos devuelven a momentos únicos, acordes dedicados, palabras entregadas. Pueden ser canciones como pueden ser conversaciones o momentos especiales.
Leona nos plantea una situación, como tan bien se le da, como buena escritora que es, y luego ya cada uno que entienda la película como vea.
En esta canción veo mucha elegancia, primero en los arreglos de la producción, que me parecen un aciertazo. El no querer saturarla con más, casi dándole la estructura de una demo, hace que sólo con la hermosa voz cálida de Leona nos podamos sentir cautivados. Después está la hermosa letra, el juego de palabras que se nos presenta. Leona demuestra originalidad en esta figura literaria a la que recurre, como ya recurrieron Semisonic en su tema "Singing in my sleep" (otro amor radiofónico).
Emocionante y virtuoso en su versión album, así como en la "Mellow version" que también se puede encontrar en la versión UK del disco, como bonus track. Una canción que merece la pena pescar del fondo del mar para llevarla a la superficie.
Aquí se notan sus influencias de Tracy Chapman, Joni Mitchell o Carole King.
"Unnamed", interpretada por Leona como lo va contando en la canción: "Singing strong, singing slow".
Espero que os guste.
PD: Quién se quede con las ganas de escuchar la "Mellow version" que lo diga, que se cuelga inmediatamente...
Pondría la letra, pero es que las que vienen por Internet tienen muchos fallos, las debe haber transcrito un estudiante frustrado del Opening.
Celebrando las 500 entradas que ya hay en el blog (uff, qué vértigo) nos unimos a la "celebración" que Madonna publicó hace unos meses en forma de recopilatorio doble.
Lo que suponía la tercera gran colección de hits de la Ciccone y la primera que englobaba su carrera de principio a fin, se ha quedado en una paupérrima colección que llega en el peor momento creativo de la reina del pop, como así lo demuestran las dos inéditas que lo acompañan.
Los de Rockdeluxe han incluído una breve referencia a este trabajo y vale la pena recuperarla porque lo que piensa una revista que va de progre y alternativa, capaz de encumbrar a gente tan cuestionable como Joe Crepúsculo o de acertar de pleno haciendo reyes a los Animal Collective, siempre es una interesante opinión que tener en cuenta.
Esto es lo que les parece el "Celebration":
¿Posee la Ciccone treinta y seis pepinazos inmarchitables que justifiquen un doble recopilatorio en sus (ya superadas) bodas de plata?. No exactamente. ¿Quién quiere volver a escuchar "Who's that girl?" o "La Isla bonita" a estas alturas de la película? ¿Y la reciente y flojísima "4 minutes"? Gustos particulares al margen, el álbum recoge motivos de sobra para reforzar la idea de Madonna como epítomede la inteligencia aplicada al pop.
Lo malo no es su contenido, sino su inexistente orden. Ya que la secuencia de un disco resulta a la música lo que la selección al fútbol (cada uno tiene la suya), más habría valido la cronología. Y no solo para revelar picarescas como el razonable parecido entre "Express yourself" (89) y "Vogue" (90), muy separadas.
También para exponer lo básico, su evolución como la reina de las pistas: primero el apoyo de Jellybean Benítez y Nile Rodgers (productor en "Like a virgin") y luego la cumbre, de la mano de Patrick Leonard, que representó "Like a prayer" (incluir de él "Keep it together" tampoco habría estado mal), sin olvidar su pasión por la lencería y las dignas incursiones electrónicas junto a William Orbit, además de sus idas y venidas en este siglo. Entre ellas, poco aportan los dos temas extra. Y pasma no ver ni una sola fecha en los créditos, así como la dispar procedencia de las mezclas. RAMÓN FERNÁNDEZ ESCOBAR.
Efectivamente Ramón, cada uno tiene su selección y la tuya parece bastante personal a la hora de elegir repertorio. Me parece que si hay una canción que no puede faltar en un recopilatorio de Madonna ésa es "La isla bonita" y "Who's that girl?" merece su inclusión tanto como la que más. Más que justificado. Lo que no parece haberle molestado es que no estén, y es una falta grave, éxitos recientes no incluídos en ninguna compilación como "Give it 2 me" y que sí aparezcan temas más flojos y menos exitosos como "Miles away". Ganas de llamar la atención y provocar enfados.
Meter "Keep it together" estaría de más faltando todo lo que falta y hablando de la vasta discografía de Madonna, porque ausencias hay, y muchas. No me parece lo completo que debería haber sido y será cuestión de esperar otro que sí incluya absolutamente todos sus singles.
¿A alguien más le ha parecido alucinante la comparación de "Vogue" con "Express yourself"? ¿Alguien me podría decir en qué narices se parecen?
Cada vez que habla Courtney Love, sube el precio de la barra del pan. Es alucinante. Después de leer en recientes titulares las mismas historietas sobre Kurt Cobain y su legado o la custodia de su hija Frances, ahora viene con la que es la gota que colma el vaso: A la señora ésta no la para nada ni nadie, es como una Belén Esteban con banda de rock y más tetas, pero en formas, chabacanería y operaciones de cirugía andan casi a la par.
Ahora ha decidido publicar ese disco que lleva anunciando siglos y el cual ya se filtró en parte hace meses, el "Nobody's daughter", bajo el nombre de Hole. Porque ella lo vale y aquí todos chitón.
Grabado al margen de los originales miembros de Hole, Eric Erlandson y Melissa Auf Der Maur, la viuda del grunge es consciente que con la etiqueta de Hole podría vender muchas más copias que si lo hace con su polémico nombre, siempre secundado de mala fama y dudable calidad. Eric y Melissa mostraron su consternación pública más o menos diciéndole a la señora que de qué iba, porque Courtney lo único que decía, con todo el morro que Dios le ha dado y ella tan sabiamente ha sabido mantener es que "Es Hole, por supuesto que sí. ¿Por qué lo hago así? Es así porque es así. Porque hemos negociado entre todos y se llegará a un acuerdo, todos disponemos de buenos abogados".
Ahora parece que Eric ha sido untado con rica guita pa'l bolsillo en declaraciones recientes de Love, así que con casi toda probabilidad y muchos cheques de por medio, finalmente lo nuevo de Courtney Love vendrá con el nombre de Hole, para confundir a todo el público. Se asegurarán con toda probabilidad de que cuando se promocione el disco se evite en la medida que se pueda que no hay rastro de Melissa y de Eric, que es lo que podría ser un disco de Courtney Love en solitario.
Las conciencias que mueve el dinero, aquí quien no llora no mama y todo con un buen billetazo se puede conseguir. Cómo se sabe la lección la famosa viuda.
Los caminos que tomamos para llegar a determinada música hoy por hoy son diversos y rebuscados, más accesible que nunca gracias a Internet, pero siempre hay algo que no falla, que son las recomendaciones. Aunque desde hace años disponemos de sistemas como lastfm que nos van apuntando artistas que, según lo que solemos escuchar, nos podrían gustar, lo mejor es que alguien que te conozca te diga: “tienes que oír esto”.
Eisley no me llegó como una recomendación directa, sino más bien indirecta. En los foros de Publispain montamos un concurso en el que había que elegir una canción siguiendo determinados criterios, y como artista desconocido alguien presentó su tema “Memories”.
“Room noises” andaba por mis archivos desde hacía tiempo, no obstante el disco está datado en 2005, pero no le había hecho ni caso, así que tras esta pieza tan exquisita decidí adentrarme en su habitación y dejarme cautivas por los ruidos que emite esta banda de jóvenes estadounidenses con cara de no romper un plato y referencias religiosas.
Lo primero que se me vino a la cabeza cuando oí la voz agrietada de Stacy Dupree era que teníamos ante nosotros una digna imitación de Sixpence None The Reacher. Aún hoy lo sigo pensando, que conste. Sus canciones con referencias cotidianas, escritas en el S.XXI aunque con temas universales y atemporales, se van haciéndose más familiares y hermosas en cada esporádico encuentro. Todavía recuerdo cómo me quedé maravillado ante la riqueza musical de “Memories”, con ese descomunal puente que hacía más redonda la melodía y cómo la ceguera de ese arranque me hacía estar obnubilado hacia con las demás. Como una herida que no acaba de curar, la costra se iba desprendiendo poco a poco y todo se hacía más elegible. Te presentan a Eisley y piensas que son un grupito más que sumarse al resto, vulgar y prescindible, cuyas canciones parecen concebidas para agradar y no entusiasmar, pero, cuántas más charlas he ido teniendo con ellos y más los he ido comprendiendo, me he dado cuenta de lo confundido que estaba. Craso error el que cometí.
Doce canciones entre 3 y 4 minutos que nos entregan unas armonías vocales muy bien arropadas por la producción, entre otros, de Rob Cavallo y John Shanks. La personalísima voz de Stacy, como era la de Leigh Nash de Sixpence, resulta ciertamente conmovedora en todo su repertorio. “I wasn’t prepared” no resulta fácil de interpretar, y menos con tanta pesadumbre, “Telescope eyes” podría haber sido escrita por Dido (me recuerda levemente a “Hunter”), “Brightly wound” tiene una melodía amable y apacible, “Marvelous things” o “My lovely” destacan por la fuerza que adquieren progresivamente, “Lost at sea” es complaciente a la vez que valiente o ese broche que es “Trolley Wood” con la que dan ganas de salir a la calle, chasqueando los dedos al compás de esta alegre tonada.
Entre las referencias que inspiran a esta banda, según vemos en la red, están The Beatles, Beach Boys o, más sorprendentemente por lo que indican, Radiohead o Pink Floyd. Nada de eso hay en estas composiciones que beben más de The Corrs, Dido o sus máximos equitativos, Sixpence None The Reacher, de los cuales me extraña no leer ninguna similitud por ahí. “Room noises” no hace ruído, sino que lentamente va levantando la voz para finalmente dar gritos al alma y engatusarnos. Es un álbum al que hay que acabar cogiéndole cariño, nada aparente y poco persuasivo, pero que pasito a pasito, corte tras corte, termina convenciendo.
Lo mejor: Memories, I wasn’t prepared, My lovely Lo peor: Plenty of paper.
"Don't tell me that it's over", como veníamos anunciando en este blog, es el adelanto del nuevo disco de la escocesa Amy MacDonald, todavía sin titular.
Un single con potencia y estilo que está dejando muy buenas vibraciones entre sus seguidores y que el único fallo que le noto es que parece un hit con fecha de caducidad, de esos que pueden pasar factura con el paso de las escuchas, no al ritmo acelerado que provocó "Loba" de Shakira pero sí con visión de futuro.
Recordad, hasta Marzo, no hay disco, así que paciencia amigos.
Ay, Mutya, no sabemos si te dieron la patada de las Sugababes, si te fuíste como comentaste tú, pero lo que sí sabemos es que andas un poco desorientada sobre cómo llevar tu carrera en solitario. Primero nos sacas un disco de canciones rancias que sonaba a más añejo que un disco de Neil Sedaka, y ahora nos sorprendes haciendo tu propia versión de la canción del verano más detestable que se recuerda en muchos años.
Sí, esa de Calle 13 que decía eso de "I know you want me, you know I want you..." ha sido grabado por la ex-sugababe junto a la patrulla X, esto es, Sisqo, MegaMan, DJ Ironik, Tanto Metro & Devonte, TQ, Steelo y Juxci D. No sé para qué narices tanta gente metidos en un bodrio que no es que necesite mucha preparación. Pues que si uno rapea, que si la otra canta el estribillo de marras, que si el otro hace sus "Uuh, uuh" y el otro dice que mezcla. Al final aquí oyes más voces que en un disco de la Kelly Family.
No es mi estilo poner este tipo de "música" (dónde hemos llegado, Señor!!), pero es que no puedo evitar pensar en la Mutya que nos cantaba esas hermosas cancioncillas junto a las Sugababes y me dan ganas de darla dos capones bien dados para que espabile y enfile de nuevo su trayectoria.
"Can you persuade me" es el título que le han dado a la pesadez de tonadilla. Si a alguien le gusta que no se corte y que lo diga, pero qué diga qué le ve que es lo más interesante.
Han dejado en cinco minutillos el tema de vuelta de Sade tras 10 años de silencio. Ya podemos disfrutar del video en el que parece que el tiempo no ha pasado por ella. Se atreve a lucir unos vestidos espectaculares entre un juego de luces tenebrosas, humo rojo y bailarines.
También se conoce el nombre de las 10 canciones que formarán el nuevo álbum. Contenido escaso, esperemos que merezcan la pena y que tenga una duración razonable, nada de 35 minutos.
1. The Moon and The Sky 2. Soldier of Love 3. Morning Bird 4. Babyfather 5. Long Hard Road 6. Be That Easy 7. Bring Me Home 8. In Another Time 9. Skin Sade 10. The Safest Place
La protagonista indiscutible del día de hoy ha sido la nieve. Para algunos una alegría y para otros un auténtico martirio.
Ese factor térmico que cubre de brochazos blancos todo lo que atisbamos por la ventana tiene su lado bueno y su lado malo. Los niños podrán disfrutar arrojándose bolas y formando muñecos pero los adultos sufrirán auténticas pesadillas si intentan salir al trabajo con sus coches. Como los ángeles de Miller de los que hablaban Counting Crows hace algún tiempo, está envuelta en un halo de gracia y pecado.
Pude seguir la trayectoria de estos americanos desde que "Mr. Jones" parecía reproducirse hasta de las paredes, en lo que fue un extrañamente demasiado maduro disco debut, "August and everything after". Una banda nueva se presentaba en los medios como una taciturna revisión de todo el vigorizante grunge que por aquél entonces se prodigaba. Adam Duritz, su cantante, parecía un tipo que acababa de salir de una cueva, con una visión algo agria del mundo pero con un don inmenso para retratar lo que a su alrededor acontencía.
"Miller's angels" era parte de su segundo disco, "Recovering the satellites", y era para aquellos que se vieron cautivados por su primera obra, la clave referencial que les devolvía directamente a la misma. Con Gil Norton en la producción emulando a T Bone Burnett, la teatralidad de Duritz era una constante en esta agonía de más de seis minutos.
Pocas veces se podrá escuchar a una persona pedir con tanta clemencia que le dejen solo, en su mundo, en su casa, en su dormitorio, debajo de la cama. Quizás en su cueva. Adam está analizando el mundo que le ha tocado vivir y necesita de pequeñas dosis para poder aceptarlo. El bien y el mal te saludan con una sonrisa en el primer paso desde el felpudo. Proceden del cielo azul, pero nunca sabes hacia dónde se dirigen.
Para los que conozcan un poco la obra de Counting Crows, hay un recurso repetido en la manera de escribir de Duritz, que es la de meterse en la piel de otros personajes para retratarnos sus propios monstruos. En "Miller's angels" alterna la tercera y la primera persona como él suele, mientras se compadece su canto, se ablanda su voz, se agrieta su alma, se arrodilla su cuerpo, se entrega al destino.
Un tema que deja muchas lecturas y que cada uno puede interpretar a su manera, pero con un poder casi sobrenatural que invade la estancia, que altera nuestros cuerpos. Casi como la nieve, con sus bondades y sus maldades, sale del cielo azul para luego desaparecer. Quién sabe hacia dónde va.
Mientras los copos ceden a la gravedad o los cúmulos de nieve se van deshaciendo, qué mejor que este tema de fondo para comprender lo efímera que es la vida.
Miller's angels in black and white Welcome everyone in Children dreaming of wrong and right Wrapped in grace and in sin
They come out of the blue sky They come out of the blue They come out of the blue sky But you never know where they're gonna go Hey Romeo
Miller's fingers are traveling down the length of her thigh But Miller's mind is still wandering Staring up at the sky
They come out of the blue sky They come out of the blue They come out of the blue sky But you never know where they're gonna go Hey Romeo Oh you never know, where they're gonna go Hey Romeo
Don't, don't, don't, don't, don't, don't, don't, don't come around Don't, don't, don't, don't, don't, don't, don't, don't come around Please don't, don't, don't, don't, don't, don't come around
Miller's angels are hovering in between the earth and the sun In the shadow of god's unwavering love I am a fortunate son
They come out of the blue sky They come out of the blue They come out of the blue sky But you never know Where they gonna go Hey Romeo No, you never know, where they gonna go Hey, Hey Romeo No, oh no you never know, where you gonna go Hey Romeo
Can't you hear me? Cause I'm screamin' I did not go outside yesterday Don't wake me please Don't wake me, cause I was dreamin' And I might just stay inside I don't go out much these days Sometimes I stay inside all day Leave me, leave me, leave me, leave me alone Won't you leave me, leave me, leave me, leave me alone Just leave me, leave me, leave me, leave me alone Won't you leave me, leave me, leave me, leave me alone Won't you leave me alone
ONE HIT WONDER: Dícese de aquel artista que triunfa y se hace popular con una única canción, pero que no consigue repetir el éxito de la misma, finalmente siendo relegado en el olvido y recordado nada más que por aquel gran hit. Este fenómeno se producía con mucha frecuencia durante los 80 y los 90 cuando las discográficas, ávidas de dinero, promocionaban desmesuradamente un tema de artistas noveles hasta la saturación y se olvidaban del resto del disco, bien porque fuera relleno para excusarse un long play, bien porque no tuviera las mismas cualidades comerciales. En la actualidad las compañías se cuidan bastante en no repetir este proceso y suelen repartir la promoción entre varias canciones, aunque siempre haya alguna que destaque más que las demás.
Será por One Hit Wonders para rellenar esta sección durante meses y meses. Os entregamos dos más que sumar a la lista, bastante dispares entre sí y con trayetorias en duración muy diferentes. Uno apenas se hizo notar algo y los otros tuvieron un dulce momento de gloria en España. Si queréis dar algún nombre para esta sección en los siguientes meses, dejad vuestra proposición en los comentarios.
BELL, BOOK & CANDLE
Hit de honor: Rescue Me (1997)
"Rescue me" fue un tema muy popular por toda Europa y en España causó un gran impacto debido a un contagioso y vigoroso estribillo fácil de cantar para los no anglosajones que entendían lo que les daba la gana. Personalmente he llegado a escuchar de todo menos lo que realmente se expresa y es porque aunque no dice otra cosa que "Let your amazement grow" no es tan fácil de captar y la entonación de la cantante no es que se diga muy clara. Así que se confundían con los "Le-ri-ló, le-ri-ló", "Radio-radio-radio", etc. que cualquiera pudiera imaginar. Por supuesto, una versión dance hizo estragos en la pista de baile. La canción se prestaba fácilmente a ello.
Quiénes eran: Algunos pensaban que era un grupo paralelo de Dolores O'Riordan, la vocal de Cranberries debido a su gran similitud en la voz, pero Bell, Book & Candle lo forman Jana Gross, Andy Birr y Hendrik Röder. El nombre lo tomaron de la película de 1958 protagonizada por James Stewart y Kim Novak.
El hito: Abanderaban un pop enérgico con estribillos contundentes que sobresalían sacando la cabeza en canciones expresamente escritas para alzamiento del chorus. Una fórmula repetitiva que acabó haciéndoles mella. Con "Read my sign", su primer álbum el cual contenía "Rescue me", alcanzaron unas ventas respetables en España, donde no cesaron de hacer promoción en varios programas de televisión de por aquel entonces e incluso regrabando su canción "Heyo" en un castellano muy pobre. De sus siguientes propuestas no se volvió a saber más por estos lares. Esta primera obra contenía una versión de una canción llamada "Destiny" escrita por Sheryl Crow, como rarera a comentar.
Qué hicieron después: Hasta 5 discos podemos contar de estos alemanes fieles a un estilo de pop radiante y automático que tanto gusta en Alemania. Tontearon con el dance en "The tube", el pop elegante de "Bigger" o repitieron fórmula en "Longing". "Bigger" es lo último que se sabe de ellos y data del 2005.
Más repertorio: Mantuvieron singles potenciales como "Catch you" o "Universe", todos directos a quedarse en tu cerebro desde la escucha número 1. En Alemania tienen una base de fans potente y su mercado se focaliza principalmente en el país germano y sus vecinos. La mayor parte de las canciones de "Read my sign" son más que salvables, un digno acompañamiento al gran hit, donde destacan "Read my sign", "Hurry up", "Imagine", "Rhapsody In Blue" o "See ya". Se nota que es el LP que más conozco de ellos, jeje.
Y ahora qué?: Pues siguen haciendo conciertos según su página web, donde todo está en alemán. No hay noticia de ningún disco nuevo, al menos no parece que así sea anunciado.
No sólo de un one hit vive el hombre: Una de las mencionadas, "See ya", ha sido siempre mi preferida de esta banda. Engloba todo lo que comentaba de ellos. Tranquilo comienzo para un exultante estribillo lleno de fuerza y vitalidad. Sencillo en planteamiento y efectivo en conjunto. Unas guitarras distorsionadas y un acompañamiento de voces resultón para ese subidón con sintetizadores que se viene en el coro. "Be sensible and let me go"...
KÉ
HIT DE HONOR: Strange World (1996). El single vendió más de 3 millones de copias y fue un gran pelotazo en el Reino Unido, Italia o Alemania.
Quién era: Una piel blanca casi de aspecto enfermizo y una voz andrógina a lo Tanita Tikaram, Kevin Grivois, de padre francés y madre india, adoptó el nickname de Ké para darse a conocer. El intérprete de New York sonaba a una chica, a un niño, tiraba de falsete, recurría a la furia, una estupenda voz colmada de registros que pedía a gritos buenas canciones con las que lucirse. Conocedor de su estupendo físico, lo explotó lo poco que le dejaron hacer, en el video de "Strange World" sale luciendo pectorales todo el rato así como en las fotos promocionales. Guarda un gran parecido físico con el actor Jonathan Rhys Meyers.
El hito: Aunque a muchos nos recordaba al "Losing my religion" de R.E.M., finalmente el himno antibélico que Ké nos proponía dejo atrás comparaciones odiosas para acabar siendo popular por sí solo. Como hemos dicho, se vendió el single como boletos en la Bruja de Oro. Una interpretación cuidada hasta el más mínimo detalle donde cada giro no es casual, en lo que es un tema que ha sabido envejecer logradamente, algo que era incapaz de hacer la mayor parte de su disco debut, "I am".
Qué hizo después: Hubo un segundo sencillo de aquel "I am", que no cumplió las expectativas y tras varios problemas con su discográfica BMG-RCA, finalmente fue despedido publicando un tercer disco, "Better Way Of Living", con una independiente. Colaboró por lo que parece con gente como Björk o Macy Gray y se cuenta que ha participado en la creación de algunas canciones de películas como "X-Men", nada de esto corroborable.
Más repertorio: Remitiéndonos a su primer disco, podemos citar "All yuo ever wanted" o la preciosa balada "Will I ever dream".
Y ahora qué?: Pues lo último que ha sacado con su nombre es del 2000, así que, como otros muchos, debe andar metido en otros quehaceres, quizás sea monitor de gimnasio o algo así...
No sólo de un one hit vive el hombre: Aunque con Ké nos cuesta sacar algo más de su repertorio, pero básicamente por desconocimiento. Yo dispongo de su primer disco original y se me hace flojo y pesado, pero como he destacado a "Will I ever dream?", que me parece intepretada con mucha sensibilidad, esa es la que vamos a escuchar. Casi me puedo imaginar las lágrimas cayendo por su rostro mientras reconoce "I never thought how hard living without you could be".
... ¿qué importa la imagen pública que tenga una?. Esa debe ser la máxima de la intérprete de himnos feministas como "Independent woman" o "Single Ladies".
No le ha importado actuar para Hannibal Khadafy, hijo de un dictador libanés, conocido por sus repetidas agresiones a mujeres, siempre y cuando se le paguen los suculentos 2 millones de dólares que el ricachón le ha ofrecido.
No será que a la cantante le haga falta la pasta, porque será de las artistas más millonarias de la actualidad, pero claro, el dinero llama a dinero y una oferta así no te la hacen todos los días.
Esta joyita de personaje es un violento hombre conocido porque el día de Navidad le rompió la nariz a su mujer, mandándola a la pobre al hospital o porque en el 2005 fuera arrestado en un hotel de Paris por golpear a una mujer.
Ahí está la credibilidad de una artista y de que lo que vende es ceniza, ni más ni menos. Por mucho dinero que tengas, si tienes unos ideales como tan convencida parecía estar Beyonce, no aceptes un trabajo así, porque lo único que haces es quedar malamente y además alimentas el poder de un ególatra maltratador como estos, que se creen los reyes del mundo y que pueden hacer lo que les sale de la punta de la nariz.
Quien sabe si en los próximos días, viendo la lluvia de críticas que está recibiendo la intérprete, se le ocurra o le aconsejen irremediablemente donar el dinero o parte del mismo a una asociación en defensa de los derechos de la mujer. Así algo limpiaría su imagen, porque la ha dejado por los suelos con este trabajito tan bien remunerado pero con tan mala prensa. Por ahora nadie ha dicho nada de a qué se va a destinar ese dinero, pero como tantas muchas que han actuado para jeques o ricachones con historiales conflictivos (Kylie, Rihanna) seguramente se lo quedará para uso y disfrute personal.
Ahora que siga haciendo apología por la independencia de la mujer, que le recordaremos los 2 millones que se ha llevado por actuar ante un maltratador.
Y sus fans que sigan adorándola y defendiéndola, venga, esperamos vuestros argumentos.
Para los primeros meses del 2010 está programada la publicación del nuevo álbum de los neozelandeses Crowded House.
Después de volver a la palestra con "Time on earth", quince años después de que deshicieran la formación y haber vivido en este periplo el suicidio de su batería, Paul Hester, el grupo ha recargado pilas y seguramente animados por la estupenda recepción de su pasada gira, que no por el disco nuevo en sí, le hayan cogido gusto de nuevo a eso de pasar tiempo juntos y seguir creando cosas interesantes.
"Time on earth", un trabajo más cercano a lo que ha hecho Neil Finn en solitario que a cualquier cosa publicada bajo el nombre de Crowded House, me fue enamorando poco a poco, como un noviazgo que se fragua lentamente con cada encuentro. Será porque todo lo que toca Finn con sus manos, bien sea solo, con su hermano o con la banda, provoca mi más absoluta sumisión, pues disfruté sobremanera ese disco de reencuentro.
Ahora, con Jim Scott (Wilco) en la mesa de producción se pronostican grandes hazañas, esta vez con la banda al completo metida en el estudio de grabación. Digo esto porque la elaboración de "Time on earth" fue algo extraña. Las canciones fueron pensadas para formar parte del próximo trabajo de Neil Finn en solitario, y cuando casi estaban ya todas mezcladas y casi finalizadas se sopesó la idea de regenerar Crowded House y fueron pocas las canciones en la que los demás miembros se vieron implicados. Todo el curro ya estaba hecho.
No sabemos fechas exactas, sólo auguran que van a sonar en algunos tracks como nunca hemos conocido a Crowded House y que aseguran, como hacen todas las bandas cuando graban disco nuevo, que es lo mejor que han hecho nunca.
Seguro que no nos decepcionan. Llevan muchos años en el negocio y nunca lo han hecho, hay razones para creerlos.
Este fue "Don't stop now", primer sencillo de "Time on earth".
Escucha aquí el fragmento de "Another day" que se ha divulgado.
Ese filón de oro que es Michael Jackson, más rentable muerto que vivo, sigue dando de qué hablar constantemente.
Poco a poco, en pequeñas dosis, se irá descubriendo material jamás editado del blanquinegro intérprete que el año pasado nos abandonó en extrañas circunstancias. La rareza que estos días está en el candelero es uno de los tracks que iba a formar parte de "Invincible", el último disco del rey de pop, ése que supuso el debacle casi total de su carrera.
Lenny Kravitz escribió "Another day" para Michael y grabaron una demo que finalmente no sería vista con buenos ojos por Jackson, como nos imaginamos, y no acabó siendo otra pieza más de un fatídico disco.
No sabemos quién ni cómo, pero se ha filtrado como minuto y medio de este demo, en el que además se puede escuchar la voz de un tío rapeando hablando sobre ella, el cual no ha debido ser identificado todavía. La grabación ha activado rápidamente la seguridad de Sony, discográfica de Michael, y está retirando de Youtube todos los videos que incluyen el polémico fragmentito. Así que el vídeo que incluyo probablemente dejará de estar activo en pocos días.
"Another day" no se publicó en la voz de Michael, pero el ladino Lenny lo reutilizó en su día y lo regrabó dándole un aspecto completamente diferente para su álbum "Baptism". Cambió el título a "Storm" y le pidió a Jay-Z que colaborara rapeando en los huecos instrumentales, como tan bien se le da al marido de Beyoncé, para martirio de los que odiamos el género.
Esta es la particular y floja adaptación de Lenny. Por cierto, qué gay sale Lenny en este video, por favor...
La grabación que ha dejado Jackson tiene su innegable sello, una fuerza en el estribillo inconfudiblemente propia y única de él y ese sonido tan característico que sólo él era capaz de fabricar. Sorprende escuchar lo que ha hecho Michael y luego lo que finalmente hizo Lenny Kravitz, quizás esa diferencia tan descomunal en el sonido fue lo que llevó a que discutieran cómo tenía que sonar ese "Another day", porque cuesta creer que nos encontremos ante la misma composición.
Lenny Kravitz: Que quede clarito que el dinero tiene que ir para mí.
Lenny, por su parte, ha dejado un video en Youtube en el que relata, haciéndose el sorprendido, cómo se ha filtrado parte del tema y que, para que no queden dudas sobre la autoría, que él ha escrito la canción, así como que tocó todos los instrumentos. Espera que algún día pueda salir a la luz de la manera en la que ambos querían que se hiciera, y en su totalidad, obviamente. A Lenny se le ponen los ojos con el símbolo del dólar, como en los dibujos animados, sólo con pensar en que este tema se filtre lo antes posible y que la gente empiece a dejarse los ahorros en él. Todo lo que lleva la firma de Michael Jackson ahora mismo es un lingote de oro y aquellas colaboraciones que realizó en vida van a ser más que amortizadas, y de qué manera. Primero ha sido Paul Anka y ahora Lenny Kravitz.
La máquina de hacer monedas sigue rentabilizando sin parar...
Le encuentro cierto interés pasional en recuperar críticas pasadas de fecha de discos de los que podríamos decir ya han ofrecido todo lo que podían dar, obras añejas cuya vida promocional ha llegado a su conclusión.
Ya tenemos los resultado definitivos de lo que ha sido crítica y recepción. Las críticas que solemos leer en los medios, como expresión más de promoción, se aventuran por costumbre inmediatamente después de la publicación de un disco, aunque en el lugar de los chulos de la revista Q, incluso antes de que salgan a la venta. Con ellas nos podemos hacer una idea de lo que va a ser un disco, pero no deja de ser una opinión pesonal más, por mucho que venga de un "profesional" que dice tener un oído más sensible a la hora de opinar sobre lo que es bueno o malo. En todo lo que sea valorar, siempre habrá un fondo subjetivo que es difícil equiparar, porque a cada uno nos gusta una cosa y eso no lo hace peor o mejor en la mayoría de los casos, a no ser que haya una unanimidad casi total o la falta de calidad sea evidente.
Todos nos habremos encontrado con críticas de discos o artistas que adoramos y frustrados comprobamos cómo van dejando mal posicionados una obra que nosotros creíamos perfecta, resultando tener más grietas de las que podíamos pensar o entrever. No deja de ser todo materia subjetiva y personal y podemos estar de acuerdo o no, pero hay que intentar siempre encontrar lo bueno y lo malo a las cosas y no sentar cátedra fulminantemente. Una puerta entreabierta para que haya corriente es lo mejor que puede hacer un crítico, aunque tenga que dar una valoración firme y concisa. Luego veremos si los argumentos que dan para criticar ese disco tan maravilloso son de peso o son simples gilipolleces, como leía recientemente en esta crítica de "1999" de Love of Lesbian. El problema llega cuando son muchos los que opinan igual y ya empiezas a ver ese disco con otro ojos. Pues no va a ser tan bueno... No nos preocupemos. A nosotros nos encanta y eso es lo importante. A nosotros y al que lo ha hecho también, seguramente.
Así que el que mejor reviews hace sin duda alguna es el paso del tiempo. Ahora vemos si un disco ha gustado al público, si se quedó en mera delicatessen para críticos sibaritas, si ha triunfado en ventas, si ha sido flor de un día o ha sido una carrera de fondo, lo que denota una obra consistente.
Me despierta curiosidad leer críticas que prometían o apostaban por algo para luego convertirse en aquello o en lo otro, pero todo lejos de lo que vaticinaban que iba a ocurrir. El disco de Yeah Yeah Yeahs, "It's Blitz!", habrá tenido unas críticas espectaculares pero ha sido de las ventas más pobres que recuerdan en su discográfica. La crítica los acoge con los brazos abiertos pero el público siente reticencia en gastarse el dinero en ellos. Es difícil convencer a público y prensa especializada. Hay más casos, como el "No line on the horizon" de U2, aunque las reviews lo encumbraban, ha sido de los que peor acogida han tenido entre los seguidores de los irlandeses. No ha habido coincidencia de gustos en este caso, aunque sí que lo ha habido en el "Merriweather Post Pavilion" de Animal Collective. Todos pensamos y admitimos que es el disco del año.
Hacer una crítica de un disco es deporte de riesgo, porque es ese paso del tiempo que hablábamos antes el que se puede convertir en una soga que acabe ahorcándote y acabando con tu credibilidad, porque se haya demostrado que un disco, que como ejemplo, digamos que lo has valorado mal, haya finalmente sido encumbrado por los medios, recibiendo premios y vendiendo estupendamente. Entonces se acuerdan de aquella review mediocre que tú realizaste que venía a decir que el disco era una mierdecilla, y que ha acabado demostrando que tan malo no debería ser. Expertos en meteduras de pata tenemos a los de El Pais en su boletín EP3, antes llamado El País de las Tentaciones, no he visto críticas más desafortunadas que las publicadas en ese medio.
El tema de las reviews se podría extender indefinidamente y tampoco es la cuestión. El propósito de esta sección es traer de nuevo a la actualidad aquellas que tiempos pasados hablaban de discos y que ahora, con la sabiduría que nos dan los años, podemos opinar sobre sus resultados, conociendo los detalles de su desarrollo en el mercado y recepción mediática.
Empezaremos con La Casa Azul y su laureado "La revolución Sexual", en esta crítica que aparecía en Enero del 2008 en Rockdeluxe.
Aquí va:
Que llegue a las tiendas un CD sin un solo corte de relleno ya debería ser motivo de celebración. Pero, además, en este tercer álbum Guille Milkyway se ha sabido sacudir la estética retro en favor de un sonido más artificial, plástico y a ratos histriónico. Ahí queda "No más Myolastan", un pedazo de himno que igual podría dejar contento a un fan de New Order que a uno de Aqua. La Casa Azul suena más que nunca a La Casa Azul, aunque en la canción que da título firmen la mejor apropiación de Dinarama que soy capaz de recordar.
Un experimento interesante sería pinchar "Chicos malos" en radiofórmulas de los cinco continentes. La canción lo tiene todo: melodía majestuosa, estribillo explosivo y un precioso destello de Abba. Se contagia y no te suelta. La enorme cultura musical de Milkyway da sustancia al nutritivo puré de influencias del álbum (desde las divas de los sesenta hasta el pop japonés, pasando por tótems indies de toda la vida, entre otras muchas fuentes).
El salto se nota también en lo que cuenta: atrás quedan las historias clásicas de desamor para dar paso a rimas sobre la hipocondria y la ansiedad. El autor ha dicho: "Hablo de lo que me pasa porque no soy bueno escribiendo letras". Por suerte se inspira en conflictos que sufrimos muchos (emocionales, sociales o laborales, que no son categorías tan distintas). Ojo al comienzo de "Prefiero no": "Todo el mundo necesita respirar / no hay quien pueda permitirse no parar /demasiada incertidumbre / demasiada autosuficiencia". Así de hostil es para muchos la vida en Occidente en el siglo XXI.
Vale, no es Leonard Cohen, pero cuando menos te lo esperas te desarma con una frase sencilla y destemplada. Ahora mismo se me ocurre "hoy me estoy gustando de verdad / sígueme la corriente" (gran retrato de esos momentos de entrañable estupidez por los que todos pasamos). Otro ejemplo: "Llegas a casa tarde y no paras de hablar / y aunque no lo parezca, quiero que hables más / eso me tranquiliza, ver que no tienes prisa". En la actualidad no es tan fácil firmar un verso de amor ajeno a los tópicos.
El gran mérito es que no estamos ante un disco deprimente, sino vigorizante. Cuando escucho "Un soplo en el corazón" (Family) me paso el rato pensando en lo sensible e inteligente que es Javier Aramburu. Cuando pongo "La revolución sexual", mi cerebro funciona menos y mis emociones más. Me siento acompañado. O sea, mejor. VICTOR LENORE.
Hubiera sido interesante realizar el experimento que aquí se propone, aunque en parte se haya efectuado, no con "Chicos malos" sino con "La revolución sexual". Puedo apostar un brazo a que el 95% de las personas no podrían mencionarme otra canción de este disco que no sea la que da título. Seguro que ha sonado en los cinco continentes, porque llegó un momento que parecía que iba a sonar hasta del cabezal de la ducha. Qué saturación tuvimos, y gran parte de la culpa la tiene el propio Guille que la intentó presentar en Eurovisión, la ha incluído repetidas veces en varios discos, incluso en una banda sonora de reciente facturación en la que participa. Parece que La Casa Azul no tiene otra cancioncita que ofrecer al mundo.
El redactor indica que no hay canción de relleno, pero parece que no ha sido así, porque todo lo que podemos recordar de este disco es ese sonido disco pop ochentero de "La revolución sexual", por cierto, muy alejado de lo que es el resto del disco, más inferior en lo que se refiere a calado.
Este batiburrillo de soniquetes a lo máquina tragaperras que se expone a lo largo de todo el disco llega a ser petulante, recargado y a ratos molesto. Disco que yo me compré original confiando en tanta espectacular review y en la potencia del single que hoy por hoy podemos decir que puede convertir a La Casa Azul en los próximos "One hit wonder" de este blog.
No digo que estemos hablando de algo bueno o malo, no presté las suficientes audiciones como para opinar, porque me encontré con algo que no me esperaba en un primer momento y aún medito el resultado intentando darle otra oportunidad sabiendo lo que ya hay, asimilando el contenido.
Uno se piensa al leer este tipo de comentarios y escuchando el tema de marras famoso, que va a ser un álbum con el que se va a cagar hasta la perra, pero no hay que olvidar que el disco se divide en dos partes: La sola canción "La revolución sexual" y su inspiración en el conocido "Ritmo de la noche", y el resto; melodías menos automáticas, más excéntricas y para camuflar su vulgaridad, más adornadas.
La cantautora Patty Griffin, una de mis debilidades más desconocidas, va a publicar nuevo álbum en unos pocos días. "Downtown church" tiene planificada su salida oficial para el 26 de Enero, lo cual significa que con mucha probabilidad días antes ya vague por la red. Shawn Colvin le devolverá el favor de intervenir en "These four walls" y además habrá colaboraciones de Emmylou Harris, Raul Malo y la producción de Buddy Miller. Así que por compañia no será.
Grabado en una iglesia, Patty nos sorprende esta vez entregándonos un repertorio gospel. La artista que ha vendido en su carrera más de un millón de discos en el país de las barras y las estrellas y dueña de algún Grammy, posee una voz prodigiosa capaz de emocionar el rincón más recóndito de nuestra alma, así que verla en versión gospel no deja de ser algo intrigante. Sus discos anteriores, sobre todo "Children running through" están más que recomendados para aquellos que disfruten con una voz feminina de calidad y unas composiones realmente sobrecogedoras. De su amor por el gospel y la música coral con transfondo religioso ya nos dío pistas en uno de los cortes de este disco, "Heavenly day".
Aquí un video de youtube con este tema como acompañamiento. Aguantad hasta el final de la canción, cuando Patty alza su voz hasta notas altísimas, demostrando que está dotada de un don único para la música.
Allá por 1997 una gira realizada por varias artistas femeninas por los Estados Juntitos resultó un gran éxito de crítica y público, llevándose a cabo durante sólo tres años. Shawn Colvin, Meredith Brooks, Lisa Loeb o Natalie Merchant se dejaron caer por el escenario de lo que fue llamado Lilith Fair, un proyecto para lanzamiento y apoyo de la mujer en la música, creado por Sarah Mclachlan.
Aunque quizás nos haría más ilusión un nuevo trabajo discográfico de Sarah, la canadiense, la cual no se debe sentir muy inspirada en estos últimos años viendo la frecuencia con la que entrega material nuevo, ha decidido recuperar la esencia Lilith Fair y volver con una nueva gira en comuna para este 2010, como así anuncia desde su página web.
Confirmadas tenemos la presencia de Tegan & Sara, May J. Blige o Sheryl Crow (que actuó en los originarios) y aunque se le propuso, Tori Amos ha rechazado la oferta de acompañar al elenco de nenas. Tori cortesmente ha comentado que prefiere que sea una catapulta para artistas nuevas que no consolidadas venidas a menos. Tori se siente muy afortunada de poder hacer un tour por ella misma y llenar salas y lo de prepararse un concierto para actuar quince o veinte minutos no le apetece mucho a la pelirroja, como ha expresado. Razón no la falta, porque por aquel 1997, Lilith Fair apoyó a los nuevos valores surgidos en la escena femenina de los últimos años. No tiene mucha gracia ver viejas glorias como Sheryl o la propia Sarah que también formará parte del elenco reivindicando un puesto más significativo para las féminas cuando ellas ya tienen "todo el pescado vendido". Sería quizás más emocionante hallar en el mismo escenario a mujeres como Bat for Lashes, Florence & The Machine, Laura Veirs, Nerina Pallot o Norah Jones.
No deja de ser una buena noticia reencontrarse con este show, aunque sea en este formato de viejas glorias, que en su momento fue criticado por su elevado índice de feminismo, lo cual la propia Mclachlan defiende aludiendo que todavía hay muchas diferencias en cómo se ve a la mujer en el panorama musical, las cuales hay que solventar.
Esperamos que repitan el éxito que obtuvieron a finales de los noventa y que Sarah vea en la calurosa acogida del evento una excusa para meterse de una vez por todas en el estudio y sacar algo bajo su nombre. Algo original, no a vivir de las rentas y de antiguos proyectos comunes.
Os dejo un video de Sarah interpretando "Building a mistery", uno de sus mayores éxitos:
Pues la nieve de este largo Enero ya la trae Love of Lesbian, en lo que es el nuevo sencillo que se recoge de su espléndido "1999". No será por obstinación y entrega de singles. Ya hemos perdido la cuenta de cuántos videos promocionales llevan realizados, pero si siguen contando con la eficaz Lyona para retratar en imágenes su música, no nos cansaremos de rogar por más.
El mero pensamiento de un segundo asalto nos evoca rápidamente al boxeo y a un ring, y es ahí donde han querido representar las escenas que se suceden mientras los copos de nieve lo cubren todo y las miradas lánguidas son continuas, desesperanzadoras y cansadas. Piden clemencia con los ojos, no hay fuerza que pueda sostener este golpe ganador.
Tenemos a la pareja protagonista de todo el concepto del disco, al que se suma la aparición en esta ocasión de la banda, con un Santi Balmés derrotado sangrando tumbado sobre la nieve y tomando el papel estelar en la parte final del video. Parece ser que está todo perdido, antes de que sonara la campana que anuncia el combate se muestra casi una plena rendición. "Ganas tú y lo haces sin apenas mover los brazos".
La creadora catalana ha sabido recrear a la perfección todo el mensaje que la canción requería.
Sólo queda que las cadenas de clips quieran embellecer su contenido mostrándonos este "Segundo asalto", algo que deberían hacer incluso gratuitamente, que de ilusiones también se vive. Las otorgaría notoriedad. Esperamos que Warner se arrasque los bolsillos porque con "Segundo asalto" podrían llegar muy alto en el panorama musical, tiene potencial para encumbrarlos. Su melancolía no tiene límites.
Woodpigeon es una banda indie canadiense que está a puntito de sorprendernos con su tercer disco, para publicarse el 12 de Enero. A la cabeza de sus ocho miembros está Mark Hamilton, cantante y compositor, que comentaba cómo su estancia durante algún tiempo por Alemania había influído en la formación de los quince cortes que comprenden esta nueva obra, de título "Die Stadt Muzikanten".
Recomiendo antes de hacerse con nada nuevo de ellos escuchar atentamente su primer trabajo, "Songbook", toda una maravilla. Este sería su tercer largo.
No podemos resistirnos a seguir mirando hacia atrás y seguir publicando esas listas que tanto nos gustan y tantas ideas nos dan, sobre todo a los que desconocemos más del 75% de su contenido.
Los de UNCUT, esa revista que nada entre dos aguas a mitad de la más moderna Q y la más tradicional MOJO, publica, cómo no, su selección de lo más destacado del 2009. No es que el resultado sea sorprendente, el número 1 es más que predecible (los más valientes, los de NME nombrando a The Horrors), y tampoco se han puesto en evidencia como los de Q poniendo a Mika o Muse, pero yo personalmente lo prefiero así, porque pienso que hay muchos más peces por pescar de los que parece que ya hemos pescado.
Aquí va el resultado.
50 - KURT VILE "CHILDISH PRODIGY" 49 - JAY-Z "THE BLUEPRINT 3" 48 - RAPHAEL SAADIQ "THE WAY I SEE IT" 47 - ALASDAIR ROBERTS "SPOILS" 46 - BROADCAST & THE FOCUS GROUP "BROADCAST AND THE FOCUS GROUP INVESTIGATE..." 45 - RICHMOND FONTAINE "WE USED TO THINK THE FREEWAY SOUNDED LIKE A RIVER" 44 - REIGNING SOUND "LOVE AND CURSES" 43 - BRUCE SPRINGSTEEN "WORKING ON A DREAM" 42 - RICHARD HAWLEY "TRUELOVE'S GUTTER" 41 - VAN MORRISON "ASTRAL WEEKS LIVE AT THE HOLLYWOOD BOWL" 40 - THE FELICE BROTHERS "YONDER IS THE CLOCK" 39 - CORNERSHOP "JUDY SUCKS A LEMON FOR BREAKFAST" 38 - ARCTIC MONKEYS "HUMBUG" 37 - DINOSAUR JR. "FARM" 36 - FUCK BUTTONS "TAROT SPORT" 35 - TINARIWEN "IMIDIWAN: COMPANIONS" 34 - TREMBLING BELLS "CARBETH" 33 - THE DUKE & THE KING "NOTHING GOLD CAN STAY" 32 - IGGY POP "PRÉLIMINAIRES" 31 - THE DEAD WEATHER "HOREHOUND" 30 - JIM O'ROURKE "THE VISITOR" 29 - PJ HARVEY & JOHN PARISH "A WOMAN A MAN WALKED BY" 28 - MADNESS "THE LIBERTY OF NORTON FOLGATE" 27 - YO LA TENGO "POPULAR SONGS" 26 - THE UNTHANKS "HERE'S THE TENDER COMING" 25 - SUNN O))) "MONOLITHS AND DIMENSIONS 24 - MICACHU & THE SHAPES "JEWELLERY" 23 - MANIC STREET PREACHERS "JOURNAL FOR PLAGUE LOVERS" 22 - ALELA DIANE "TO BE STILL" 21 - THE LOW ANTHEM "OH MY GOD, CHARLIE BROWN" 20 - THE HORRORS "PRIMARY COLOURS" 19 - SONIC YOUTH "THE ETERNAL" 18 - GRAHAM COXON "THE SPINNING TOP" 17 - DOVES "KINGDOM OF RUST" 16 - FLORENCE & THE MACHINE "LUNGS" 15 - BASSEKOU KOUYATE AND NIGONI BA "I SPEAK FULA" 14 - THE FLAMING LIPS "EMBRYONIC" 13 - WHITE DENIM "FITS" 12 - FEVER RAY "FEVER RAY" 11 - BILL CALAHAN "SOMETIMES I WISH WE WERE AN EAGLE" 10 - PHOENIX "WOLFGANG AMADEUS PHOENIX" 09 - YEAH YEAH YEAHS! "IT'S BLITZ!" 08 - GRIZZLY BEAR "VECKATIMEST" 07 - WILCO "WILCO (THE ALBUM") 06 - THE XX "THE XX" 05 - WILD BEASTS "THE DANCERS" 04 - BOB DYLAN "TOGETHER THROUGH LIFE" 03 - THE DIRTY PROJECTORS "BITTE ORCA" 02 - SUPER FURRY ANIMALS "DARK DAYS/LIGHT YEARS"
01 - ANIMAL COLLECTIVE "MERRIWEATHER POST PAVILION"
"MY GIRLS"
Disculpen mi ignorancia si me suenan a chino los nombres de Raphael Saadiq, , Alasdair Roberts o Bassesoku Kouyate. Habrá que leer el artículo entero para obtener más información de aquí los amigos, que aparecen mezclados junto a veteranos como el Boss, Iggy Pop o Van Morrison.
No cabe duda, hay unanimidad a la hora de encumbrar a gente como Florence & The Machine, Grizzly Bear, The XX, Wild Beats o Yeah Yeah Yeahs!. Están en todos los saraos, no hay ninguno al que no les hayan invitado, y encima están llamando la atención quedando bastante bien posicionados. A Florence no le dan el #2 que le dieron los de Q, pero ahí la tenemos, más omnipresente que en el propio blog. Richard Hawley y Arctic Monkeys aquí aparece bajísimo y sin embargo, a los Wilco les sitúan en el #7. Con un par.
Como he dicho, puede ser de las listas más conservadoras de todas, perfectamente puede haber sido confeccionada sacando resultados medios de las de las demás, y quizás por eso será que me gusta tanto, porque es como el promedio que era necesario chequear.
Seguro que muy pocos habrán escuchado más de diez discos de los que aquí aparecen, pero eso no quita para que nos los apuntemos y les demos una oportunidad en el futuro. Quizás no en el 2010, sino muchos años después. Recordemos que la música nunca muera.
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